Kontinuitetsfel är ett av de enklaste sätten att bryta publikens fokus. Låt oss diskutera hur man löser kontinuitetsproblem i efterproduktion.
Vad tänker du på när du hör ordet "kontinuitet?"
Du kanske tänker på en Starbucks-kopp som sitter på ett bord i Westeros, eller kanske en hand som ger en velociraptor motiverande push framåt. Men en av de viktigaste tekniska aspekterna som ingår i en film är kontinuitetsredigering. Detta är naturligtvis när ett skott följs av ett annat skott som ger mening både temporärt och spatialt i scenen.
Nu, när det gäller redigering av kontinuitetsfel, kanske du har märkt uppenbara visuella skillnader mellan nedskärningar i stora storfilmer på grund av omtagningar som tagits månader efter den ursprungliga fotograferingen. Det finns en myriad av anledningar till att en films redigeringskontinuitet blir lidande. Men nästan hela tiden är det inte redaktören att skylla på.
Produktionsproblem och logistiska hicka kan göra en redaktörs liv till ett helvete när man får alla osammanhängande bilder. Ändå finns det några tekniker och tips att komma ihåg om kontinuitet innan du tar itu med din nästa redigering. Låt oss komma igång!
Script Supervisor vs Editor
Du kanske tänker, men finns det ingen person på plats som är ansvarig för att se till att dessa uppenbara oöverensstämmande problem inte inträffar ?
Du slår vad om att det finns. För det mesta är manushandledaren ansvarig för att se till att all kontinuitet är konsekvent från en tagning och scen till nästa. Så, specifikt, deras jobb är att vara uppmärksam på vad karaktärer gör och var de är i all täckning som äger rum i en scen.
Om du någonsin har varit på en uppsättning tidigare, vet du hur kaotisk, oorganiserad och fartfylld varje aspekt kan vara. Det är bara vettigt att manushandledaren glider upp då och då och låter något komma förbi dem medan scenen spelas in.
Sammantaget håller manushandledaren utkik efter garderob, rekvisita, styling och uppsättningsändringar som kan hända mellan tagningarna. Vanity Fair publicerade ett otroligt exempel och uppdelning av vikten av en manushandledare för några år sedan. Kolla in det nedan.
Tänk på en karaktär som äter en cheeseburgare under en konversation. Tänk om, under fram och tillbaka mellan de två karaktärerna som pratar, mängden konsumerad cheeseburgare ökar och minskar under hela scenen. Vi pratar från en tugga till att nästan vara klara med hamburgaren och tillbaka.
Ett annat utmärkt exempel på något märkbart skulle vara en karaktär som röker en cigarett. Samtalet startar och karaktären tänder cigaretten och röker cigaretten under samtalets gång. Scenen slutar med att karaktären släcker cigaretten i ett askfat.
Så låt oss säga att regissören låter skådespelaren köra scenen 10 gånger. Nu skulle de gå igenom mer än en cigarett under den tid det tar att filma den scenen 10 gånger. Så du måste välja tag (förhoppningsvis är de bra, användbara tag) som är vettiga i följd för hur länge cigaretten skulle brinna under hela samtalet.
- 7 vanliga (och undvikbara) kontinuitetsfel
Du får i stort sett vad du får med filmerna. Men denna typ av kontinuitet är bara så kontrollerbar från en redaktörs synvinkel. Så hur kan vi som redaktörer säkerställa en sammanhållen kontinuitet på andra områden?
Olika typer av kontinuitet
De olika typerna av klippning du kan göra är där det blir roligt. Förutom fysisk rekvisita, dekoration, hår och smink och garderob, finns det andra, mer tekniska typer av kontinuitet. Dessa element inkluderar ögonlinje, matchande skärningar med rörelse och scenbyten. Du hindrar också publiken från att bli desorienterad på grund av att de bryter mot 30- och 180-gradersreglerna.
- Förstå (och ibland ignorera) 180-gradersregeln
Det här är alla saker du kan hjälpa till med i din redigering. Det finns flera olika sätt du kan gå från en scen till en annan, till exempel fade-in eller fade-out.
Skärningar och rörelser
Men enligt Moving Image Theory:Ecological Considerations av J. D. Anderson &B. F. Anderson, "ungefär 95 % av redigeringsgränserna är klipp, vilket utgör en sammanfogning av två kameraramar." Så den enklaste formen av skärning är det viktigaste och mest effektiva sättet att berätta din historia.
Att skära på action och rörelse innebär att man skär från ett skott till nästa när en karaktär utför någon handling.
Låt oss säga att en man går mot en bil och sträcker ut sin hand för att nå dörrhandtaget. I samma ögonblick som hans hand nuddar dörrhandtaget, skär du till en närmare bild av hans hand som öppnar dörren, istället för att skära i mitten av honom som öppnar dörren bara för att skära till honom som sitter i bilen.
För mer om de olika typerna av klipp du kan lägga till din repertoar, kolla in vår handledning om de nio viktiga klipp som varje redaktör bör känna till nedan!
Matchande ögonlinjer
Ögonlinjematchning är avgörande, eftersom detta nonverbalt kommunicerar att två karaktärer har en konversation.
Vad detta betyder är att om du inkluderar en bild av en karaktär som ser ut utanför skärmen och till höger, för att få en sammanhängande kontinuitet, måste du klippa till den andra karaktären som ser ut utanför skärmen, men till vänster (tillbaka vid det första tecknet).
Denna rumsliga kontinuitet är kanske en av de mest sällsynta viktiga reglerna för filmskapande. Det hjälper att allt känns naturligt för våra ögon.
30- och 180-gradersregler
På tal om orientering, låt oss ta 30- och 180-gradersreglerna, som säger att kameran aldrig ska korsa en osynlig 180-graderslinje när den täcker en scen. Detta säkerställer att din publik förstår var karaktärerna befinner sig i förhållande till varandra och miljön runt dem.
Att klippa till nästa bild som antingen är kortare än 30 grader eller över 180 grader kommer att desorientera tittaren, och något kommer att kännas fel. Ett bra visuellt exempel på vad vi pratar om kommer från Film Riot, med en utmärkt top-down-vinkel för att visa exakt hur man följer regeln.
Hur du gör din redigering
Den enklaste formen av kontinuitetsredigering följer själva tanken att publiken behöver se vad som händer i en scen från en tydlig sekvens från bild till bild. De bör aldrig bli förvirrade om karaktärernas grundläggande rörelser, linjer och rumsliga vistelseorter.
- Så här skapar du kontinuitet när du använder bildmaterial
Montering är en av de roligaste typerna av scener att redigera. Troligtvis kommer du att få massor av bilder av karaktärer som utvecklas på något sätt som är tänkta att se ut som om det spänner över en lång tid eller händer snabbt. Så det här kan betyda att du redigerar ett montage av ett barn som gör sig redo för skolan eller lär dig spela basket under loppet av ett läsår.
När du redigerar scenen, se till att bilderna följer den tidslinje du behöver. Klipp inte från ett skott på hösten till ett skott på sommaren och sedan tillbaka till ett skott under vintern. Även om redigeringen känns överallt behöver publiken den kontinuiteten för att tro på historien.
Vad är diskontinuitetsredigering?
Men diskontinuitet är inte alltid en dålig sak. Till exempel är tillbakablickar ett mycket effektivt sätt att styra berättelsen framåt genom att förklara vad som för närvarande händer genom att titta på karaktärerna i det förflutna.
När det gäller redigering, var uppmärksam på vad du klipper till. Till exempel, klipp till en etablerande bild av en plats eller plats som ger tittarna ett omedelbart sammanhang innan de hoppar in i en konversation eller handling. Klipp till objekt och platser från det förflutna, klipp sedan till början av scenen.
Att etablera skott och B-roll är en redaktörs bästa vän. Ta dem aldrig för givna!
Diskontinuiteten kan också vara ett mästerligt sätt att vilseleda publiken. Du kan hitta en situation för detta tillvägagångssätt om en karaktär är förvirrad, desorienterad eller går utom kontroll.
Att snabbt skära fram och tillbaka i tid och rum är ett bra sätt att visa kaos på ett sätt som inte drar tittaren ur berättelsen. Det tjänar faktiskt berättelsen mycket bra, speciellt om du avslutar den här sekvensen på ett sätt som åter centrerar publiken, som ett etablerande skott eller skärning till en svart skärm.
Har du märkt att etablerande skott fortsätter att komma upp? De är ett utmärkt sätt att återställa eller jorda om allt.
Bemästra konsten att parallellredigera
Parallellredigering är att klippa fram och tillbaka mellan två tecken eller platser samtidigt. Det här är ett roligt sätt att visa vad som händer över hela världen i filmen som din publik tittar på. Detta ger också publiken sammanhang för var och vad andra karaktärer gör i förhållande till varandra.
När du fattar redaktionella beslut med den här typen av tillvägagångssätt, se till att alltid ge sammanhang för den "nya" scenen så att publiken vet exakt vems berättelse de ser spela ut.
En annan form av kontinuitet är att hitta ett konsekvent flöde till din redigering. Till exempel vill du aldrig att tittaren ska kastas ut ur berättelsen på grund av inkonsekvent klippning. Om du lämnar en bild av en karaktär som säger en rad, klipp till den motsatta karaktären för att visa hur de reagerar på vad som sägs.
När du väl har följt den reaktionen, se till att du ger publiken tid att förstå vad som kommuniceras, vare sig det är nonverbalt eller med ord. Dra inte tillbaka till karaktären som talar för snabbt.
Det bästa sättet att säkerställa att du har rätt timing är att redigera scenen och se den tillbaka som en objektiv tittare. Kolla in videon nedan om du vill ha ett utmärkt exempel på vad som inte att göra.
Vad är överlappande redigering?
Används främst med actionscener, denna kontinuitetsredigeringsstil framhäver ett visst ögonblick eller en viss handling. Den följer handlingen som äger rum och skär sedan omedelbart till en annan kameravinkel för samma åtgärd.
Det låter som att det skulle vara konstigt och stötande, visuellt sett. Men när det kastas in i en scen med mycket ansträngning är det vettigt. Du kanske inte ens inser att du såg samma handling ske två gånger.
Denna jaktscen från Mission Impossible 2 är ett bra exempel på denna typ av redigering.
Sammanfattningsvis
Kontinuitetsredigering handlar mer om känsla och intuition framför beräkning och precision. Scenerna du redigerar måste flyta på ett sätt som är vettigt i berättelsens sammanhang och håller publiken engagerad utan att fjärma dem.
Oavsett om det handlar om att se till att dina karaktärer är vända åt rätt håll mellan klipp eller att komma ihåg att skära på action, så spelar redigering en avgörande roll för att berätta historien på ett sammanhållet sätt.
Kom ihåg, som alla aspekter av filmskapande, ibland är det en gruppinsats som kräver externa åsikter och röster för att hjälpa dig komma i mål. Ibland är ett andra par ögon den bästa hjälpen du kan få som videoredigerare.
Omslagsbild av Fabio Pagani .
För fler redigeringstekniker, kolla in listan nedan:
- Kuleshoveffekten och dess inverkan på tittarens känslor
- 8 viktiga klipp som alla redaktörer bör känna till
- Din guide till att arbeta med projektfiler i DaVinci Resolve
- Tips för redigering av en animerad serie med Big Mouth's Felipe Salazar