Eric Alexandrakis håller på att bli känd inom film- och tv-världen som en mästare på ljud för sin unika inställning till filmpoäng. Med en nyfunnen 2019 GRAMMY®-nominering för Best Spoken Word Album (I.V. Catatonia:20 Years as a Two-Time Cancer Survivor), får hans innovativa inställning till musik massor av uppmärksamhet.
Alexandrakis är ingen nykomling. Hans film "Psychogenic Fugue" med John Malkovich i huvudrollen, regisserad av Sandro Miller kom med på Cannes Lions Shortlist 2017. Psychogenic Fugue (2017) öppnade också Festival Internacional de Cine de Cartagena i november och tar världen med storm. Det finns en obestridlig visuell dragning till Malkovichs olika iterationer av Lynchs karaktärer.
Imitation, återskapande eller kommentarer?
Det är fascinerande att se Malkovich sömlöst kliva in i så många personligheter mot Eric Alexandrakis poäng, som skiljer upp och ner i varje scen. Tillsammans väcker filmen frågan:är imitation verkligen den högsta formen av smicker?
I en tidig vinjett dyker Malkovich vajande upp på scenen i vit klänning och ansiktsprotes. Ljudbilden framkallar minnen av en karneval och blir sedan mörk när en piporgels vibrato förstärks - låter ungefär som en begravningsgudstjänst. Malkovich börjar läppsynka "i himlen, allt är bra ” (Alan Spiet, 1977). Det är en oroande rekreation av Lady in the Radiator, men det är tänkt att vara det. Det här är ingen feel-good-film, men den är briljant ändå.
Liksom originalet är scenen inspelad i svartvitt. De definierande egenskaperna är nästan identiska, ner till det blommiga skärpet som sitter på vänster sida av Malkovichs klänning. Faktum är att den enda anmärkningsvärda förändringen är sångarens röst. I den gamla versionen hade hon ett litet södra drag, men att hålla i takt med tidsandan är det borta nu. Hon låter lite som Halsey.
The Lady in the Radiator sjunger om himlen, men tittare som inte känner till Lynchs verk kan inte låta bli att undra om hon verkligen är i helvetet. Är det kylardamm som stelnat i hennes ansikte? Kanske är himlen bara ett sinnestillstånd där ingenting stör dig? Men om saker som borde störa dig inte gör det – är det inte ett slags helvete?
Transcendens och postsurrealism
John Malkovich är både orolig och beräknad i sitt geni. Filmen har transcendenta kvaliteter, som når långt utanför performancekonstens område och långt in i metafysiken. I likhet med mycket av David Lynchs personliga fokus på transcendental meditation, tvingas tittaren att ifrågasätta verkligheten som skildras på skärmen mot bakgrund av hans eller hennes eget liv. Eric Alexandrakis gör det här med ljud.
Även om vissa kanske beskriver Lynchs filmer som surrealistiska, använder de också en hälsosam dos av postsurrealism. Förmodligen finns det en bred representation av vad de flesta film- och konstkritiker kallar det omedvetna (Voorhies, 2004). Både Lynch och Alexandrakis skapar förundran och utforskar analogi och gör på så sätt betraktaren medveten om sin egen dekonstruktion av tittarprocessen. Förundran är ett avgörande kännetecken för postsurrealism, enligt Helen Lundeberg och Lorser Feitelson (Kinkel, 2019).
David Lynch använder utan tvekan dessa enheter som först diskuterades utförligt av Helen Lundeberg. Närmare bestämt hämtar både Lynch och Alexandrakis från det som i konstlitteraturen ofta kallas New Classicism (Fort, 2017). Lynchs estetik riktar utan tvekan fokus mot tittarnas upplevelse av analogi såväl som sekvensen i vilken bilder presenteras. Ännu viktigare är att Lynchs filmer tvingar tittaren att konfrontera det konceptuella och perceptuella, samtidigt. På något sätt lyckas Alexandrakis göra det här med ljud.
På lämpligt sätt skapades Psychogenic Fugue (2017) för att stödja David Lynch Foundation. Det får tittaren att undra genom subtila och direkta filmiska nyanser. Bakom detta nya verk, vid dess underdel, ligger användningen av film som ett verktyg för transcendens:film som imiterar film. Faktum är att Psychogenic Fugue (2017) började på många sätt som en återutforskning (eller återuppfinning) av Platons Allegory of the Cave.
Det är ingen överraskning att Eric Alexandrakis skulle vara knuten till detta banbrytande projekt. 2018 blev Alexandrakis som skrev tillsammans med Pennan Brae en guldpristagare vid Queen Palm International Film Festival. 2019 nominerade han en nominering för bästa låt på Solaris filmfestival. Ändå, när det kommer till framgången med Psychogenic Fugue (2017), verkar Alexandrakis framåtskridande momentum vara en kombination av enorm beredskap, noggrann planering, djup talang och en förmåga att verkligen ta in sin omgivning på en nivå som många människor gör. inte.
Gör mannen bakom filmen
Mycket av Erics liv läser som en logglinje till en populär film. Hans farfar dödades av nazister och hans far fortsatte med att grunda universitetet på Kreta. Eric har kämpat mot Hodgkins två gånger, så han vet hur det är att sätta allt på spel. Hans låtar är ibland reflekterande, abstrakta och berättande. Hans verk är som en hörbar tablå.
I.V. Catatonia:20 Years as a Two-Time Cancer Survivor , som Alexandrakis fick en GRAMMY®-nominering för 2019, är inte nödvändigtvis något upplyftande (även om han avser att det ska vara det). Ljudbilden är fylld av element som väcker viscerala, färgstarka och ofta obehagliga känslor. Ändå är ingenting med projektet oinspirerat eller banalt. I Psychogenic Fugue (2017) använder Alexandrakis ljudmediet för att förstärka de sanningar som ligger bortom filmens illusoriska element.
Eric vs Hodgkins
Alexandrakis nämner, när han påminner om sin första kamp mot cancer, att även om han inte hade smärta, hade han inte heller någon sjukförsäkring. Albumet tar alltså också upp samhällsrelevanta frågor.
Erics behandling präglades av kärlek och omsorg från familj och vänner. Men han noterar, "min bästa följeslagare var musik...särskilt den 4-spårs inspelare jag spelade in musiken på. Jag frågade aldrig "varför jag", och jag gör fortfarande inte...varför någon?"
Det är mycket som hör ihop med att vara sjuk. Utöver kostnaden för behandlingar ligger ett medfött behov av att hitta mening och syfte i till synes slumpmässiga svårigheter. Medan många filmer ger tittarna en lösning på sin olycka (vanligtvis sann kärlek), gör David Lynchs filmer inte alltid det. Faktum är att postsurrealistiska filmer (som gör comeback), leker med den något nihilistiska föreställningen att det kanske inte är någon mening med någonting. Tittarna måste konstruera betydelser för dessa filmer, precis som de måste konstruera syften med sina egna liv.
En del av Erics ljud till hans senaste album extraherades från en "mikrokassettinspelare i min skjortficka", som han uttrycker det. Det fanns ingen speciell process för att tvätta ljudet. Eric har dock en favoritmikrofon:"Tja, den bästa mikrofonen är förstås en [Neumann] u87, men tro det eller ej, jag använder mest [Shure] SM57, SM58. Jag blir i allmänhet ombedd att göra saker för mitt ljud, snarare än något annat, så jag kan använda vad jag vill, vilket är en trevlig lyx, och behöver inte spendera mycket på mycket utrustning. Jag är väldigt minimalistisk."
Tidiga Eric
Eric Alexandrakis gick på University of Miami där han var dubbelmajor i PR och engelsk litteratur. Han tog också en magisterexamen i Music Business. Men hur översätts det till en karriär bakom ljudet av duken?
"I sjätte klass var jag huvudrollen i pjäsen och spelade alla instrument i bandet och var med i refrängen", förklarar Alexandrakis. Han började också spela klassiskt piano vid sex års ålder.
"Mitt tidigaste minne är i min spjälsäng när jag hörde Wendy Carlos spela Bach", minns Alexandrakis.
Musik och bildspråk bildade en medfödd symbiotisk relation inom Alexandrakis från nästan början. "Jag är väldigt kreativ och intresserad av i stort sett allt. Jag letar alltid efter svar och jag är alltid öppen för frågor, säger Alexandrakis.
Ljusa idéer
"Psychogenic Fugue gick igenom flera iterationer innan den slutliga produkten. Jag kontaktade David Lynch Foundation med ett koncept [som inkluderade Sandro, John och jag] för deras 10-årsjubileum. Det började med att John klädd som David Lynch framförde en av Davids låtar live, sedan som en musikvideo och sedan som ett drömscenario där John spelade Davids karaktärer. När vi fick grönt ljus gjorde Sandro och jag en kraschuppdatering på alla Davids filmer inom en vecka.” Alexandrakis noterar.
"Jag gjorde partituret, men vi hade också några stycken från Angelo Badalamenti, The Flaming Lips och några andra också," nämner Alexandrakis. Badalamenti är välkänt för att ha komponerat Twin Peaks (1990) soundtrack. "Jag bara älskar hur Sandro regisserade den, och naturligtvis Johns otroliga framträdanden."
"Psychogenic Fugue spelades in i Chicago... Jag gjorde musiken som jag trodde att en modern Lynch-film skulle se ut, men med min egen twist. Den första dagen av inspelningen väntade jag på ett bagageutlämning och det gjorde ett knaprigt rostigt ljud, som jag spelade in på min telefon och använde i sluttexten, säger Alexandrakis.
Vem är David Lynch?
David Lynch är en trefaldig Oscar-nominerad. Han är mest känd för att ha gjort surrealistiska filmer som Blue Velvet (1986), Eraserhead (1977), Mulholland Drive (2001) och det tidiga 90-talets Twin Peaks serier. Ännu viktigare är att Lynch är mycket hyllad för att ha fyllt sina filmer med karaktärer som ibland verkar nästan som karikatyrer.
Lynch utforskar ofta teman som våld mot bakgrund av det vardagliga. Ändå är hans verk mer än en studie av kontraster. I många fall försöker Lynch utan tvekan omdefiniera vad vi ser som skönhet, vilket i sin tur innebär att han samtidigt omformar samhället genom sitt arbete. Alexandrakis gör detsamma.
Lynch, Malkovich, Sandro och Alexandrakis verkar alla dela en singulär gemensamhet - de är essentialister som gör konst för konstens skull. Som David Lynch säger i dokumentärfilmen The Art of Life (2017), "Jag tror att när du gör något kan det förflutna frammana dessa idéer, som det förflutna färgar dem."
Alexandrakis har skapat den musikaliska motsvarigheten till Lynchs reflektioner av vidsträckta drömlandskap med surrealistiska bloss. Hans verk är både en återskapande av världen som den är och världen som vi skulle föredra att den skulle vara. Alexandrakis oändliga nyfikenhet översätts till poäng som är livfulla, men ändå mystiska och skrämmande. Han verkar ofta lämna publiken med obesvarade frågor och utmana dem att hitta sin egen lösning.
Betyg för film och TV
Alexandrakis har ett unikt sätt att göra poäng för film och tv. Mer än att bara hämta musikteori, hämtar han inspiration från allt:abstrakt konst, vardagens ljud, varje upplevelse och varje person han möter. Hans miljö är en oändlig källa till experiment och förundran.
Som den berömda kompositören David Glass noterar, "Ett nytt språk kräver en ny teknik. Om det du säger inte kräver ett nytt språk, så är det du säger förmodligen inte nytt." Alexandrakis erbjuder filmvärlden en typ av poängsättning som vi aldrig har hört förut.
Grutt och beslutsamhet
Generellt sett kan poängsättning för film och tv vara ganska krävande. Medan filmredigerare ofta har en förutbestämd tidslinje för skarvning och omarrangering av klipp, måste musiker som spelar in filmer ofta göra det på bara en månad eller två. Särskild hänsyn måste tas när man arbetar med en serie uppdrag.
När du gör musik för film finns det några saker att tänka på. För det första, som musiker, är du inte längre den ledande damen. Det är ditt jobb att accentuera filmens tempo och känslomässiga toppar och dalar. Din musik finns till för att hjälpa människor att känna vad filmens bilder än är tänkta att frammana. Vissa av dina huvudkaraktärer kan ha en melodi eller låt som är specifik för dem. Kanske kommer du att spela det (med lite variation), varje gång de visas på skärmen. Generellt sett betyder det att du behöver tillgång till – och förmågan att spela – mer än bara ett eller två instrument.
Grundläggande filmpoäng
Du måste bygga centrala melodier för filmen och sedan använda olika varianter av dem genom hela filmen. Dessutom måste du kartlägga filmen och göra rikliga anteckningar om områden som kräver stor vikt. Du kommer att samarbeta med regissören (och ibland producenter) för att se till att din slutprodukt matchar deras vision om hur filmen ska se ut och låta. När en rörelse inte passar vad som visas på skärmen måste den läggas på hyllan (eller kanske till och med kasseras).
En av de viktigaste sakerna att komma ihåg när du gör poäng för film och TV är att tidsstämpla dina anteckningar. När börjar och slutar en viktig scen? När börjar klimaxen? Finns det jump-scares eller fejk-outs som skapar spänning? Du måste skriva stycken inom de mycket exakta tidsgränserna för dessa händelser.
En annan bra teknik innebär att markera filmens handlingspunkter och skapa ett musikaliskt ackompanjemang som rör sig i en samtidig båge. Du måste ha saker som tempo och tonarter i förgrunden. Om du inte är en musikälskare måste du hitta någon som är det – såväl som ett stort bibliotek med royaltyfri musik att hämta från. Ett ord till de kloka:Ge alltid cred till kreatörer och kontrollera uppladdningskällan. Med andra ord, se till att du inte bryter mot några upphovsrättslagar.
Sluta överväganden
Eric Alexandrakis har några ord för unga filmare och musikstudenter. "Sträva efter att vara extraordinär", säger han. "Alla tror att de är det, men är de verkligen...Smält också allt i varje konstform, lär dig verksamheten så att du kan skriva på dina egna avtal, få allt skriftligt, utöva ditt hantverk varje dag, slå dig inte till ro med en familj förrän du är etablerad för du kan inte ha två makar, inte lita helt på vem som helst tills de förtjänar det förtroendet, blir vän med advokater och har ett fokus och en inkrementell plan.”
Avslutningsvis, för Alexandrakis, är musik för film och TV mer än att bara lägga till lite känslomässig färg till ett ögonblick eller två. "Musik är inte bara en pensel, utan det kan vara en karaktär. Som när du hör John Williams i Star Wars...de är teman, men de är också en personlighet/närvaro du känner i handlingen”, konstaterar Alexandrakis.
Oavsett om du är en videoskapare med en känsla för musikalen eller inte, sker livet mot något slags soundtrack - ljudet av en älskares fotspår när han går iväg för sista gången, ett spädbarns första gråt, till och med ljudet av en basebollträ av trä slår en boll när din pojke gör sitt första homerun. När vi lever våra liv upplevs ljud samtidigt med bilder, och film både utforskar och imiterar denna märkliga aspekt av det dagliga livet.
Fredrick Nietzsche hade rätt när han berömt noterade att "utan musik skulle livet vara ett misstag." Film och musik är för alltid sammanlänkade. Så, när du skapar ditt mästerverk, glöm inte poängen.