Otroliga porträtt av bildskapare hade premiär på Tribeca 2019, och några nya dokumentärer på schemat bekräftar värdet av intimt berättande.
På årets Tribeca filmfestival avslöjar flera nya dokumentärer kraften i berättande med en kamera. Här är våra tankar.
Martha:A Picture Story
När New York Post fotografen Martha Cooper kammade Alphabet City för utfyllnadsbilder på 1970-talet, gatukonst var en framväxande, tillfällig överträdelse. Graffiti var inte hennes motiv som fotograf - ännu. Hon hade något gemensamt med dessa anonyma outsiders som skapade sina egna världar på tegelväggar. Deras spel skapade glädje från allt som fanns runt omkring. Cooper drogs då till förundran, särskilt som det tillhörde barn som gjorde sitt eget roligt i fördärvade stadsdelar medan New Yorks fastighetsekonomi gick snett. Bilderna som Cooper hittade mellan nyheterna var alla magiska mitt i vardagens dysterhet. Du kanske känner igen några av barnen hon fotograferade:en pojke som håller i en sprutande brandpost, en ung man med en duva uppflugen på handen med New Yorks skyline i bakgrunden. Artister som Shepherd Fairey och Banksy har tillägnat sig Coopers bilder som hyllning.
Mycket av Coopers tidiga arbete i New York City hade djärva taggar i bakgrunden. Hon hittade senare släktingar i graffitikonstnärer och blev känd för att dokumentera deras arbete i sin fotobok tunnelbanekonst . Selena Miles första långfilmsdokumentär, Martha:En bildberättelse, tar upp det omfattande inflytandet från den volymen, som så många street art-entusiaster och konstnärer kallar "bibeln".
Filmen gör omedelbart kär i "Marty" Cooper och hennes arbete. Vid 34 års ålder blev hon den första kvinnan som någonsin arbetat som personalfotograf på Inlägg och började bygga samlingen av översvallande arbete katalogiserad i Martha:A Picture Story . Varje snabbslagen arkivbildsekvens och kvick, krävande klippning är en krok i den smittsamt livfulla dokumentären. Martha:A Picture Story är en film om hur visuell kultur spreds före internet. Spänningen att upptäcka den kulturen – och för Cooper, hur det var att ha sett den först och sprida den runt – är filmens hjärtslag. Ett soundtrack fullt av funk och groove matchar både Coopers energi och hennes häpnadsväckande hängivnas energi.
Miles är en självlärd australiensisk filmskapare som har gjort rent en hi-fi-film med Martha:A Picture Story . Publiken får se dagens Cooper i 70-årsåldern åka runt med graffitikonstnärer med huvor och diskutera drivkraften för hennes arbete. Rusningen som fick henne tillbaka på gatan på natten med dessa anonyma figurer är så kraftfull och lätt i hjärtat. När en curator säger till Cooper att folk inte tar leende ansikten lika seriöst när det kommer till fotografier, studsar hennes skratt genom det unkna vita galleriet runt dem. Cooper turnerar fristående grindskyddade graffitiväggar i Miami och undrar om hennes bilder fortfarande kan vara relevanta när mediet är så inneslutet och lätt att Instagram. Martha:A Picture Story bevisar användbarheten av sprit som Coopers när städer gentrifierar och osanktionerade etiketter och väggmålningar – uppteckningen av ett folks historia – målas över.
Hitta återstående offentliga visningar här.
Allt jag kan säga
Blind Melon-frontmannen Shannon Hoon var känd i sin inre krets för att ha filmat nästan varje ögonblick från 1990 fram till dagen då han dog 1995. Dessa suggestiva och privata ögonblick sammanfogades av regissörerna Danny Clinch, Taryn Gould och Colleen Hennessy, som också krediterar Hoon. som regissör. Resultatet är en bitterljuv och hjärtskärande hyllning till Hoons obestridliga potential som filmskapare.
Hoons bandkamrater ifrågasätter honom ständigt om att "leka med sin videokamera" innan höginsatsshower; hans high school-älskling Lisa kräver att han slutar rulla när de är ensamma. Ögonblick genom hela filmen motverkar försiktigt deras nej och bekräftar kamerans högsta värde som budbärare. Sångaren/gitarristen spelar in TV:n när nyheterna om upploppen i L.A. kommer och en reporter nämner en "amatörfotograf" (George Holliday) som spelade in och släppte en avgörande video där polisen misshandlar Rodney King. Blind Melons video till "No Rain" är anledningen till att singeln nådde nummer sju på Billboard-listorna ett år efter att albumet släpptes, får vi veta via Hoons filmer.
Hans känslighet sträcker sig från tålmodigt neorealistiskt till ömt fånigt till skrämmande personligt. En mellanvästern genom och igenom, framstår Hoon som en orubblig men ändå mild själ. Han spolar ner en dålig recension i toaletten på kameran och spelar in ett telefonsamtal med sin pappa på tröskeln till ett fängelsestraff för en DUI. Hoon lurar kameran när han kör genom Amish-landet nära sin hemstad Lafayette på gränsen till en flytt till Los Angeles, simmar i en pool med sina nya berömda bandkamrater och tar det första telefonsamtalet i förlossningsrummet med Lisa och hans dotter. Det är också de små uttråkade stunderna däremellan som lär våra sinnen om vem Noon var och vad hans kamera betydde för honom.
Allt jag kan säga stavar det direkt. En reporter frågar Hoon om religiösa referenser i texter till låtar som "Holyman", och han svarar talande:han tror inte på religion, men han beskriver sin upplevelse av Gud som att "sitta ensam och prata med någon", ritualen han har hållit med sin kamera. Hoon ses och är mest känd av kameran han aldrig är utan. Den nattvarden var något han ville dela med världen. Det är mot slutet när han säger det rakt ut. "Jag vill komma in på film", erkänner han. Blind Melon är för stor, livet är för hektiskt, säger han. Och det är svårt nog att bryta jämnt på vägen efter att ha provat rehab för droger och alkohol. Hoon spelade in sig själv i en hotellsäng och berättade för Lisa i telefon om hur mycket han behöver gå av turnébussen och vara där när deras dotter säger sina första ord. Det är den sista bildrutan i Hoons arkiv, som togs timmar innan han hittas svarslös på bussen samma dag som han dör.
Den respektfulla kanaliseringen som gjordes av teamet av filmskapare - särskilt Goulds klippning - var inget mindre än ett andligt åtagande. Resultatet av deras vård är en spöklik film som känns trogen Hoons vision uttryckt i hans bilder och ord. Efter att ha blivit så omsluten av Hoons värld är det möjligt att föreställa sig att musikern är upprymd över den form som hans verk har fått. Om bara slutet kunde ändras.
Hitta återstående offentliga visningar här.
Ett barn från Coney Island
För varje blivande offentlig person som är begåvad på och intresserad av att berätta sin egen historia, kan en annan inte syntetisera sin erfarenhet och tilltala andra. Hela karriärer kan bero på dessa krafter. Media använder notoriskt missförstådda NBA-spelare som huvudlinjer för skvaller och drama. När Zatella Beaty djupt påverkar Iverson kom ut 2014 absorberade publiken äntligen hela historien bakom 11-faldiga NBA All Stars respektlösa exteriör. Filmer som hennes överskrider år av soundbites som hörts av fansen.
Det finns ett ögonblick i A Kid From Coney Island när Stephen A. Smith förklarar det perfekt. Anledningen till att Stephon Marbury var så avskydd av Knicks-fans, säger han, är att han aldrig bildade en stark relation med någon – en journalist, en tränare – som kunde sprida budskapet om vem han är och var han kom ifrån. Filmskaparna Coodie Simmons och Chike Ozah (Kanye Wests "Through The Wire"-video) har gjort detta för Marbury med rörande djup i A Kid From Coney Island. Den brådska som Marburys vänner och familj känner att förmedla hans förvandling är obestridlig i den här dokumentären, tack vare intervjuer filmade i väldigt varierande vinklar i livfulla uppsättningar skräddarsydda för varje ämne. Till och med claymation används för att artikulera scener från Marburys pressade uppgång till Minnesota Timberwolves vid 20 års ålder.
Rapparen och nära kamraten Fat Joe, Marburys mamma och syskon, och kollegor från hovet möjliggör en slående känslomässig omfång. Filmen går i hastigheten av NYC streetball och berättar historien om "Starburys" välmenande-men misslyckade basketskor för 15 dollar (LeBron förstörde allt med sin negativa recension), hans standardutgåva personlighetskrock med den ökänt svåra Knicks-tränaren Larry Brown, och hans önskan från tidig barndom att köpa sin familj ur fattigdom med ett NBA-kontrakt. Vi ser dagens Marbury i köttet när han reser till Kina i exil och blir en ny person efter sin fars död nästan drev honom bort från basketbollen helt.
Scener filmade i en Coney Island frisersalong efter att Stephon gått i pension visar New York-infödingen uttrycka sina mål på ett sätt som han aldrig kunde förut. Han säger till en liten pojke som har planer på att gå med i NBA att han kan göra det, eller så kan han bli president om han vill. "Du vet att min dokumentär kommer att handla om dig", säger Marbury till honom.
Hitta återstående offentliga visningar här.
The Queen Collective Shorts
För att döpa drottning Latifahs försök att fostra filmskapare och påskynda jämställdhet mellan kön och ras bakom kameran, visades två korta dokumentärer på Tribeca innan de debuterade på Hulu i helgen. "Ballet After Dark" tillkännager regissören B. Monets distinkta röst med en profil av Tyde-Courtney Edwards. Hon grundade det så kallade dansterapiprogrammet för traumaöverlevande. När Edwards berättar sin egen historia tycks dansare tolka attacken och efterdyningarna i form av performancekonst. Formen gränsar till experimentell och använder konstfulla element för att skydda en grundad berättelse. Detta är en svår balansgång. Monet bevisar att det kan göras med elegans. Ensemblebalettsekvenser filmade i en stor övergiven byggnad ekar avbrotten i Heidi Ewing och Rachel Gradys dokumentär från 2012 Detropia, när en ung operasångare visades testa ruinens akustik under korta mellanspel. Den inspirerade koreografin fungerar som en utrensning för både motivet och betraktaren som möter fördelarna med dansterapi på ett visceralt, aktivt sätt.
B. Monet talade på scenen om hur processbaserat mentorskap genom The Queen Collective via Procter &Gamble har förändrat hennes liv. Hon dök upp på premiären tillsammans med Haley Elizabeth Anderson, som regisserade kortfilmen "If There Is Light." Den filmen ser en mamma navigera i hemlöshetens helvete i New York medan hon är sjuk genom ögonen på sin 14-åriga dotter, Janiyah, som ärligt berättar filmen. Båda kortfilmerna från The Queen Collective vittnar om orubblig uthållighet, något som filmskaparna sa att de lärde sig när de nätverkade med tomma bankkonton och fortsatte att arbeta trots att de kände sig osedda. Latifah berättade för regissören Dee Rees i en introduktion på fredagen hur kvinnor i besättningen på hennes projekt är hungriga efter mentorskap. Hon vill hjälpa till.