Ibland behöver du inte en lång handledning för att plocka upp några nya redigeringsknep. Kolla in våra favoriter från Editing Modulations.
När det gäller att lära sig mer om filmredigering är en av mina favoritnyheter på internet sidan Editing Modulations Tumblr. Det är en fantastisk blandning av två-sekunders klipp med lektioner och korta insikter om specifika klipp, övergångar och redigeringstekniker.
I det här inlägget har jag samlat ett urval av tekniker som Editing Modulations har undersökt, och jag har lagt till några egna tankar med några ytterligare länkar om samma ämnen. Det är absolut värt att klicka sig fram till vart och ett av exemplen för att lära dig mer om de inblandade redaktörerna och sammanhanget för inspelningen i den bredare filmen.
Vi kommer att ta en titt på följande.
- Matchklipp
- Löser upp
- Dolda skär
- Torkningar och övergångar
- Kombinera tekniker
Som redaktörer bör vi inte vara rädda för att bli kreativa med våra scenövergångar, inklusive användningen av ljudeffekter, våtservetter och upplösningar. Om regissören hatar dem kan vi alltid ta ut dem, men låt oss åtminstone försöka något lite annorlunda när vi kan.
Redigering med Match Cuts
Dessa matchar klipp från Baby Driver är ett bra exempel på en redigeringsteknik som vanligtvis är skriptad. Därmed inte sagt att det är omöjligt att ha en ekologisk match cut i ditt projekt, men oftare än inte är de förplanerade för att få det visuella att matcha exakt.
Det finns massor av andra bra exempel på matchning av redigeringsmoduleringar, så klicka dig vidare för att se några från The Graduate , Snatch , och Schindlers lista .
I exemplet ovan kan du se att skådespelarens position och den svarta bilens rörelse drar ditt öga åt vänster, som flyttar in i den dinglande bilen i det andra skottet. Tändstickssnittets "join" är till stor del runt Babys position i förgrunden – även om andra kompositionselement också matchar, som bilarna till vänster och höger, kranen och B2-kolonnen.
Det är också värt att tänka på den innebörd som skapas av att ställa dessa två bilder samman; det är inte bara en trevlig visuell övergång.
Den här matchen klipptes från Grease (1978) kontrasterar gruppens fantasi med verkligheten. För Baby är det tänkt att vara en vändpunkt i hans kriminella karriär. I det här exemplet (klicka igenom) från The Lost World: Jurassic Park , vi ser faktiskt en "svart komedi"-matchning.
Matchsnitt kan vara visuellt lika, men de kan också vara mer metaforiska – du kan matcha kompositioner, rörelser, energi och känslor.
I det här exemplet från The Lost City of Z , rörelsen och placeringen av vätskan som rör sig från höger till vänster matchar strömtåget som färdas i samma riktning. Även om detta lätt kunde ha planerats i produktionen, är det också ett bra exempel på en mer ekologisk matchklipp.
Att hålla utkik efter dessa möjligheter, antingen som filmskapare eller klippare, ger definitivt ytterligare ett lager av mening för din publik.
Om du vill se ännu fler bra exempel på matchklippningar, kolla in följande PremiumBeat.com-inlägg, som inkluderar denna snyggt redigerade supercut av matchklipp från Celia Gomez.
Använda Dissolves i dina projekt
Ibland kan en dissolve verka som en cop-out. Som det gamla redigeringsordspråket säger:"När du inte kan lösa det, lös upp det" - vilket betyder att när redaktören inte kunde komma på ett bra sätt att få en klippning att fungera, kunde de bara slå en dissolve på den.
Men i rätt händer och i rätt sammanhang kan en upplösning vara en mycket mer kraftfull övergång – en som lägger till en viss visuell koppling och ytterligare betydelse.
I detta fantastiska exempel från Natural Born Killers , upplösningen kopplar Mallorys cigarettrök till drakens andetag.
Jag tror att utmaningen med upplösningen är att det faktiskt krävs extra eftertanke för att lyckas. Vad är den ihållande visuella kopplingen mellan de två skotten? Vilken mening förmedlar du med sammanställningen?
Handlar det om att kommunicera tidens gång? Inre tankar? Samband mellan karaktärer över tid och rum? Vad det än är så måste det finnas någon mening, annars kommer övergången att kännas onödig.
När var sista gången du använde en dissolve?
This Guy Edits (Sven Pape) skapade en trevlig videouppsats som kontrasterar den framgångsrika användningen av dissolves i film med de som helt enkelt är lata.
Pape hävdar att upplösningen på vissa sätt är "den svåraste skärningen" eftersom den drar uppmärksamheten till sig själv, och därför måste den verkligen fungera - annars kommer den att dra uppmärksamheten till sitt eget misslyckande.
I kommentarerna delade Brenn Film en intressant observation som jag ännu inte har provat själv, men det låter rimligt:
För att lära dig mer om hur du använder dissolves i din redigering, kolla in det här fantastiska inlägget av PremiumBeats Logan Baker.
Dolda klipp
Några av mina favoritredigeringar i filmer är de som du inte ser alls. Dessa dolda klipp är ofta nödvändiga filmskapande – säg till exempel att länka två olika platser som om de vore en.
I denna tweet från Solo VFX-handledare Rob Bredow, du kan se hur väl filmskaparna använder detta dolda snitt — gömmer sig i det svarta för att koppla samman inspelningen av Millennium Falcons utsida med inredningssetet.
Vad jag tror gör att det här fungerar särskilt bra är den korta tvåbildsblixten av rött när Han skjuter av sin sprängmaskin mitt i mörkret, vilket gör att mörkret känns mer avsiktligt och kopplingen mer sömlös.
I det här Twitter-ögonblicket kan du se alla Robs tweets på några specifika VFX-ögonblick från hans arbete med Solo:A Star Wars Story .
I det här exemplet från Editing Modulations, detta dolda klipp i Christopher Nolans Dunkirk bidrar inte bara till att öka förvirringen utan ökar också effekten av vattensprängningen. Återigen bidrar inkluderingen av lite ljus till att göra den mörka delen av sekvensen mer trovärdig.