När jag undervisar i belysningsteknik förklarar jag för mina elever att för att förstå var och varför en lampa är placerad på ett givet sätt måste vi börja från början. Klassisk konst, i synnerhet målningar, har de flesta ledtrådar vi behöver för att börja belysa våra karaktärer. Belysningens estetik etablerades för hundratals år sedan.
Medan många stora och begåvade konstnärer har bidragit till den grundläggande kvaliteten på det arbete vi gör, är den som kanske är mest hänförbar Rembrandt Van Rijn. Rembrandt är den mest kända av de klassiska holländska målarna. Han föddes 1606, i en stad sydväst om Amsterdam. 1625 öppnade han en ateljé och började sin själfulla studie av dramatiken i mänsklig erfarenhet genom målning. Han ägnade särskild uppmärksamhet åt sina undersåtars ansikten och ögon, eftersom det är dessa platser där uppenbarelsens omedelbarhet upplevs. Hans intensiva fokus på bystens form och detaljer – axlar, huvud och nacke – utgjorde grunden för en stil som skulle stanna med honom hela karriären.
Börja med nyckeln
En av de främsta utmaningarna för Rembrandt, och andra i 1400-talets Europa, var återgivningen av tredimensionella motiv på en tvådimensionell duk och kvaliteten på bilden i termer av dess realism. På Rembrandts tid fanns det få sätt att belysa ditt ämne. Man kunde måla ute där belysningen var som mest, men vädret var en faktor, eller i en studio som behövde tillräckligt med fönsterljus eller lämplig konstgjord atmosfär. Tonomfång och färgkvalitet indikerar att majoriteten av Rembrandts motiv målades inuti under oljelampor eller levande ljus. Lägg märke till den varma kvaliteten i figurerna 1 till 4.
Formen på ansiktet är helt utformad när noggrann placering av den primära ljuskällan riktas mot motivet. Genom att göra det skapar vi vad vi kallar ett "nyckel"-ljus. Under sin karriär gjorde Rembrandt en serie självporträtt i ett försök att förstå detta förhållande. En noggrann studie av de förändringar som äger rum i hans egen likhet avslöjade hur ljus spelade en central roll för att definiera texturen och karaktären hos hans motiv.
Nyckelljuset är det viktigaste ljuset i ett trepunktsbelysningsscenario. Utan den skulle vårt motiv inte ha tillräcklig belysning för att fastställa grundläggande form, volym, färg eller struktur på hud och kläder. Placeringen av nyckelljuset kan ha demonstrativa effekter på smalheten eller fylligheten i vårt utseende. En position vinkelrätt mot vår ram (sidoljus) ger en tunnare kvalitet till ansiktet. Tänk på figurerna 1 och 3. 
Om vi stänger ner vinkeln på nyckelljuset och flyttar det mer till framsidan av motivet - närmare kameralinsen - blir resultatet ett plattare ansikte med färre skuggor för att definiera alla ytegenskaper. Notera de rundare effekterna av den mer frontala belysningen från figurerna 2 och 4. 
Skratlinjer och gyllene trianglar
I de flesta fall, när den perfekta reflektionsvinkeln från Rembrandts nyckelljus uppnåddes, skulle en liten del av triangulär höjdpunkt dyka upp under motivets öga, belägen mittemot ljuskällan. Observera figurerna 1 och 4. Denna biprodukt är känd som "Gyllene triangeln". Rembrandt förstod att om han kunde observera den gyllene triangeln ur sin synvinkel, så gav nyckelljuset den mest smickrande och dramatiska formen till hans motiv, vilket effektivt ramade in uttrycket samtidigt som det definierade aspekterna av näsans och kindstrukturerna. Naturligtvis är alla resultat subjektiva, men om vi försöker belysning i Rembrandt-stil är att bevittna den gyllene triangeln en indikation på att vi har lyckats. 
Medan hattens brätte i vart och ett av dessa exempel blockerar ett överflöd av belysning nära toppen av pannan, är det den höga placeringen av nyckelljuset som uttalar ansiktsdragen i sig. Kindben, skrattränder, fylliga läppar, utskjutande ögonbryn, en tjock näsa och hakfunktioner påverkas alla av höjden på nyckelljuset och dess närhet från sidan mot framsidan av motivet. Utgångsläget för vårt nyckelljus är 45 grader från axeln från kameran, med avseende på motivet, och något över ögonhöjd. Från den utgångspunkten flyttar vi runt det för att passa det ämne vi arbetar med. 
Chiaroscuro:Highlight and Shadow
När vi har uppnått den önskade nyckelkvaliteten, och vårt motiv är tillräckligt format och belyst, måste vi bestämma en nivå av övergripande kontrast för renderingen. Chiaroscuro är en term, från renässansen, som antyder nivån av högdagrar kontra skugga som vi tillåter i vår belysning. Ju mer kontrast vi skapar när vi belyser våra motiv, desto mer "stämning" kan framkallas. Bilder med hög grad av skugga ses som mystiska eller negativa i klangen. Omvänt kan mindre kontraster som används i vår belysning innebära öppenhet, kärlek eller medvetenhet.
Lägg märke till exponeringsnivån i ansiktet på "Profetinnan Anna", från 1631. I konstnärens ram läser en gammal kvinna ett manuskript med ljuset från nyckeln strömmande in från hennes axel (fig. 5). 
Lägg märke till i vilken grad vi ser detaljer i hennes ansikte. Även om hon vänds bort från sin ljuskälla, förverkligas hennes uppförande fullt ut när ljuset studsar från Bibeln och mot hennes ansikte. Denna kvalitet av indirekt belysning kallas "fyllning", och den kan uppnås ganska enkelt genom att studsa ljus på motivet eller genom att använda en riktad sekundär ljuskälla. Vi kallar den extra källan för ett "fyll"-ljus, eftersom det "fyller ut" skuggorna och sänker den totala kontrasten i scenen. Vanligtvis är utfyllnadsljus placerade komplementära eller motsatta sin nyckelkälla med avseende på kameraplacering.
I vilken utsträckning vi använder ett fyllningsljus, dikteras av personlig smak eller av de subtila ledtrådarna som finns i vårt manus. Om det okända antas eller antydan om död, ondska eller sorg krävs, kan vi använda en liten grad av fyllnad. Eller, ingen alls, som i figur 2.
Ju mer vi belyser scenen, desto mer positiva blir konsekvenserna för våra karaktärer. Lägg märke till den icke-konfronterande aspekten av självporträttet i figur 4? Som nämnts tidigare kan fyllningsljus introduceras som indirekt eller reflekterat ljus, vilket skulle samlas in från ljusa kostymer. Fyllningsljus kan också studsas bort från ytor, som bord, bänkar och andra spelpjäser, eller med vitt kartong som kallas "Show Cards" eller "B-Boards". De köps vanligtvis från konstbutiker eller belysningsuthyrningshus. De kan också tillverkas av frigolitskiva, som de byggmaterial som används för att isolera hem, och kan erhållas från din lokala hemförbättringsbutik. Ljus som reflekteras från färgade material eller ytor kommer att behålla den faktiska färgen på dessa ytor. Därför, när du köper skumbräda eller kartong, är det nödvändigt att välja material som är en neutral vit färg.
Hantera separation
Det sista kännetecknet som symboliserar belysning i klassisk Rembrandt-stil är det sätt på vilket vi uppnår separation av vårt motiv från deras bakgrund. Ämnen belysta i icke-beskrivande rymden kan blöda detaljer i sina bakgrunder, om vi inte hanterar separationen. För att underlätta detta måste vi applicera en extra ljuskälla på detaljer kring ämnet. Hur vi väljer att göra detta kan också påverka den övergripande stämningen.
Fundera ett ögonblick på konsekvenserna av var och en av bilderna som visas. I figur 6 är "Mannen med den gyllene hjälmen" antingen på väg in i skuggan eller dyker upp ur den. Genom blicken av att påtvinga hans ansikte spänning, kunde stämningen tolkas som att det puttade i djupa tankar, ånger eller spänningar. Detaljer i mannens plagg smälter in i bakgrunden och återvänder vår blick till hans ansikte. 
Det avsiktliga valet att dölja vissa detaljer är en anordning för att hantera känslan av skottet. Var noga med att märka det minsta av separation över den vänstra axeln på den hjälmförsedda mannen. Det räcker precis för att skapa en känsla av rymd, utan att förvirra stämningen.
Å andra sidan ger figur 7 en helt annan konnotation. Trots att motivet ser lika djupt introspektivt ut som figuren i föregående bildruta är den övergripande tonen mindre aning. Den haloformade separationen från väggen antyder en mer inspirerande ton i bilden. Teman för återlösning, uppenbarelse och eftertänksamhet översätts som ett resultat av det fullständiga erkännandet av karaktären. 
Instrumentet vi använder för att åstadkomma detta utseende kallas "bakgrundsljuset". Det är det tredje och sista elementet i Rembrandts stil av konstfull belysning. Den är vanligtvis placerad ovanför och bakom motivet och riktad till detaljer i uppsättningen som ställs upp i bakgrunden. Genom att skapa ljusare värden bakom motivet isolerar vi värden i förgrunden och gör dem lättare för vårt öga att lokalisera. Variationer i färg mellan bakgrund och förgrund kan också skapa en känsla av separation genom graden i vilken nyanserna motsätter varandra. Till exempel kan varmare värden, för objekt i förgrunden, blandas med kallare (blåare) bakgrunder för interiörscener.
Kantljuset
I modern tid, med tillkomsten av filmer och tv, skulle bakgrundsljuset utvecklas till en riktad belysningskälla. Istället för att belysa miljön bakom ett motiv fokuserades ljuset rakt på baksidan av motivets huvud och axlar. Ur kamerans perspektiv skapades ett starkt och skimrande "kantljus".
På grund av svartvit TVs rudimentära karaktär skulle ett bakgrundsljus ibland vara otillräckligt. Men när det kombineras med ett hårdare och mer intensivt ljus bakifrån, etableras profilen för ett motiv tydligare mot bakgrunden på en mindre skärm. Det som började som en mekanism för att kompensera för en grov elektronisk tittarupplevelse har dykt upp år senare som ett element som hjälper till att definiera vår samtida estetik.
Intensitet, Form, Färg
Sammanfattningsvis har vi tittat på de tekniker som Rembrandt använder för att ge en tredimensionell kvalitet till ett målat porträtt. Den övergripande intensiteten, formen och färgen på motivet som lyser fastställs med tre belysningskällor. Nyckelljuset skapar form och övergripande ljusstyrka. Fyllningsljuset styr mängden kontrast och detaljnivån i skuggorna, skapade av nyckelljuset. Ett bakgrunds- eller kantljus används sedan för att separera motivets profil från detaljer i miljön eller uppsättningen.
Följande bilder visar variationer i form med en Rembrandt-nyckel och kantljus i en icke-beskrivande "svart limbo"-miljö. Mindre, mjuk fyllning har använts subjektivt. Lägg märke till hur tillägget av kantljus är mer eller mindre nödvändigt baserat på reflektionsförmågan hos hudtoner. Förstå också hur användningen av ett kantljus kan vara kontraintuitivt mot den stämning som skapas av vår nyckel. 
Vad som är intressant att tänka på när man studerar Rembrandts ljusstil är föreställningen att alla dessa bekräftelser av den mänskliga formen skapades genom direkt observation och noggrann uppmärksamhet på detaljer. Han hade inte vid något tillfälle nytta av en modern fångstanordning. Hans förståelse av dimensionell återgivning, genom tillämpning av direkt eller indirekt ljus och infallsvinkel, är inte bara korrekt, utan används fortfarande idag. Hans stil är riktmärket från vilket alla blivande fotografer, filmfotografer och tjuvar börjar uttrycka sina egna stilar och preferenser.
Rembrandt Van Rijn dog i oktober 1669, men hans arv lever vidare varje gång kreativa bildskapare tar till scenen. Verktygen har förändrats genom århundradena, men samma mål och nivå av hantverk krävs. Våra förväntningar som kreativa, och vår uppskattning som tittare, är produkten av motiverade standarder som ställdes fram för 350 år sedan.
Michael Walsh, är en erfaren Hollywood-ljustekniker med erfarenhet av 74 långfilmer och över fyrahundra avsnitt av tv.