När vi gav oss ut för att hitta moderna mästare i det svartvita landskapet, blev vi förvånade över kvaliteten och variationen av monokroma naturscenerier som tillverkas idag. Tre konstnärer berättar för oss varför digitala verktyg både har förändrat svartvitt och hållit det blomstrande. En började som ljuddesigningenjör, en annan som fotojournalist och en annan som kommersiell skytt. Alla drogs till att skapa landskap i svart och vitt, och även om alla tre kan sägas arbeta i en "klassisk" stil, har var och en en distinkt karaktär i sina bilder. David Fokos kan betraktas som en traditionalists traditionalist, särskilt med tanke på hans kamerautrustning:en vintage Korona 8×10 visningskamera, plus ett – och bara ett – objektiv, en 210 mm f/5.6 Rodenstock Apo-Sironar-S. (På 8×10 motsvarar objektivet cirka 28 mm i 35 mm helbildsformat.) Han använder Kodak Tri-X Pan arkfilm. Men efter att ha framkallat filmen blir Fokos digital. Om ett negativ ser lovande ut skannar han det i mycket hög upplösning (bildfilen i gråskala är – håll andan – 800 MB) och börjar arbeta med den i Adobe Photoshop. Han spenderar ofta mer än 100 timmar på en bild – och ibland slutar han ändå med att kassera den. Varför inte fånga digitalt? En viktig anledning är att Fokos skriver ut stort - ibland upp till 7½ fot breda. "Och 8×10-film ger mig den upplösning de kräver", säger han. "Det är bara under de senaste åren som digital fångst har kunnat konkurrera med detta." Fokos noterar också att ömsesidighetsfelet (filmens tendens att vara underexponerad vid långa exponeringstider) hos Tri-X hjälper till att förhindra att höjdpunkter blåser ut under sådana långa exponeringar – ibland så långa som en timme.
Vilket tar oss till David Fokos-looken. "För scener som innehåller mycket rörelse sträcker sig mina exponeringar från 20 sekunder till 60 minuter", säger han. "Denna process eliminerar vad jag har kallat visuellt brus - alla kortsiktiga tidshändelser, saker som rör sig, som kan distrahera oss från att fokusera på de underliggande grundläggande formerna. På ett sätt är det som att dra tillbaka en sida för att avslöja en värld som, även om den är väldigt verklig, inte upplevs visuellt.”
Den första bilden i det medföljande galleriet, av Shark Tooth Cliff på Martha's Vineyard, MA, togs vid cirka 90 sekunder. Vid den tiden insåg Fokos att månen skulle visa rörelseoskärpa. Så han tog en snabb exponering också, och komponerade. Han justerade också lokal kontrast och brände i toppen och botten.
Fokos andra bild i galleriet, "Eight Rocks and a Stone", gjordes på Lucy Vincent Beach på Martha's Vineyard. Fångad på mindre än en sekund vid f/45 eller f/64, är det en av Fokos få bilder som stoppar rörelsen. Han säger att han ville "göra en arketypisk bild som representerar min sommar när jag gick på den stranden."
Digital vid steg ett
Medan Chuck Kimmerles kompositioner frammanar förra seklets landskapsmästare (han citerar Edward Weston och Fay Godwin) tror han att digitalt är en annan estetik än film. "Digital inspelning har ett annat utseende och en annan känsla än film - inte bättre, inte sämre - och jag tycker att de skillnaderna bör hyllas och användas med fördel", säger han. "Jag skulle aldrig försöka få det ena att se ut som det andra. Om jag verkligen ville eller behövde en Tri-X-look skulle jag spela in Tri-X-film.”
Kimmerle fotograferar med en Nikon D3x, och hans objektiv inkluderar Nikon 24 mm, 45 mm och 85 mm PC-E för deras tilt- och växlingskontroller. För fotot "Sage Fence, Dead Horse Road, WY," i vårt galleri, använde han en 24–70 mm f/2.8 AF-S Nikkor för att göra exponeringen vid 1/4 sek vid f/8, ISO 100. "Detta image är ett bra exempel på rätt plats vid rätt tidpunkt, säger han. ”Sagebrushen ligger längs en stängsellinje som jag hade kört förbi ett halvdussin gånger utan att märka något speciellt. Sedan, efter en dag av letande efter fotografier, var jag på väg mot hemmet och strax efter solnedgången såg jag det bokstavligen i ett nytt ljus. Det mjuka, riktade ljuset efter solnedgången direkt på min rygg fick grenarna att glöda, som om de tändes inifrån.”
Precis som de flesta seriösa digitala svartvita skyttar fångar han i RAW och konverterar senare. När det gäller "Sage Fence, Dead Horse Road, WY" kände Kimmerle att bilden såg för skarp och hård ut. Så han lade till ett suddigt lager i Photoshop, en teknik som ibland kallas Orton-effekten (efter Michael Orton, som var pionjär med tekniken med hjälp av släpmackor).
Kimmerle, som vanligtvis begränsar sina redigeringar till att ducka och bränna, noterar att detta var en ovanlig nivå av manipulation. "Att arbeta digitalt ger mycket större kontroll och många fler tolkningsmöjligheter än vad som finns i ett vanligt mörkrum, särskilt för svartvitt arbete", säger han. "Tråkigt nog faller många människor offer för fällorna av kraften i efterbearbetning. De vet inte när eller hur de ska hålla tillbaka, för att vara subtila. De gör för mycket för att de kan, förlitar sig på digitala knep och jippon som maskerar en bild istället för att förbättra den.”
Kimmerle gör landskapsbilder uteslutande i svart-vitt, säger han, av två anledningar. "Den första är att jag är mycket mer intresserad av ett föremåls form och textur än vad jag är av dess färg", säger han. "Dessa egenskaper är mer kraftfulla, mer känslomässiga än ett föremåls nyans och nyans. Den andra anledningen är att jag är övertygad om att kreativ fotografering är en process i två steg:skapandet av bilden och presentationen av trycket. Eller, för att citera Ansel Adams, "Det negativa är partituren, och trycket prestationen."
Två väldigt olika hattar
För att läsa Chris Clors webbplats kanske du får uppfattningen att han är två olika fotografer. Hans kommersiella arbete i färg för företagskunder tenderar mot vilt fantasifulla (vissa kanske säga over-the-top) kompositer helt klart inte menade att representera verkligheten. Hans svartvita landskap, som hans fotografi av Isle of Skye, är högst klassiska, till och med strama. "Eftersom mycket av det svartvita motivet jag fotograferar är landskap eller stadsbild, har jag anammat ett mer rakt tillvägagångssätt till fotograferingen, och föredrar nästan ingen manipulation", berättar han. "Något med svart-vitt kräver lite mer fotografisk realism, eftersom det i sin kärna redan är en abstraktion - vi ser i färg."
För Skye-bilden använde Clor sitt Canon EOS-1Ds Mark II och 24–70 mm f/2.8L Canon EF-objektiv för en exponering på 1/200 sek vid f/5.6, ISO 100. Efter När han gick i gråskala, gjorde han "minimal dodging och bränning, lite brusreducering på himlen och skärpning."
Clor använder för närvarande väldigt olika redskap. "Jag föredrar min Sony NEX-7 tillsammans med en hink full av gamla Olympus OM-objektiv som jag äger från min allra första riktiga kamera, en Olympus OM-1", säger han. "Det här är linser som är runt 30 år gamla och i min bok överträffar de moderna linserna."
Tänker i svartvitt
Våra monokroma mästare är överens:för att finslipa dina svartvita färdigheter, bara gör det. Mycket. "Du måste lägga in timmarna och milen", säger Clor. "Jag skulle föreslå att du planerar en fotografisk utflykt till en plats som intresserar dig - inte en semester med barnen där du jobbar med fotografering, utan en resa som ägnas åt fotografering."
“För att bli bättre på att arbeta i svartvitt tror jag att det är viktigt att fördjupa sig helt i det, träna sig i att se världen som den ser ut i kompositioner av svart, vitt och grått , säger Fokos. Han föreslår att du tar bilder samtidigt i RAW och monokrom JPEG för att se bilden på LCD-skärmen i svartvitt.
"Det största misstaget som görs av nybörjare inom svart-vitt är att förlita sig för mycket på skillnader i färg snarare än skillnader i ljusstyrka eller ljusstyrka", säger Kimmerle. "Radikalt olika färger kan visas, i en svartvit bild, som samma nyans av grått. Att se i svart-vitt är en färdighet som måste läras genom att göra.”