Finn O’Hara är en etablerad fotograf som, trots den självtvivel och tvekan som ofta dröjer sig kvar i ett kreativt sinne, tog ett stort steg in i filmregi. Det var faktiskt hans fotografiska arbete som först fick honom att berätta historier i bredare dimensioner. O'Haras verk är, vare sig det är stillastående eller live-action, mycket filmiskt och narrativt fokuserat, konsekvent ledd av konstnärlig intuition och ett "kreativt sinnesöga."
O'Haras fotografi har visats i nationella och globala publikationer inklusive Esquire och Vogue India , och han har också regisserat annonser och kortfilmer för stora spelare som Budweiser och Sport Chek. Vi hade möjligheten att prata med O'Hara om att hitta sitt "kreativa självförtroende", kraften i öppen kommunikation och att vara flytande genom hela den kreativa processen.
Shutterstock:Det är 2014 och du har etablerat dig som en favorit för stora globala varumärken och framstående butiker som Esquire och The New York Times – vad har varit avgörande för din framgång?
Finn O’Hara: Livserfarenhet. Jag kom till fotografi senare i mitt liv, i mitt sena 20-tal, och det var en del av en allmän omstrukturering av mitt liv genom att jag helt enkelt inte ville leva livet med ånger. Jag beundrade mycket och var förälskad i fotografi. Jag ville sluta fantisera om att vara fotograf och bara sätta saker i spel. Jag ville börja fotografera, så jag började bara fråga.
Det jag kunde tillföra mina fotografier var en mer allmän förståelse för hur saker och ting fungerade. Jag har rest en del, jag har flyttat runt och jag kunde ge en mer mogen bakgrund till mitt objektiv. Det hjälpte. Jag var tvungen att genast börja marknadsföra mig själv och ta reda på det från början.
Vad är viktigt att tänka på när du representerar ett varumärke som annonsör?
Du måste ta dig ur det. Jag tror att när man arbetar med ett varumärke så jobbar man verkligen med en kändis; det är liknande i den meningen att du arbetar med en hanterad identitet. Du behöver bara vara väldigt medveten om det hela vägen. Det handlar inte om dig – det handlar faktiskt om dem. Så det du tillför det varumärket eller den personen är verkligen en känsla för stil och en känsla av den förståelsen för hur de vill framställas och hur du vill framställa dem, och att hålla en väldigt öppen dialog om det. Att förstå vad deras plan är och att förstå hur du kan tjäna det är den största nyckeln.
Hur bestämmer du, konstnärligt, vilket budskap du ska förmedla och hur du ska förmedla det?
När det kommer till varumärken har de en väldigt specifik uppfattning om vad de vill ha. Jag får inte för många märken som säger "Vi vet inte, kan du hjälpa oss?" Jag är väldigt lyckligt lottad att jag får arbeta med några stora varumärken som har en väldigt tydlig uppfattning om hur de gillar att bli porträtterade. Så egentligen handlar det om att ta alla delarna och ge det en mycket specifik lins. Inom fotografering skär du bort så mycket och du fokuserar verkligen på.
Det är mycket förtroende inblandat. Ibland behöver du vara väldigt uttrycksfull i hur du ska behandla det, vilket görs genom processer, dokumentation och förproduktionsmöten. Det hjälper i allmänhet att peka ut de konstnärliga punkterna. Du vill inte att de ska bli förvirrade om hur det kommer att se ut, så att förklara det i detalj, oavsett om det är genom ord eller bilder, efter bästa förmåga, är det bästa sättet att undvika det.
Många människor kan lära sig fotograferingstekniker och knep, men är det intuition och insikt i visuella signaler som gör en fantastisk fotograf?
För mig skulle jag säga, ja. Vid djup eftertanke tror jag att det är en insikt om att jag har varit en observatör hela mitt liv och fotografi har gjort det möjligt för mig att agera efter det - att vara en ivrig observatör och en mycket detaljerad sådan. Genom träning och fotografering, och genom att gå till mörka hörn och komma ut med bilder, bli betrodd med uppdrag, har jag utvecklat kreativt självförtroende. Det är ett väldigt kommersiellt sätt att prata om kreativitet, men det är i grunden vad det är – en kombination av kreativt självförtroende och problemlösning.
När du gjorde övergången till att regissera reklamfilmer och kortfilmer, sa du att din fotografering hjälpte dig att ta steget. Hur förberedde du dig för rollen som fotograf?
Att regissera är som 3D-schack; det är det enda sättet jag kan beskriva det på. Det involverar många fler nivåer av visuellt språk. Det är roligt, för jag kom på mig själv att skapa fotografier som hade en berättelse till dem, och jag ville att berättelsen skulle vara en som betraktaren eller betraktaren var tvungen att utforska lite. Jag kom på mig själv med att utveckla dessa berättelser och sedan tändes en liten glödlampa. Jag tänkte:"Du vet, det här är vad film är. Det här är vad live action är.”
Det var samma sak med regi. Jag gick inte i skolan för det, men med bra mentorskap och lite uppmuntran var det plötsligt något jag började träna. Den bästa analogin är att det var som att vara ur form och tänka:"Det finns inget sätt jag kan göra det." Och det tar tid att utforska, men med tiden, och med koncentration och goda arbetsvanor, utvecklas det.
Du har också beskrivit dina film- och fotograferingsmetoder som "en rå och ständigt förbättrande process." Kan du utveckla vad du menar?
"Raw" i den meningen att jag aldrig är helt engagerad i något sätt att ta en bild; ’rå’ i den meningen att mina koncept är helt manipulativa eller transformerande. När jag får ett uppdrag har jag en ganska bra uppfattning om vad jag skulle vilja göra, men ibland när jag kommer dit förvandlas mina idéer. Idén kanske inte fungerar i den specifika miljön.
Jag ser många sätt att lösa ett kreativt problem och många sätt att leverera bilder och live-action-arbete, men jag gillar att vara öppen, och jag tror inte att det finns en tidsram för när jag måste bestämma mig för en kreativ riktning. Jag kom till insikten att det är okej att vara öppen för så många idéer och tekniker som möjligt.
Vad är viktigt att tänka på för någon som vill övergå från att vara fotograf till att bli regissör?
Jag tror att en av de största problemen jag hade var att jag inte förstod jobbet fullt ut. Jag tyckte att idén med regissören var väldigt fin, men jag hade ingen aning om vad jobbet egentligen var. Och ingen var särskilt tydlig med idén förrän jag träffade (exekutiv producent) Geoff Cornish på Suneeva. Det var ett mycket långsammare samtal med syn som tittade mot horisonten, snarare än vad som hände mitt framför ditt ansikte eller tio minuter i förväg.
Att förstå jobbet, för mig, var mest avgörande vid den tidpunkten. Förstå vad den dagliga delen av jobbet var. Den största delen är att verkligen förstå hur man gör något övertygande. Att förstå "30-sekundersannonsen" och destillera den för vad den är hjälpte mig mycket att förstå kortformigt berättande. För mig var det avgörande att bredda berättardimensionen som jag redan gjorde inom fotografi, men nu kunde ta längre. Det var den största utmaningen med att ta steget in i regi.
Utforska mer av Finn O'Haras arbete på hans webbplats på finnohara.com.