Förstå min filosofi (eller, "Varför gör jag det här?")
Innan jag ens plockar upp min kamera frågar jag mig själv: Vilken historia vill jag berätta? Porträtt är mer än bara ansikten; De handlar om att fånga personlighet, humör och en glimt av någons liv. Vill jag förmedla styrka, sårbarhet, glädje, introspektion eller något helt annat? Detta styr allt jag gör.
1. Ämnet:Ansluta och samarbeta
* Konversation är nyckeln: Jag spenderar tid på att prata med mitt ämne * innan * fotografering. Detta hjälper dem att slappna av, förstå min vision och gör att jag kan lära mig om dem. Jag kanske frågar om deras hobbyer, lidenskaper eller vad som gör att de känner sig mest bekväma. Att känna till dessa saker informerar inställningen, inställningen och den övergripande stämningen.
* Building Trust: Porträttsessioner kan känna sig sårbara. Jag vill att mitt ämne ska känna sig säkert och lita på att jag kommer att representera dem på ett positivt och autentiskt sätt. Att ge tydlig riktning och positiv feedback är avgörande.
* Samarbete, inte diktat: Jag berättar inte bara för dem vad de ska göra; Jag samarbetar. Jag uppmuntrar dem att ge förslag och integrera deras personlighet. Om de har en signaturpose eller uttryck vill jag fånga det.
2. Ljus:Skulptören för bilden
* Förstå ljuskvaliteter: Ljus är allt i fotografering. Jag tänker på:
* Riktning: Var kommer ljuset ifrån? Frambelysning kan vara platt, sidobelysning skapar skuggor och djup, bakgrundsbelysning kan vara dramatisk.
* Intensitet: Är det hårt solljus eller mjukt, diffus ljus? Hårt ljus betonar strukturer, medan mjukt ljus minimerar brister.
* Färgtemperatur: Är den lätta varma (gyllene timmen) eller sval (skugga)? Detta påverkar den totala stämningen och hudtonerna.
* Naturligt ljus är min vän (ofta): Jag föredrar ofta naturligt ljus, särskilt i de "gyllene timmarna" (strax efter soluppgången och före solnedgången). Det är smickrande och skapar vackra toner. Jag letar efter öppen skugga eller använder diffusorer (som en scrim eller till och med ett tunt vitt ark) för att mjukgöra ljuset.
* konstgjort ljus (vid behov): Om jag skjuter inomhus eller på natten använder jag konstgjorda ljuskällor. Jag kan använda en speedlight (på kamera-blixt) med en diffusor eller en strobe utanför kameran med en modifierare (softbox, paraply, etc.) för att forma ljuset. Jag är noga med att undvika hård, direkt blixt, vilket kan vara smickrande.
* Var uppmärksam på skuggor: Skuggor lägger djup och dimension. Jag överväger var skuggorna faller och hur de påverkar motivets ansikte. Ibland använder jag en reflektor för att studsa ljus i skuggorna och lysa upp dem.
3. Komposition:riktar ögat
* Rule of Thirths: Jag använder ofta regeln om tredjedelar och placerar motivets ögon eller nyckelfunktioner längs de korsande linjerna i ett rutnät.
* ledande linjer: Jag letar efter linjer i miljön som drar tittarens öga mot ämnet.
* negativt utrymme: Det tomma utrymmet runt ämnet kan vara lika viktigt som själva ämnet. Det kan skapa en känsla av balans, isolering eller frihet.
* Framing: Använda element i miljön (träd, dörröppningar etc.) för att rama in ämnet och uppmärksamma dem.
* ögonkontakt (eller brist på det): Direkt ögonkontakt skapar en koppling till tittaren. Att titta bort kan skapa en känsla av mysterium eller introspektion.
* vinklar och perspektiv: Att skjuta från en något högre vinkel kan vara smickrande (det slem ofta ansiktet). Fotografering från låg vinkel kan förmedla kraft eller dominans.
4. Inställningar och utrustning (de tekniska sakerna)
* Aperture: Jag skjuter vanligtvis med en bred bländare (f/2.8, f/1.8, eller till och med bredare, beroende på linsen) för att skapa ett grunt fältdjup och oskärpa bakgrunden. Detta hjälper till att isolera ämnet och uppmärksamma dem.
* slutartid: Jag justerar slutartiden för att få en korrekt exponering medan jag undviker rörelse oskärpa. Jag strävar vanligtvis efter en slutartid som är minst 1/brännvidd (t.ex. 1/50:e sekund för en 50mm -objektiv). Om ämnet rör sig använder jag en snabbare slutartid.
* iso: Jag håller ISO så lågt som möjligt för att minimera brus (spannmål). Jag ökar bara ISO om jag behöver uppnå en snabbare slutartid eller bredare bländare.
* linsval: Jag föredrar primlinser (linser med en fast brännvidd) för porträtt eftersom de ofta är skarpare och har bredare öppningar. Mina go-to-linser är ofta 50 mm och en 85 mm. 85mm är min favorit, eftersom det gör att jag kan vara längre från mitt ämne, vilket gör vissa människor mer bekväma.
* Kamerakropp: En full ramkamera ger i allmänhet det bästa resultatet på grund av dess höga bildkvalitet och fantastiska prestanda i miljöer med svagt ljus, men detta är inte en nödvändighet. En kamerakropp med ett bra dynamiskt intervall är mycket viktigt, eftersom det gör att du kan återställa information från utblåsta höjdpunkter eller krossade skuggor i efterproduktionen, om du av misstag övervisar eller underexponerar din bild.
* fokusering: Exakt fokusering är avgörande. Jag använder autofokus för en punkt och fokuserar på motivets öga som är närmast kameran.
5. Posing:vägledande, inte tvinga
* naturligt och bekvämt: Jag strävar efter poser som känner sig naturliga och bekväma för ämnet. Jag undviker styva eller tvingade poser.
* Subtila justeringar: Små justeringar kan göra en stor skillnad. Jag kanske ber dem att luta huvudet något, flytta vikten eller slappna av axlarna.
* händer: Var uppmärksam på händerna! De kan vara uttrycksfulla, men de kan också se besvärliga ut om de inte är placerade bra. Jag kan få dem att hålla något, vila dem i knäet eller röra försiktigt på ansiktet.
* Experiment: Jag uppmuntrar ämnet att prova olika poser och uttryck. Vi kan börja med en klassisk pose och sedan experimentera med något mer kreativt.
* pauser: Ta pauser! Posering kan vara trött. Det är viktigt att ge ämnet en chans att koppla av och ladda.
6. Redigering (efterbehandling):Förbättra, inte överväldigande
* min stil: Min redigeringsstil är i allmänhet ren och naturlig. Jag vill förbättra bilden utan att få den att se alltför bearbetad.
* Programvara: Jag använder Adobe Lightroom och/eller Photoshop för redigering.
* grundläggande justeringar: Jag börjar med grundläggande justeringar som exponering, kontrast, höjdpunkter, skuggor, vita och svarta.
* Färgkorrigering: Jag justerar vitbalansen och färgtonerna för att skapa en behaglig övergripande utseende.
* retuschering: Jag gör minimal retuschering, med fokus på att ta bort fläckar och distraktioner. Jag vill bevara motivets naturliga hudstruktur.
* skärpning: Jag lägger till en touch av skärpning för att förbättra detaljerna.
* beskärning: Jag kanske beskär bilden för att förbättra kompositionen.
* Förinställningar: Jag använder ofta anpassade förinställningar för att påskynda mitt arbetsflöde och upprätthålla en konsekvent utseende över mina bilder.
7. Öva och experiment:den oändliga resan
* Skjut regelbundet: Ju mer du skjuter, desto bättre blir du.
* Experiment med olika tekniker: Prova olika belysningsinställningar, posera tekniker och redigera stilar.
* Studera andra fotografers arbete: Titta på fotografierna som du beundrar och analyserar vad som gör deras bilder så övertygande.
* Få feedback: Dela ditt arbete med andra och be om konstruktiv kritik.
* var inte rädd för att misslyckas: Inte varje skott kommer att vara ett mästerverk. Lär dig av dina misstag och fortsätt att driva dig själv för att förbättra.
Exempelsscenario:"Hur jag fick skottet"
Ämne: En ung musiker, en sångerskrivare.
min vision: Jag ville fånga hennes själfulla ande och hennes passion för musik.
Inställningen:
* Plats: Ett soltätat loftutrymme med exponerade tegel och stora fönster.
* Ljus: Mjukt, diffus solljus som kommer genom fönstren.
* redskap: Canon 5D Mark IV, 85mm f/1.4 -lins.
* Inställningar: f/2, 1/200:e sekund, ISO 200.
Processen:
1. konversation: Jag pratade med henne om hennes musik, hennes inspiration och hennes drömmar. Jag lärde mig att hon var en mycket introspektiv och uttrycksfull person.
2. posering: Jag bad henne sitta vid fönstret med sin gitarr. Jag uppmuntrade henne att stänga ögonen och föreställa sig själv uppträda på scenen. Jag gjorde subtila justeringar av hennes hållning och handplacering.
3. Skytte: Jag tog en serie bilder från olika vinklar, med fokus på hennes ansikte och händer. Jag uppmärksammade ljuset och skuggorna.
4. Redigering: Jag använde Lightroom för att justera exponering, kontrast och färgtoner. Jag lade till en touch av värme till bilden för att skapa en mer inbjudande känsla. Jag gjorde minimal retuschering för att ta bort några fläckar.
Resultatet: Ett porträtt som fångade hennes själfulla ande och hennes passion för musik. Det mjuka ljuset, det tankeväckande uttrycket och gitarren bidrog allt till att berätta sin historia.
Nyckel takeaways:
* Anslutningen är av största vikt. En äkta koppling till ditt ämne kommer att översätta till ett mer autentiskt och övertygande porträtt.
* Ljus är ditt mest kraftfulla verktyg. Lär dig att se ljus och använda det till din fördel.
* Komposition är viktigt. Använd kompositionens element för att vägleda tittarens öga och skapa en balanserad och visuellt tilltalande bild.
* posering handlar om vägledning, inte tvinga. Hjälp ditt ämne att känna sig bekväm och självsäker.
* redigering handlar om att förbättra, inte överväldigande. Bevara bildens äkthet.
* Practice gör perfekt. Ju mer du skjuter, desto bättre blir du.
Detta är en omfattande översikt, men varje porträttsession är unik. Nyckeln är att vara anpassningsbar, kreativ och alltid lära sig. Lycka till!