Att spela in en intervju är vanligt för alla typer av filmskapare. I den här handledningen går vi igenom vilka brännvidder som fungerar bäst för nästan alla inställningar.
Om du precis har landat din första intervjuspelning men inte är helt säker på vilken brännvidd du ska välja, har du kommit till rätt artikel. Även om en intervju kan verka väldigt enkel för tittaren, finns det fortfarande så mycket som krävs för att filma en intervju, och det kan vara ganska överväldigande.
Idag ska vi fokusera på linsvalet, och för den här artikelns skull kommer jag att hänvisa till en kamera med en fullformatssensor. På så sätt, när jag nämner en viss brännvidd – säg 24 mm – kommer motsvarande synfält (FOV) att matcha den siffran. Jag bör också nämna att även om den här informationen är en bra utgångspunkt för att filma intervjuer, så är den inte på något sätt den bästa källan för att välja brännvidder.
Jag fokuserar också på en talangkomposition för en intervju i den här handledningen. Men när du filmar fler intervjuer och blir mer medveten om brännvidder och deras egenskaper bör du förmodligen bryta dig bort från dessa standarder för att utveckla din konst (och spränga din klients sinne.)
Introduktion till brännvidder på linser
Innan jag går igenom grunderna om vilken brännvidd jag ska välja, låt oss snabbt sammanfatta lite grundläggande information om objektiv.
Linstillverkare identifierar ett objektivs brännvidd i millimeter (t.ex. 24 mm.) Ju lägre siffra, desto bredare brännvidd. Till exempel ger en 16 mm brännvidd ett bredare synfält än ett 24 mm objektiv. Brännvidder grupperas generellt i tre huvudkategorier; vidvinkel, medium och tele.
Vidvinkellinser
Vidvinkelobjektiv är utmärkta för att skapa bilder för att ge tittaren sammanhanget för scenen. Dessa linser är vanligtvis 35 mm och lägre.
Ett mycket vanligt vidvinkelzoomobjektiv är 16-35 mm. I exemplet som visas här ger denna etablerande bild betraktaren ett sammanhang av en varelse i gott om fridfullt utrymme för meditation samtidigt som det etablerar den motiverade ljuskällan (elden).
Dessutom, om du filmar en intervju i en kontorsbyggnad, skulle en vidvinkellins vara ett utmärkt alternativ på en kardan för att fånga en exteriör bild av byggnaden och en invändig bild av utrymmet för att ge tittaren lite sammanhang till miljön .
Även om vidvinkelobjektiv är bra för att skapa bilder, är de inte de mest smickrande för intervjuer beroende på kamerans position. Det beror på att de kan förvränga ansiktet och skapa en föga smickrande vinkel. I exemplet som visas här kan du se hur 16 mm-linsen förvränger mitt ansikte jämfört med 50 mm-objektivet, som har en medelhög brännvidd.
Mellanstora linser
Mellanstora linser, till exempel en 50 mm lins, är närmare hur det mänskliga ögat ser bilder naturligt. Varje objektivsats bör innehålla ett 50 mm objektiv. Den stora nyheten är att de flesta kameramärken har ett mycket prisvärt 50 mm-alternativ, ibland ett av deras billigaste objektiv. Dessa kallas vanligtvis för "fiftiga femtio."
Telefotolinser
Teleobjektiv är ett självklart val för vilda djur och sporter. De gör det möjligt för fotografen att fånga scenen med ett närmare perspektiv, samtidigt som han håller ett säkert avstånd från motivet/objekten. Teleobjektiv – 70 mm och uppåt – är bra för att få ett mer intimt perspektiv på ett motiv, eftersom ett teleobjektiv förstorar bilden mer än ett vidvinkelobjektiv. Teleobjektiv komprimerar också bilden mycket mer än ett vidvinkelobjektiv.
F-stopp
Alla objektiv har ett f-stop-värde. Detta är siffran som motsvarar hur stor eller stängd bländaren på objektivet är.
I enklast möjliga termer, ju lägre f-stop-numret är, desto bredare är bländaren. Ju bredare bländare, desto mer ljus träffar sensorn. Följaktligen kommer ett lägre f-stopp att ha en grundare DoF (tänk suddig bakgrund) än ett högre f-stop-värde.
Du kan också stöta på ett objektiv med t-stop-värden, vilket är vanligare på bioobjektiv, men för den här artikelns skull kommer vi att hålla fast vid f-stop.
Nu när vi har en allmän förståelse för brännvidder och f-stopp, vad ska du använda när du filmar intervjuer? Det beror på hur många kameror du har. Låt oss dela upp det för 1-3 kameror (jag kommer att använda en skenintervju för att demonstrera):
1 kameraintervjuer
Enkameraintervjuer är inte idealiska, men ibland befinner vi oss i situationer där vissa begränsningar för ett projekt begränsar oss till en kamera. Om jag bara hade en kamera skulle jag välja en 35 mm eller 50 mm med en liten förskjutning mot en 35 mm.
35 mm
Nu är detta väldigt subjektivt, men för mig är ett 35 mm-objektiv en bra brännvidd för intervjuer när man vill visa miljön kring talangen. Det bredare synfältet kommer att ge sammanhang för var intervjun är. En 35 mm ger lite utrymme för ramen att "andas" för att visa betraktaren miljön. Och med en större bländare kan du fortfarande isolera motivet från bakgrunden för att få det att "poppa" i ramen.
Dessutom, med en bredare utgångspunkt, kan jag slå in talangen i redigeringen för att fejka en andra kameravinkel om det behövs. Det är viktigt att spela in i en högre upplösning än den som levereras så att du har de extra pixlarna att använda för att slå in för att hålla bilden snygg och skarp.
50 mm
Jag älskar absolut 35 mm, och i många fall väljer jag den brännvidden. Men det finns tillfällen då 50 mm är mer lämpligt.
50 mm (igen, på fullformat) är väldigt nära hur vi ser på livet varje dag. Som sagt, när jag går in på en plats och gillar det jag ser från där jag vill filma, går jag direkt till 50 mm, eftersom det kommer att vara närmast det jag ser.
På samma sätt, om jag är på en plats med lite visuellt intresse (tänk tråkigt konferensrum eller intetsägande kontorsutrymme), kommer jag att luta mig mot ett 50 mm-objektiv. Detta kommer att komprimera bakgrunden mer än 35 mm, men ändå ge ett "normalt" utseende och hålla kameran relativt nära talangen, vilket är utmärkt för att filma i utrymmen med lite visuellt intresse.
Kraften med zoomar
Detta är ah-ha, catch-all, fall-back varningen här. Om jag bara hade ett objektiv som går i blindo (rekommenderar INTE), skulle jag ta med min pålitliga 24-70 f/2.8. Det här objektivet är mitt hemliga vapen och jag använder det vid varje fotografering på grund av dess mångsidighet – speciellt för intervjuer.
Den är väldigt skarp (så skarp att jag ofta använder diffusionsfilter framför den) men ger flexibiliteten att zooma in och ut för att kunna finjustera den FOV exakt utan att behöva flytta stativet.
Detta har räddat mig många gånger efter att belysningen har satts upp och klienten ber om att se hur den skulle se ut lite bredare (eller tätare). Speciellt som en eller två personers besättning är det en betydande tidsbesparing att göra mindre brännviddsändringar med ett zoomobjektiv! För er som använder crop-sensor eller Super 35-kameror är Sigma 18-35 ett fantastiskt alternativ.
2 kameraintervjuer
Detta är förmodligen det vanligaste antalet kameror på en intervjufotografering och det är där saker och ting blir roligare. Detta är min rekommendation som ett minimum när du filmar intervjuer, eftersom du kan skära mellan de två vinklarna för att få en redigering att kännas mer sömlös. Samma regler gäller här som med en kamera, men det finns vissa överväganden och mer frihet kreativt.
A-Cam
A-cam är din primära kamera. Som en allmän tumregel vill du att detta ska vara din "bredare" kamera. Detta hjälper till att skapa en miljö för tittaren, vilket är användbart för att orientera tittaren men också kan vara mycket viktigt för berättelsen.
Såvida det inte finns en specifik anledning på grund av platsen, i allmänhet föredrar jag att inte gå bredare än 24 mm, men inte snävare än cirka 50 mm för denna vinkel om jag är på en plats som (1) har behov av att etablera och (2) har ett visuellt intresse för bakgrunden eller har tillräckligt med utrymme och djup för att lägga till visuellt intresse med scenografi.
B-Cam
Detta är din sekundära vinkel och används ibland som en "säkerhet". Vi använder den här vinkeln av skäl som när vi behöver klippa ut en besvärlig paus, ge tittaren ett annat perspektiv, slå in på talangen under en påverkande del av berättelsen eller hjälpa till med tempot i en redigering när vi inte gör det. måste stödja b-roll vid en viss tidpunkt i redigeringen.
För b-cam börjar jag vanligtvis med metoden "2 gånger", som helt enkelt är att multiplicera a-cams brännvidd med två. Så om vår A-cam är på 35 mm skulle jag ställa in min b-cam på 70 mm.
Jag föredrar att följa den här metoden eftersom du inte vill att båda kamerorna ska ha ett liknande synfält. När man skär mellan två kameror som är 24 mm och 28 mm, till exempel, kommer snittet att kännas besvärligt, se för likt ut och kännas för mycket som ett hoppsnitt, vilket motverkar syftet med en b-cam.
Jag tror att två gångersmetoden är fördelaktig. Naturligtvis kan du gå snävare om klienten/regissören gillar det eller berättelsen kräver det, men jag vill varna för att gå bredare om det inte finns en bra anledning till det.
När det gäller placeringen av b-cam kommer jag vanligtvis att antingen ställa in den lite förskjutet från A-cam eller gå mer extremt för ett profilskott (båda uppför scenen från talangen) beroende på fotograferingen/klientens preferens.
3 kameraintervjuer:Lägga till en C-Cam
För a-cam och b-cam-vinklarna följer jag samma princip som en två-cam-uppsättning. Detta ger mig två solida alternativ för att klippa mellan dessa två kameror under en redigering.
När jag väljer en 3:e kamera (eller klienten begär tre kameror) använder jag C-cam på ett dolly-system, till exempel en Dana Dolly, vid antingen vidvinkel eller tele. Om platsen är tillräckligt intressant, eller om talangen kanske är visuellt engagerad i sin omgivning, kan en vidvinkel på en docka vara ett övertygande och engagerande skott. Det kan också fungera som en "andas" för tittaren under en längre intervju eller som ett bra etablerande skott.
Omvänt, om jag har A&B-kamerorna närmare varandra, gillar jag att använda c-cam med ett teleobjektiv (någonstans mellan 85 mm-135 mm) för att få en profilbild (antingen handhållen eller på ett dolly-system). Jag kan sedan instruera kameran (om jag inte opererar) att vara kreativ med komposition och kamerarörelser för att hjälpa berättelsen vidare.
Kanske är det ett snävt parallaxskott, handhållen inramning av talangens näsa till kanten av ramen under en del av konflikten under berättelsen, eller att ta nära bilder av talangens händer och flytta upp till ansiktet medan de pratar.
Naturligtvis beror dessa alla på historien som berättas, och dessa typer av bilder bör planeras så bra som möjligt i förproduktion med kunden.
Matchande skärpedjup
Jag nämnde f-stop i början av artikeln av flera anledningar. En anledning är att om du använder ett bredare objektiv, kan du ställa in objektivet på ett lägre f-stopp (bredare bländare) för att göra bakgrunden suddigare, vilket hjälper till att få talangen att slå ut. När du använder flera kameror i en intervju är en sak att tänka på skärpedjupet, eller vad många av oss tänker på som bakgrundsoskärpa.
Något som ofta kan förbises i intervjuer är att matcha DoF. Många gånger [jag gör mig skyldig till detta också], fokuserar vi på att matcha exponeringen och använda objektivets bländare för att justera. Om vi använder samma f-stop-värde på ett 35 mm-objektiv som vi gör på ett 70 mm-objektiv blir bakgrundsoskärpan betydligt annorlunda. 70 mm-objektivet komprimerar bilden mycket mer och verkar därför ha en suddigare bakgrund.
Till exempel, om vår a-cam är på 35 mm vid f/2.8, cirka 4′ från talenten, och vår b-cam är på 70 mm, cirka 6′ från talenten, skulle vi behöva ställa in vår bländare på f/6.3 för att matcha bakgrundsoskärpan. Det finns inget snabbt sätt att beräkna detta.
Ändå, med en formel jag hittade online:DOF ~=2 × d² × F × c / (f²), lite arbete i ett kalkylblad för att börja spela med siffror och en online DoF-simulator som en förnuftskontroll, kan jag få en allmän uppfattning om brännvidder/avstånd/f-stopp för att hitta en bra startplats. Därifrån kollar jag bildskärmarna på kamerorna för att se om de ofokuserade bakgrundsbitarna ser likadana ut.
Jag skulle hävda att det i de flesta fall inte behöver vara exakt. Ändå kommer det säkert att vara mindre märkbart att ha dem liknande när man växlar mellan kameravinklar.
Men vänta! Eftersom vi har olika f-stop-värden, hur matchar vi exponeringen?
Det är där Neutral Density-filter (ND) kommer in i bilden. I vårt exempel är f/2.8 och f/6.3 1 och 1/3 stopp olika, så jag skulle kompensera med ett 1-stegs ND-filter först och kontrollera exponeringen och justera därifrån. Ibland kanske linser med samma f-stop-värde inte översätts till samma mängd ljus som träffar sensorn, så det kan finnas en liten variation i ljuset. Det är därför det är så användbart att använda exponeringsverktyg som falska färger.
Att välja brännvidder för intervjuer är ett viktigt beslut som kan påverka berättelsen avsevärt. Som jag nämnde tidigare är den här artikeln en bra utgångspunkt för att välja brännvidder, men det är inte på något sätt det slutgiltiga svaret. Filmskapande är konst, så om andra brännvidder i olika uppsättningar ser bättre ut för dig [och/eller din klient], så gör det verkligen!
Funktionsbild via True Touch Lifestyle.
Letar du efter fler artiklar om att filma underbara intervjuer? Kolla in listan nedan!
- Videohandledning:Hur man använder solljusmodifierare när du filmar intervjuer
- 10 tips för att fotografera företagsintervjuer
- Bom Microphone vs. Lavalier:Vilken är den bästa inspelningsmikrofonen?
- Premiere Pro-tips för redigering och mixning av ljud, musik och SFX
- 9 lätta att undvika misstag när du spelar in en dokumentärintervju