Som filmskapare är vi historieberättare. Genom våra linser vecklar vi upp krönikorna om den mänskliga upplevelsen. Oavsett om vi tar med tittaren på en fiktiv resa i ett berättande inslag eller en verklig upplevelse genom en dokumentär, är det vår uppgift att få tittaren att känna något — förhoppningsvis många saker. Vi har många manipulationsinstrument för att skapa dessa känslor, men våra kanske bästa verktyg är ljus och färg.
Kinematografi beskrivs ofta som att måla med ljus. Till skillnad från skulptering är det en additiv process där varje penseldrag avslöjar något som tidigare inte fanns där. Vi lägger till ljus för att fysiskt forma motiv och deras miljöer. Om inte din historia berättas i svart och vitt, kommer lamporna vi använder att återge färger som kan blandas för att skapa en mer omfattande känslomässig och visceral tittarupplevelse. Varje typ av ljus har olika färgtemperatur, och beroende på hur du ställer in kamerans vitbalans kommer ljuskällan att avslöja sin färgförändring.
Ljus och färg
Oavsett om du bara använder naturligt ljus som Emmanuel Lubezki gjorde för The Revenant eller använder artificiella ljuskällor som LED, volfram eller HMI, har varje ljuskälla en annan färgtemperatur som kommer att reproduceras på olika sätt när du ändrar kamerans vitbalans. Till exempel kommer färgtemperaturen för omgivande ljus ute en ljus solig dag att vara cirka 6 500 kelvin, och om vi vitbalanserar vår kamera till 6 500 kelvin kommer ljuset att verka vitt och färgerna kommer att se naturliga ut.
Om vi fotograferade inne i ett hus upplyst av volframljus som är klassade till 3 200 kelvin och vi balanserar därefter, kommer ljuset inuti att se vitt ut, medan dagsljuset som strålar genom fönstren kommer att se blått ut. Omvänt, om vi skulle vitbalansera inuti rummet för ljuset som kommer in genom fönstret, skulle dessa volframljuskällor se orange ut.
Hitta balans
Generellt sett vill du vitbalansera för de primära ljusen som exponerar motivet. Även om det finns undantag, är det prioritet att få färgen på någons hud korrekt. Om du har blandat ljus kan det vara knepigt med rätt balans. Om du till exempel fotograferar i ett rum fullt av fönster med dagsljus som kommer in, kanske du vill vitbalansera för dagsljus. Men vad händer om du fortfarande behöver lägga till lite ljus i ämnet och bara har ett volfram-kit som, återigen, är betygsatt till 3 200 kelvin? Ibland kan du avstå från dessa korrigeringar och använda ljus med olika färgtemperaturer på kreativa sätt.
Känslornas färg
Det är viktigt att veta att färgen på ljuset du väljer att använda kommer att ha en direkt känslomässig inverkan på tittaren. Utan att gå för djupt in i färgteori och psykologi, tänker vi på blått ljus som svalare och sorgligt medan gult/orange ljus tenderar att antyda värme, liv och glädje. Det kan vara lätt att bli förvirrad när man hör kallt ljus och varmt ljus. Om du kommer ihåg din fysik, tenderar ljus som är varmare att vara blått som ljuset från solen en ljus dag, och ljus från en liten glödlampa, som bokstavligen är en svalare ljuskälla, tenderar att vara mer gult/orange även om det är blått. ljus, snarare än orange, förknippas ofta med kallare temperaturer.
Att blanda olika färgtemperaturer kan vara ett bra sätt att dra fördel av dessa psykologiska effekter och lägga till komplexitet till dina bilder. Det kan också få en skådespelare att sticka ut från sin bakgrund eller bara lägga till stil. Även om du fortfarande vill lysa upp motivets hudtoner i första hand med en enda färg, kan du lägga till mycket dimension och känslor till dina bilder genom att blanda färger.
Exempel på bio
Bra exempel på detta är amerikanska actionfilmer där människor ofta lyser orange med tunga blå bakgrundsljus och kantljus. James Cameron använde detta med stor effekt i "Terminator 2" och hans samtida, Michael Bay, använder denna stil mycket flitigt i sina actionfilmer också.
Det är dock inte bara popcornartister som Bay som använder denna belysningsstil. Steven Spielberg kan inte låta bli att belysa sina motiv med orange/gult ljus och kraftigt motljus med naturligt ljus eller HMI:er, som verkar blåaktiga. Regissören Jean Pierre Jeunet använde ljus och färg flitigt i "Amelie" för subtila, och inte så subtila, känslomässiga signaler.
När du börjar leta efter det kommer du att se blandat ljus i många fler scener än du kanske förväntar dig. Det är ett bra sätt att sätta tonen och känslor. I mina egna intervjuuppsättningar använde jag ofta LED-paneler som jag ställde in på runt 5 600 kelvin och sedan använder exponerade Edison-lampor i bakgrunden för en subtil varm bakgrundsbelysning. Leta efter hur färg används i dina favoritfilmer för fler idéer om att använda färgtemperatur kreativt.
Dags för lite experiment
När du ger dig ut för att belysa din scen, tänk på berättelsen och de känslor som är förknippade med den. Genom att bara lägga till en liten skillnad i färg kan du komma långt mot att sälja en känsla.
Om du är en lågbudgetfilmare är detta ett sätt att få mycket produktionsvärde för inte mycket pengar. En kreativ resa till din lokala järnaffär kan ge riktigt fantastiska resultat. Var kreativ och experimentera. Även legendariska DP:s som Roger Deakins leker med gör-det-själv-set för att få det specifika utseende de vill ha.