Mastering Hybrid Music Production:Kombinera live- och virtuella instrument

Virtuella instrument är bra. Det går inte att diskutera fördelarna med att ha ett virtuellt överflöd av trumprover och orkesterbibliotek till hands när man skapar en demo eller arrangerar musik. Väldigt få av oss har turen att ha tillgång till professionella spelare, förstklassig utrustning, ett ljudisolerat utrymme av hög kvalitet att spela in eller budgeten för att spela in varje instrument live, även om det finns sätt att skapa en hemmainspelningsstudio på en budget. 

Att använda virtuella instrument är verkligen inget nytt – mindre projektstudior och fristående konstnärer finns överallt och tillgången till en stor samling digitala instrument och bibliotek är nu överkomlig. Och de låter också mer realistiskt än någonsin.

Men låtarrangemang som uteslutande är beroende av dem kan ofta ha ett litet problem:en stel eller själlös kvalitet, en statisk känsla, en brist på mänsklighet som finns i ett liveframträdande. Kan du höra skillnaden i dina favoritlåtar mellan musikavsnitten som skapats av virtuell instrumentering jämfört med livemusik? Möjligen inte. Detta beror också på många faktorer såsom ett tränat öra eller bekantheten med särskilda instrument som är inblandade. Du kanske inte hör skillnaderna i ton omedelbart, men våra öron dras undermedvetet till de subtila nyanserna av den äkta varan, prestandaaspekten, de små detaljerna, luften och gesterna. Det är därför en strategisk användning av både virtuella och live-instrument är en vinnande formel för att arrangera.

Trummor var ett av de första instrumenten som blev virtuella. Även ett orättvist öra kan identifiera en solid 80-tals trummaskin i en låt. Idag är ett välarbetat virtuellt trumspår ofta omöjligt att skilja från en liveinspelning, speciellt om det spelas av pinnar och pads på ett elektriskt trumset. Detta ger utrymme för tonal variation och naturlig dynamik. Och om spelet inte är exakt, har du möjlighet att kvantisera det till perfektion om så önskas, ett basljud i många genrer.

Men vad händer om du använder en noggrant kvantifierad trumslinga, fulländad till ett rutnät, med hjälp av dina drömmars virtuella kit, och något fortfarande känns kallt? Varför inte pumpa in lite liv i det. Försök att överdubba några levande cymbalblommor. Detta kan vara ett effektivt drag, särskilt när du kommer in och ut ur sektioner, vilket ger lite virtuell handledslöshet och naturlig känsla till det övergripande slaget. En trummis personliga stil beror ofta på deras subtila och försiktiga användning av sina cymbaler – ibland är de hårda slagare, eller så kanske en låt uppmuntrar dem att använda tonala manipulationer och dynamik, eller så skapar de spänning när de håller tillbaka. Hur utformad deras stickning är gör en enorm skillnad för en inspelning. Det finns så mycket mer att bara hålla tid.

Virtuella hi-hatljud anses ofta vara ett svagare område i utvecklingen av digitala trummor. Ofta saknas kvaliteten på cymbalens fina detaljer, därför kan det få din låt att låta mer levande om en livetrummis ersätter de virtuella hi-hatarna för en mer nyanserad känsla. Trummisens vänstra fot kommer också till uttryck i hennes användning av hi-hatten. Den stegvisa öppningen och stängningen av cymbalerna ger låten en push and pull-känsla, vilket ger antingen en drivande respektive avslappnad känsla. 

Auxiliary percussion är ett annat område för förbättring praktiskt taget. Lyckligtvis är detta inte alltför svårt att spela in live. Prova att välja riktiga tamburiner, maracas, shakers eller hittade slaginstrument för att lägga till ett unikt och naturligt inslag till ditt verk.

Eller få alla i studion att lägga till handklappar. Mindre är ofta mer i den här typen av situationer, så du behöver inte alltid spendera dagar av din studiotid på att rota igenom slagverkslådan. Och kom ihåg att dessa instrument inte alltid behöver användas påträngande, något de ofta är i fara för. De kan användas ekonomiskt, begravda långt tillbaka i mixen, eller tillsammans med de viktigaste rytmdelarna för att lägga till dynamiska konturer. Eller sätt igång dem högt i din blandning och gör ett djärvt uttalande.

Till sist, vilket element kan man räkna med att utföras av en människa? Sång förstås, även om många av oohs och ahhs vi hör från bakgrundskören att röster med största säkerhet kapas från den virtuella domänen varje dag. Vi gillar undermedvetet ofullkomligheterna i den mänskliga rösten, så var försiktig med önskan att alltför mekanisera dem, speciellt om det är den enda livedelen i ditt annars virtuella arrangemang. Det här kan vara det viktiga avsnittet som framkallar rysningar, lägger till dramatik eller riktiga känslor till låten. Även de mest programmerade låtarna kommer att dra nytta av anpassningen av en sångare och deras sånggester, ibland fantastiskt blandade (tänk karaoke).

Naturligtvis finns det många fler virtuella och levande instrument som vi inte diskuterade – gitarrer, basar, blås- eller stråkinstrument, stora orkesterlappar. Kom ihåg att varje aspekt av arrangemanget är en liten del av den övergripande känslan, så ägna särskild uppmärksamhet åt detaljerna och fokusera på hur de fungerar tillsammans som en helhet. Kanske är den svårfångade faktorn gömd i distinktioner, eller så är det det djärva riffet som sticker ut.

Vad det än är, vill du att folk ska komma ihåg din låt. Definitionen av vad som är kvalitetsinstrumentering är ständigt föränderlig och subjektiv, så förhoppningsvis kommer du att sikta på det som rör dig. När det gäller ditt jobbmixande är de goda nyheterna att genomsnittliga lyssnare inte skiljer på varje enskild del som utgör vårt inspelade musikstycke. Istället hör de allt som en helhet, eller en "vibb". Det här är magin med att blanda.

Sara Landeau

Sara är en gitarrist, basist, trummis, utbildare, musikprogramkoordinator, producent, ingenjör, musikdirektör, låtskrivare och artist bosatt i NYC.