Låt oss titta på fem animefilmer – både nykomlingar och klassiker – du bör titta på för att inspirera ditt visuella berättande.
Beroende på hur mycket av en cinefil någon är, kan det finnas en liten avbrott i deras förhållande till anime, eller åtminstone deras förutfattade meningar om vad anime är. Jag är säker på att de som styr bort från animespellistan på Netflix tänker på anime som något sånt här, från tv-serien Dragonball Z :
Atletiska män som utför akrobatiska kampstunts blixtsnabbt med stora energiknäppar. Jag menar, du skulle inte ha fel, men det är bara en del av en specifik genre av anime, som helhet. Själva ordet anime är bara en förkortad form av animation, definierad som att den kommer från Japan, och vi vet alla att det finns mer med animation än bara Disney.
Men förbi räckvidden av typisk Shōnen-liknande kampanime hittar du också en mängd olika animefilmer som presenterar berättelser som en fin balans mellan konst och underhållning. Till exempel Ghost in the Shell , filmen från 1995 av Mamoru Oshii, har en treminuterssekvens som enbart dokumenterar den dystopiska stadsbilden. Det är osannolikt att vi skulle se en sådan sekvens utanför Art-House-biografen.
Med det i åtanke, låt oss titta på fem animer du bör titta på för visuell inspiration och vilken typ av inspiration de har. Eftersom det finns otaliga anime-TV-program, kommer jag att begränsa detta till filmer.
1. Paprika – Symbolisk inramning och redigering
Medan jag har listat Paprika i rubriken är hela detta avsnitt för alla Satoshi Kons långfilmer, eftersom det tyvärr bara finns ett fåtal. Kons första regidebut var 1997, och filmskaparen skulle bara ge oss fyra långfilmer under de kommande tio åren innan hans alt för tidiga död 2010.
Om du har gjort någon form av berättande innehåll, vet du att med all planering och förberedelser som är möjliga, ibland beror de bästa resultaten på tur. Kanske var himlen en extra nyans av rosa på inspelningskvällen. Eller för din skräck, det blåste extra mycket den dagen, vilket fick träden att skaka våldsamt utanför fönstret. I animation är varje bildruta noggrant komponerad, och varje element har placerats intrikat, i motsats till någon form av slump. Kons verk är förkroppsligandet av det.
Varje skott, klipp och rörelse är noggrant planerad för att passa hans vision. Du kommer att upptäcka att med hans övergångsredigering som finns i hela hans katalog, är varje scen visuellt kopplat till både föregående och efterföljande scener. Han säger,
Kons verk har en konsekvent visuell presentation. Hans användning av skärningar, färg och allmän design för både symbolik och estetik är geni. Även om du inte är bekant med hans arbete, är jag säker på att du kommer att märka att det sipprar igenom andra.
Filmer att titta på:
- Perfekt blå
- Millenniumskådespelerska
- Tokyo Gudfäder
- Paprika
2. Ghost in the Shell – Visual Space
Även de som inte är särskilt insatta i anime kommer förmodligen att känna till filmen Ghost in the Shell , antingen genom den senaste live-action-anpassningen eller helt enkelt på grund av dess rena närvaro i animationshistorien. GiTS , som det ofta kallas, är ett mästerverk i att visualisera det konceptuella rummet mellan människor och deras miljö. När det gäller filmen, framtidens myllrande stadsbild.
Med modern filmskapande, särskilt storfilmer, verkar det som att vi alltid presenteras för mer när det kommer till volymen av CGI-element. Städer är oändligt höga, folkmassor är tättbefolkade, arméer är obegränsade, och så vidare.
Hur visar du en stor stad i en cyberpunk-framtid? Tja, i fallet med animen från 1995, istället för att visa en vidsträckt stad ur ett flygperspektiv, var det tre minuter av en meditativ stadssekvens från marknivå. YouTubes uppsatskanal NerdWriter talade djupt om detta, samt hur anpassningen från 2017 gjorde originalversionen en otjänst.
När live-actionfilmer alltid försöker framstå som större än livet, kan du ibland behöva gå tillbaka till ett annat medium för att uppskatta de små elementen.
3. Anime Architecture:Imagined Worlds and Endless Megacities – Perspektiv
Ok, så det här handlar tekniskt sett om flera animer. De är Akira , Ghost in the Shell, Patlabor , Neon Genesis Evangelion och Tekkonkinkreet .
Skrivet av Stefan Riekeles och publicerat av Thames och Hudson, Anime Architecture:Imagined Worlds and Endless Megacities är en bok som träffande handlar om arkitektur i anime. Vem skulle ha gissat det utifrån bokens titel?
Även om det till en början verkar uppenbart att den här boken är för designstudenter och älskare av arkitektur, tjänar den också ett sekundärt syfte för att ge inspiration till att rama in byggnader och städer. I många animer är stadsbilden – och i synnerhet megastäder i dystopiska cyberpunkmiljöer – nästan alltid en karaktär i sig själva (som noteras i GiTS sekvens).
Personligen kämpar jag ofta med aspekten av att korrekt fotografera (stillbild och video) stadsbilder för att accentuera deras egenskaper. När boken dissekerar hur byggnaderna är fysiskt konstruerade och sedan animerade, sporrar den sinnet till kreativ saft i hur du kan närma dig att fånga din nästa stadsbild på ett sätt som känns filmiskt.
4. Ditt namn – Skönhet i varje bild
Det finns ofta debatt, en brinnande debatt då, om Makoto Shinkai är på jakt efter att bli nästa Hayao Miyazaki. Oavsett om du håller med eller inte håller med om känslan eller inte, finns det en sanning som inte kan förnekas – Shinkais filmer är visuellt underbara.
Släppt 2016, Ditt namn var en kritisk och kommersiell framgång som inte har setts från en original fristående anime på ganska länge (inte en film baserad på en redan existerande anime-serie). Från och med 2021 är det den tredje mest inkomstbringande animefilmen och japanska filmen, världen över, genom tiderna.
Utanför den vackert vävda handlingen och den härliga musiken är de visuella elementen världslösa. Shinkai använder många egenskaper som bara finns i live-action, såsom linsutstrålning, skärpedjup, spegelhöjdpunkter och så vidare. Och en egenskap som känns framträdande genom det mesta av Shinkais arbete är att de flesta ramar av filmen lätt kan hämtas och användas som ett tryck för din hemvägg.
I Ditt namn , oavsett om det är att visa Itomoris naturliga skönhet, eller studenter som äter lunch på basketplanen, allt är inramat och animerat vackert. Shinkais stil är ett starkt argument för att ge din bild allt för att göra den vacker – även om det är något så vardagligt som en enda bild av någon som frågar efter vägbeskrivning.
Som en sekundär notering publicerades 2015 en bok med titeln Sky Longing for Memories:The Art of Makoto Shinkai , som visar några av hans bästa kompositioner, samt uppdelningar av hur laget komponerade bilderna. Eftersom den publicerades 2015 täcker den inte Ditt namn eller den nyligen släppta Weathering with You , men du hittar hans signaturstil i hans tidigare verk.
5. Den röda sköldpaddan – Brännvidd och minimalism
Så, Den röda sköldpaddan är inte en riktig definition av anime. Regissören, Michaël Dudok de Wit, är holländare och filmen är samproducerad av det franska produktionsbolaget Wild Bunch.
Den andra delen av samproduktionskrediterna tillhör dock det berömda anime-kraftverket Studio Ghibli. Det har också långvariga Ghibli-namn som Toshio Suzuki och Isao Takahata som fungerar som producent och konstnärlig producent (respektive). På samma sätt, före sin pensionering, bad den kanske mest kända Studio Ghibli-regissören genom tiderna, Hayao Miyazaki, att få prata och samarbeta med Dudok de Wit. Så, halvanime? Japansk-fransk producerad animation?
Hur som helst, det slår att rekommendera den självklara animen att titta på (Akira ) och filmen har Ghiblis välbekanta ekologiska teman, med typiska Ghibli-liknande egenskaper som dyker upp genom hela filmen. Men framför allt är det visuella inte lika igenkännligt som typiska Ghibli-producerade filmer. Den röda sköldpaddan tar dig till en tropisk ö mitt i havet, och till skillnad från andra filmer i Ghibli-biblioteket gör den det utan att be dig fokusera på berättande eller karaktärsutveckling.
Istället uppmanas vi att bli kära i en miljö, närmare bestämt en liten tropisk ö där en stum skeppsbruten hamnar i skeppsbrott.
Utan dialog och bara fokus på bilder skulle det förväntas att det visuella skulle vara bländande och fyllt med filmisk rörelse för att hålla publiken engagerad. Det är dock raka motsatsen. Ofta är kameran låst och inramad med telebrännvidd på ganska långt avstånd. Detta resulterar i att karaktären tvättas i skala av de tropiska öns omgivningar.
Till viss del är det nästan teatraliskt. Det är ett bra exempel inom visuellt berättande för att påminna oss om att vi inte alltid behöver utföra extravaganta kamerarörelser när ett förenklat tillvägagångssätt också fungerar.