Fotografera konstverk? Dessa tips kommer att göra processen mycket enklare!

Att fotografera konstverk kan verka som en enkel uppgift, men det är ofta svårt att göra bra. Det finns tekniska hinder att övervinna, som att uppnå en jämn exponering, undvika reflektioner, fokusera exakt, välja rätt bländare och så vidare. I den här artikeln ska jag ge dig några tips om att fotografera konstverk som gör processen mycket enklare!

Detalj från "Den nionde vågen" (1850) av Ivan Aivazovsky. Ryska museet, St Petersburg.

Tips om att fotografera konstverk

De tips jag ska ge handlar mest om 2D-konst, det vill säga målningar, teckningar eller tryck i vilken form de än kommer. Jag har fotograferat de flesta av dem, allt från storslagna oljemålningar på nationella museer till antika tidningsillustrationer hemma.

Jag kommer att ge några tips om att fotografera skulptur också. Att skapa framgångsrika bilder av 3D-konst är inte alltid enkelt.

Vitbalans

När du fotograferar konstverk är vitbalansen inte objektiv – det finns ett kreativt beslut att fatta. Vill du bevara färgen på konsten som du ser den eller ska du neutralisera den och göra de vita vita? Kommer du att bli historiker eller återställare?

Jag skulle kunna återställa vithet och originalfärg i denna viktorianska tidning med ett enda klick, men med ett grått kort har jag återgett dess 125 år gamla tillstånd. Belysning är dagsljus ovanför.

Papper och färg tenderar att missfärgas med åldern, vanligtvis med gulning. Så du måste bestämma dig för om du vill kopiera det du ser eller vrida tillbaka klockan. Det förutsätter att du har rätt i dina antaganden om den ursprungliga färgen.

För att "korrigera" vitbalansen finns det två huvudsakliga metoder:

1. För att få vita färger att se vita ut:välj ett område i konstverket som ska vara neutralt i ton – helst en mellangrå om sådan finns. Genom att klicka på det här området med ett vitbalansverktyg utjämnar du RGB-värdena och, med lite tur, korrekt färg i resten av bilden. Problem uppstår när konstverket har åldrats mer på vissa ställen än andra, vilket tenderar att skapa fula gula fläckar när du utför en WB-justering.
2. För att bevara tecken på åldrande:använd ett grått kort för att korrigera för ljuset som lyser upp konstverket, vilket behåller den befintliga färgen på konstverket inklusive tecken på åldrande. Det kommer fortfarande att finnas en viss färgförskjutning eftersom utseendet på alla föremål påverkas av ljuset de faller under. Men du kommer att behålla ålderns övergripande utseende. Du kan alltid värma upp fotot lite om du vill framhäva den antika looken.

Ett tredje alternativ, om du inte har några neutrala toner i bilden eller något grått kort, är att pilla med skjutreglagen för färgtemp och nyans tills du tycker att vitbalansen är korrekt. Att korrigera färg genom synen är dock helt oväntat och aldrig lika exakt som att använda siffror.

En sak vi vet om snö är att den ser bättre ut vit. Artificiell belysning och/eller åldrande gör att denna målning blir gul på ett foto. Ett vitbalansverktyg återställer det snabbt, även om det är svårt att alltid veta hur en målning såg ut när den var ny. Konstnär:Ferdinand Schmidt (c1900), La Piscine Museum, Roubaix.

Ljuskällan gör en enorm skillnad för vitbalansen. Undvik blandad belysning om du kan. På museer hittar du inte ofta målningar under blandade ljuskällor, men detsamma gäller inte skulptur. En blandning av varmt artificiellt ljus och fönsterljus orsakar starka orange eller blå färger i lokala delar av bilden. Detta kan vara svårt att hantera vid efterbearbetning.

Konstmuseer tenderar inte att visa målningar under blandad belysning, men du kan hitta skulpturer nära ett fönster. Det kommer ofta att resultera i blå höjdpunkter och orange skuggor. Skulptur:Epicurus och Metrodorus, Louvren.

Färgkorrigering, DNG-profiler, ljuskällor

Vi har pratat om att korrigera vitbalansen när du fotograferar konstverk, men du kan ta färgkorrigering längre än så. Du kan också korrigera för ljuskällans egenskaper.

Lysrör och LED-ljuskällor är mer energieffektiva än gamla glödlampor och överför inte värme utåt. LED-belysning är numera mycket vanligt på konstmuseer. Och ändå har ljuset lägre kvalitet ur fotografisk synvinkel än halogen.

Moderna ljuskällor avger antingen ett diskontinuerligt eller smalbandigt spektrum, vilket innebär att de återger färger inkonsekvent och ibland inte alls över det synliga spektrumet.

Konstmuseer och gallerier använder en ljuskälla för att belysa målningar. Det kan vara diffust ljus ovanför eller spotlights på ett spårbelysningssystem. Foto av Riccardo Bresciani från Pexels

Till viss del kan du bedöma kvaliteten på LED/fluorescerande ljus utifrån deras CRI-betyg. Du behöver 90+ om du handlar efter dem, men ett högt betyg gör dem inte lika med traditionella ljuskällor. CRI-testet är ett mildt, icke-standardiserat test med några få färgfläckar, så skillnaden mellan 95 % och 100 % är större än vad siffrorna antyder. Glödlampor och halogenlampor ger 100 % som standard.

Ett sätt du kan förbättra färgen i dina bilder när du fotograferar konst under moderna ljuskällor är att skapa en DNG-profil. För detta använder du en produkt som X-Rite Color Checker och antingen programvaran X-Rite eller Adobe. Du tillämpar sedan denna profil vid råkonverteringsstadiet om programvaran stöder det.

Den här sidan från en antik historiebok från första världskriget är tydligt upplyst från höger. Observera att X-Rite Color Checker innehåller neutrala fläckar för att korrigera vitbalansen samt färgfläckar för DNG-profiler.

Om du försöker korrigera för LED- eller lysrörsbelysning med ögat, kommer du sannolikt att behöva "ton"-reglaget i råkonverterare. Dessa ljuskällor varierar mycket i sin uteffekt längs en grön till magenta axel. Gamla glödlampor beter sig inte på samma sätt – deras uteffekt ligger alltid längs den orange-blå Kelvin-skalan.

Fönsterbelysning – för- och nackdelar

Denna gamla annons stod utställd utanför. Även om färgtemperaturen för dagsljus varierar, visar ingen annan ljuskälla färg så fullständigt över det synliga spektrumet. KattenKabinet Museum, Amsterdam.

Du kommer aldrig att slå dagsljus för dess förmåga att visa alla färger i det synliga spektrumet med liten partiskhet. Det är en idealisk ljuskälla för konst. Det enda problemet är att du inte kan kontrollera det särskilt bra. Om du använder fönsterljus för att fotografera ett konstverk kommer exponeringen sannolikt att vara ojämn från sida till sida. Det kan vara ett stopp eller mer skillnad. Du kan få ner detta till ungefär ett halvt stopp eller mindre om du använder en reflex.

Naturligtvis kan du till och med öka exponeringen i efterbehandling. En sak du kan göra är att fotografera ett tomt kort eller en bit vitt papper under samma ljus, vilket gör ojämn exponering uppenbar när du ser det på datorn. Använd det du ser där för att korrigera andra bilder i fotograferingen.

Om du fotograferar ett vykort med fönsterljus blir ojämn exponering mer uppenbar om du vänder på det. Den högra delen av detta foto är 25 % ljusare än den vänstra.

Använd justeringspenslar, lager och lagermasker eller ett graderat neutralt densitetsfilter för att korrigera ojämn exponering över en bild. Lokala justeringar på bilden som de som finns i DxO PhotoLab är bra. Ett graderat filter är ett smidigt sätt att hantera det, men du kan lika gärna använda penslar med mycket fjäder.

Perspektiv:positioneringskonst för ett foto

När du fotograferar ett 2D-konstverk, placera det plant mot en vägg eller ett bord och försök få kamerasensorn perfekt i linje med den. Annars kommer du att se samma "keystone"-effekt som du får med arkitektur, där vertikala linjer divergerar. Ämnet för konsten kommer att förvrängas något om du tar det i en vinkel, men inte alltid till en viss grad kommer någon att märka det.

Ett sätt du kan rikta in en kamera med konst är att använda ett vattenpass på båda. Testa ytan som konsten ligger mot för att se om den är jämn, gör justeringar med rekvisita om det behövs (ungefär som du skulle göra med ett bordsben på ett ojämnt golv). Gör samma sak med kameran, använd ett vattenpass på hotskon eller vila på en platt del av kameran i ett stativ. Det behöver inte se professionellt ut om det gör jobbet.

Helst vill du att kameran ska vara i nivå med bildens mitt när du fotograferar konst. Jag har inte lyckats dåligt med den här handhållna bilden, även om den är något knasig till höger (väggmonterade målningar kan luta något upptill). Korrigeringen kommer att vara måttlig. Konstnär:Lucien Jonas (1880-1947), La Piscine Museum, Roubaix.

Vattenpass varierar i sin noggrannhet, men du kommer snart att se om din metod fungerar eller inte med rektangulära konstverk. Om det gör det kommer de horisontella och vertikala kanterna att passa in i 90-gradersvinklarna på ditt foto. Om du är osäker kommer du att se den lätta keystone-effekten.

Spelar detta någon roll? Du kan korrigera perspektiv i redigeringsprogram, men bara med en förlust av skärpa från kant till kant.

Ju mindre du behöver korrigera, desto bättre.

Använd vattenpass tillsammans med eventuella vinkelräta linjer i konstverket för att få bästa möjliga perspektiv. Kraftiga korrigeringar för keystoning i efterhand har en negativ effekt på bildkvaliteten, vilket kan eller kanske inte märks beroende på avsedd användning.

Om allt du gör är att dela ett foto av en målning på Facebook, behöver du inte vara noga med att anpassa konstverk och kamera. Att använda tillräckligt skärpedjup kommer att kompensera för mindre fokuseringsfel och ingen kommer att plocka upp dig på ofullkomliga vertikaler! Å andra sidan, om du säljer konst online vill du göra det bästa du kan med fotona.

Linsval och skärpedjup

Ett bra val av objektiv för att fotografera konst är ett 50 mm eller 100 mm primeobjektiv med anständig närfokuseringsförmåga. Många använder makroobjektiv, inte minst för att de skapar väldigt lite distorsion på nära håll. En högkvalitativ zoom räcker vid ungefär porträttlängd.

Du behöver inte välja en liten bländare när du fotograferar 2D-konst, eftersom du inte behöver mycket skärpedjup. Att stänga ner objektivet två eller tre steg till f/8 ger ofta optimal skärpa, medan mycket mer än så minskar skärpan genom diffraktion.

Fokuseringsnoggrannhet och Live View

Utan tvekan är det mest exakta sättet att fokusera på nästan vad som helst att ställa in kameran på ett stativ och använda live-view-läge med manuell fokusering. Det behöver inte sägas att det inte fungerar så bra för rörliga motiv, men det är den perfekta tekniken för konstverk.

Att använda live view fungerar bra för 2D-motiv men är inte avgörande om du inte vill ha perfekt skärpa. Du kan fokusera tillräckligt genom en optisk sökare och låta skärpedjupet ta hand om eventuella mindre fel.

För 3D-ämnen som statyer är livevisning ovärderlig. Den övervinner problem som fältkrökning, felaktiga fokuseringsskärmar eller fokuspunkter och felinriktade speglar och sensorer.

Jag är långt ifrån redo att ta en bild här, men jag ställer upp ett antikt vykort i live view-läge på stativet. Ett problem med platta konstverk är att hålla dem platta för bilden. Du kan använda bitar av högkvalitativ maskeringstejp och klona ut dem efteråt, men var mycket försiktig så att du inte sliter av pappersytan när du tar bort dem.

Tekniska problem gör det ofta svårt att uppnå kritisk skärpa där du behöver det i statyer – vanligtvis ansiktet och ögonen. Du kanske inte märker detta om du inte zoomar in på dina foton till 100 %, men det är lätt att fokusera lite, särskilt på stora statyer där du fotograferar uppåt.

Du kan inte lita på fokuspunkter eller tekniker för fokusering/omfokusering, eftersom de inte alltid fungerar. Live view och manuell fokusering övervinner det.

Undvika reflektioner

När du tar ett foto av 2D-konst bakom glas är en av de största hindren att övervinna reflektioner.

Ibland är det lättare att gå vidare till ett annat ämne, men det finns sätt att undvika reflektioner i dina konstbilder. Här är några av dem:

• Använd inte direkt blixt på kameran. Det kommer att skapa en hemsk hotspot i glaset som är omöjlig att ta bort i efterhand.
• Använd riktade ljuskällor från sidan – helst två på lika avstånd (en på vardera sidan av tekniken). Icke-riktat ljus är mjukare men skapar reflektioner från andra föremål i rummet.
• På ett museum kan svarta kläder hjälpa till att fotografera små konstföremål eftersom det syns mindre i reflektioner och absorberar ljus från andra ljuskällor.
• Få vänner eller släktingar i mörka kläder att stå nära konsten och blockera reflexer.
• Använd en stor svart scrim/skärm och tryck linsen genom den för att fotografera objektet – samma skäl som svarta kläder men mer effektivt.
• Använd ett polariserande filter för att skära bort mycket av bländningen (ökar exponeringstiden eller ISO, så inte idealiskt för handhållna bilder i mörka museer).
• Ta i en liten vinkel för att skära bort reflektioner och justera perspektivet i efterbehandlingen. Om du överdriver detta minskar skärpan från kant till kant märkbart.
• Undersök konstverket noggrant för reflektioner som kanske inte är omedelbart uppenbara – de har en vana att bli mer märkbara på en PC.

Fånga textur

Om du vill fånga textur i ett konstverk (t.ex. oljemålning) är det sista du vill ha en diffus ljuskälla som en lysrörslampa. Det du behöver är en riktad ljuskälla från ena sidan.

I oljemålningar innebär avslöjande textur vanligtvis att lite ljus reflekteras in i linsen, vilket kan vara distraherande. Det är en fråga om att kontrollera effekten så att spektrala högdagrar inte förstör bilden. Ett polariserande filter hjälper så länge det inte gör andra fotograferingsparametrar oanvändbara.

Reflexerna i detta oljemålade porträtt betonar textur men de är distraherande. Liksom alla spektrala höjdpunkter måste reflektioner i konst vara subtila och hållas borta från fokuspunkter.

Observera att LED-belysning är riktad till sin natur. Du kan improvisera hemma genom att sätta upp LED smalstrålande G50 spotlights eller liknande. Annars kan du styra diffus artificiell belysning eller blixtbelysning med modifierare som en snoot.

Få konstnärer lägger ner målarfärg tjockare eller viltare än Vincent van Gogh. Du kan se ljus som reflekteras i denna detalj från en av hans målningar, men det är tillräckligt subtilt för att inte förringa helheten. Foto från rawpixel.com / Yale University Art Gallery (Källa)

Kopiera stativ, ljusbord och ljustält

Om du fotograferar ganska små konstverk kan du vara ultraprofessionell genom att använda utrustning avsedd för jobbet. Personligen gillar jag att spara pengar genom att använda Heath Robinson-metoder, men inte all utrustning jag ska nämna är dyr. Jag kanske till och med övertalar mig själv att köpa en del av det...

Kopiera stativ

Kopieringsställ inkluderar en bas, två lampor, en kolumn och en arm för att hålla kameran. De är idealiska för att fotografera stora volymer platt konst eftersom de är redo att gå, medan det tar tid att sätta upp ett stativ, kamera och lampor. Kopieringsställ kostar vanligtvis från cirka 200 USD, men du kan hämta dem begagnat för mindre än hälften av det.

Ljustabeller

Ljusbord används ofta för att skapa produktfoton med en tydlig, slät vit bakgrund. Du kan lika gärna använda en för små konstverk och ornament. Ett kopieringsställ är ett bättre val om du vill spela in platta konstverk utan bakgrund.

Lätt tält eller kub

Lätttält tenderar att vara femsidiga kuber som hålls samman av tråd eller plastramar. Sidorna är gjorda av ett genomskinligt material som släpper igenom diffust ljus. Olika bakgrunder medföljer också. Vissa tält har en bländare i toppen som låter dig rikta linsen nedåt. Detta är idealiskt för att fotografera små, platta konstverk.

Du behöver en jämn exponering för platt konst, så ljus med samma styrka och avstånd till vardera sidan av tältet är bra. Med skulptur skapar ojämn belysning modellering och framhäver formen, så upplägget är annorlunda.

Lätta tält kan enkelt tillverkas hemma genom att konstruera en enkel ram och täcka den med genomskinligt material. Foto:Alison Christine från North Yorkshire, Storbritannien [CC BY 2.0] via Wikimedia Commons

Varför fotografera konstverk istället för att göra det?

Att fotografera andra människors konst kan verka meningslöst, men det är en användbar övning för att utveckla ditt kreativa öga. Det är särskilt fallet om du isolerar delar av en målning eller skulptur, vilket tvingar dig att studera konst på nära håll. Det finns ofta flera bilder i en bild.

Inom större målningar ser du förtjusande detaljer. Här distraherar en ung flicka sig själv med blommor medan hon kanske är lite uttråkad vid ett bröllopsbord. Konstnär:Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.

Den enda aktivitet jag starkt skulle avråda från är att göra raka kopior av verk från levande eller nyligen levande konstnärer (såvida de inte är din kund och de har gett dig i uppdrag att göra det) och försöka tjäna pengar på dem. Då är du på mycket tunn moralisk och juridisk is (i själva verket har du fallit igenom det). Upphovsrättens varaktighet varierar från land till land.

Naturligtvis kanske du fotograferar din egen konst för att dela online eller sälja på eBay. Det finns inget fotografiskt motiv som är renare än att dela. Viljan att dela ligger trots allt i hjärtat hos de flesta artister, oavsett storleken på publiken.

Har du några andra tips för att fotografera konstverk som du vill dela med dig av? Gör det i kommentarerna .