Årets nominerade för bästa regi tog med sig sitt A-spel och sedan några med de mest visuellt fängslande, engagerande filmerna i senare minne.
2017:s Oscarsnominerade för bästa regi kommer från väldigt olika bakgrunder och de berättar historier på helt olika sätt. Experter inom sitt område, dessa konstnärer har verkligen visat vad det innebär att ha en vision. Var och en av årets nominerade filmer övervann många olika utmaningar på vägen till biljettkassan. Låt oss ta en titt på deras skapare.
Denis Villeneuve — Ankomst
Bilder via Paramount Pictures.
Vissa skulle säga att den är född i Quebec Denis Villeneuve har länge väntat på en bästa regissör utnämning. Förra årets Sicario fick världsomspännande hyllning — liksom dess föregångare, Fångar . Villeneuves arbetsmoral är minst sagt beundransvärd. Men hans senaste framgångar sträcker sig bara över en liten del av hans karriär.
Kosmos , Villeneuves första dopp i spelterritorium, är en antologifilm med fem andra regissörer, helt inspelade i svartvitt, som fick en plats på filmfestivalen i Cannes i kategorin Directors Fortnight. Den är tillgänglig i sin helhet på YouTube här (kolla in den när du kan).
Hans första fullängdsfilm, 32 augusti på jorden , hade premiär i Cannes 1998 och kom så småningom till Storbritannien, Frankrike och Tyskland. Villeneuves regikarriär tog fart efter framgången med hans andra långfilm, Maelstrom , år 2000. Villeneuve fångade allas uppmärksamhet när hans film Incendies fick en nominering för Årets bästa utländska film , och han blev snabbt en regissör att titta på.
Fram till helt nyligen har Villeneuve varit tvungen att arbeta med relativt små budgetar, även vid stora filmprojekt. Ändå kommer varje film till slut som ett epos. Han har talat i intervjuer om att hantera en liten budget och vikten av förberedelser (med en av hans vanliga DP:s Roger Deakins), samt att veta allt du vill få ut av varje skott innan du börjar produktionen. Denna precision och hårda redigeringsinställning har producerat några verkligt fantastiska filmer.
Villeneuve pratade nyligen med DP/30 om hans Oscarsnominerade film Arrival och magin i att arbeta med filmfotograf Bradford Young. De två är en perfekt match, och de skapade mystiska, hoppfulla, och engagerande miljöer som bryter ny mark för Villeneuve både kommersiellt och kritiskt.
Villeneuve har nyligen skrivit på för att regissera den senaste anpassningen av Dune . Med tanke på hans senaste intåg isci-fi , detta är verkligen inte en överraskning. För nu måste vi helt enkelt vara nöjda med att titta på Blade Runner 2049 trailer för tjugonde gången. Villeneuves filmer är spända, tunga och mästerligt utformade, och de har framgångsrikt etablerat honom som nästa stora auteur.
Mel Gibson — Hacksaw Ridge
Bilder via Lionsgate.
Så långt som Hollywoods superstjärnor Go, Gibson toppade listan under majoriteten av det tidiga 80- och 90-talet i klassiska franchiser som Mad Max och Dödligt vapen . Gibson har sagt att arbetet med regissörer som George Miller och Peter Weir var stora influenser på vilken typ av regissör han så småningom skulle bli.
Hans första slagträ, Mannen utan ansikte , visade sin förmåga att regissera och agera samtidigt. Hans nästa projekt, Braveheart , lanserade honom i biljettstratosfären och gav honom Oscar ära. Det var nästan ett decennium efter Braveheart före Gibsons kontroversiella återkomst med 2004 års Kristi passion . På frågan om att ta tyglarna och ta ansvar för dussintals – om inte hundratals — av personer på inspelningsplatsen hade Gibson följande att säga:
I en nyligen timslång intervju med DP/30 , Gibson diskuterade kampen för sin senaste insats, Hacksaw Ridge, en episk krigsfilm som hade en budget på 30 miljoner dollar och ett begränsat produktionsfönster. De var tvungna att skjuta alla tre stridssekvenserna på nitton dagar, så Gibson köpte personligen ett par Blackmagic Pocket biokameror.
Gibson omfamnar det okända och accepterar utmaningarna med begränsade resurser . Han visar att ens Hollywood-status på A-listan inte alltid kan garantera bra finansiering. Gibson påstår sig ha flera projekt på gång, men bara tiden kommer att utvisa om dessa kommer igång när som helst snart.
Barry Jenkins — Moonlight
Bilder via A24.
Börjar på filmskola vid Florida State University arbetade Jenkins med kortfilmer och reklamfilmer. Hans debutfilm 2008, Medicine for Melancholy, hade bara en besättning på fem personer, en femton dagar lång fotografering och en budget på $15 000. Jenkins reflekterar med glädje över det projektet, eftersom de (relativt) låga insatserna gav honom lyxen av en produktion med liten press .
Efter uppmärksamheten medicin mot melankoli fick, Jenkins blev kunnare för filmvisningar på Telluride Film Festival. Jenkins hade deltagit i festivalen i flera år genom ett studentprogram som gjorde det möjligt för unga filmskapare att delta i frågor och svar med några av branschens största regissörer . Jenkins berömmer denna möjlighet att lära av länge beundrade regissörer som David Cronenberg och Lynne Ramsay.
Samtidigt som vi introducerade 12 Years a Slave 2013 träffade Jenkins distributions- och produktionsföretaget Plan B, som senare skulle fortsätta att backa Moonlight . Jenkins är ett typiskt exempel på att förbättra sitt hantverk genom att ta vara på alla tillgängliga möjligheter och etablera goda relationer i filmgemenskapen.
Nyligen satte Jenkins sig ner för Apples Meet the Filmmaker serie för en konversation om skapandet av Moonlight , arbetar i branschen och vart framtiden kommer att leda. På frågan om dynamiken mellan honom själv, hans DP och skådespelarna berömde Jenkins öppenheten och improvisation han upplevde på inspelningsplatsen:
Ovanpå de många utmärkelser och beröm som Moonlight har fått under de senaste månaderna är en av filmens framstående egenskaper dess utseende och känsla. Jenkins bestämde sig för att filma med ARRI ALEXA XT Plus med sin DP James Laxton:
Jenkins hade alternativ att spela in filmen i New Orleans eller Atlanta, där han kunde förvänta sig gynnsamma skattelättnader, men Miami var alltid det enda alternativet för honom. En filmskapare som inser vikten av tid och plats i denna grad kommer alltid att fatta kloka beslut när det gäller att välja projekt. Hans arbete talar för sig självt, och jag kan personligen inte vänta med att se vilken film han väljer att arbeta med härnäst.
Damien Chazelle — La La Land
Bilder via Lionsgate.
Damien Chazelle finns överallt. När jag skriver detta har han precis vunnit Direktörsguild of America-priset och är den nuvarande föregångaren för den kommande Oscarsgalan. Chazelle har varit i producenternas sikte sedan hans breakout-film om två jazzmusiker, Guy och Madeleine på en parkbänk , premiär på Tribeca Film Festival 2009. Chazelle filmade större delen av projektet medan han var på Harvard University med en lånad 16 mm filmkamera på ett av-och-på skjutschema under ett par år. Chazelle fastnade för dessa musikaliska teman för hans nästa passionsprojekt, Whiplash .
Med början som en kortfilm (främst inspelad för att imponera på investerare), skulle filmen ha premiär på Sundance, där den vann Grand Jury Dramatic Competition Award. Det fortsatte med att vinna tre Oscars för bästa manliga biroll, bästa redigering och bästa ljudmixning – samt tjäna en nominering för bästa bild . Chazelle satte sig med DP/30 efter Whiplash hade premiär på Toronto International Film Festival, och han diskuterade finansiering, att skriva utifrån dina erfarenheter och att övervinna rädsla.
Efter den vilda framgången med Whiplash , Chazelles "passionsprojekt" La La Land började produceras under sensommaren 2015. Filmen är unik i dagens filmiska värld, med tanke på de nostalgiska men ändå originella aspekterna som skiljer den från andra musikaler. Tillsammans med DP Linus Sandgren bestämde sig Chazelle för att filma med en Panavision Panaflex Millennium XL2 med ett bildförhållande på 2,55:1 – precis som 1954:s A Star Is Born .
Filmen är en underbar kombination av komedi och drama som upprätthåller en känsla av inspiration, vilket är precis vad Chazelle ville ha. Medan Chazelle diskuterade nödvändigheten av att bibehålla en konsekvent ton genom musikalen, noterade Chazelle följande:
Musikteman är inte de enda motiven i Chazelles verk, och hans utbud har bara breddats med La La Land . Även om ingenting har tillkännagivits kommer hans nästa projekt säkerligen ha kritiker och publik uppställda för att se vad han kommer att åstadkomma härnäst.
Kenneth Lonergan – Manchester by the Sea
Bilder via Amazon Studios.
Rösten bakom många av dina favoritfilmer har etablerat sig som en av nästa stora regissörer med Manchester by the Sea . Börjar med manus till filmer som Gangs of New York , Analysera detta , och Du kan lita på mig (som han också regisserade), utvecklade Lonergan sin unika röst men hade ännu inte framstått som regissör. Lonergan, främst betraktad som manusförfattare och dramatiker, menar att manus är avsedda att filmas, vilket betyder att de, som fristående verk, är genuint ointressanta. Du kan lita på mig, som fick Lonergan en Oscarnominering för bästa manus , gav honom möjligheten att finslipa sina färdigheter bakom kameran innan hans andra inslag Margaret 2011.
I Lonergans täta manus är dialog allt, och han har flera gånger sagt i pressen hur viktigt det är att ge varje karaktär (oavsett hur liten) sin egen röst. Det var knepigt att få liv i dessa föreställningar:
Gör sina rundor för att marknadsföra Manchester by the Sea , stannade Lonergan till The Film Society of Lincoln Center för att diskuterasmärtor, processer och procedurer att regissera sitt senaste mästerverk.
Lonergan är inte din typiska regissör. Han är lågmäld, osäker på framtiden och brutalt ärlig. Hans filmer är tuffa, intima karaktärsstudier som ger en känslomässig kraft och kommer att fortsätta att få resonans hos publiken i många år framöver. Även om Lonergans verk fortfarande är relativt ny inom regi, verkar det som att han har gjort detta hela sitt liv.