När du skapar en berättande film kommer du att filma en hel del dialogscener. Dialog är hur tittarna får insikt i dina karaktärer samtidigt som de flyttar handlingen framåt. Att misslyckas med att filma dessa scener på rätt sätt kommer att påverka din film och hur folk ser den negativt, så vi kommer att diskutera några av de viktiga saker du måste tänka på när du är på inspelningsplatsen för dessa specifika ögonblick.
Att filma dialogintensiva scener är inte olikt någon annan scen du skulle spela in på inspelningsplatsen. Att spela in dem handlar mer om hur du vill att en konversation ska förmedlas snarare än att bara få bilder i burken. Allt från hur du regisserar dina skådespelare till inramningen av skottet bör fungera mot detta mål. Det betyder att du behöver en klar vision i huvudet innan kamerorna rullar och det tekniska kunnandet för att få det gjort.
Tala genom åtgärder
När du spelar in scener utan dialog handlar det om att regissera skådespelare att de ska ta sig från punkt A till B. När du slänger in dialogen i mixen får du en hårdare kontroll över blockering (en gammal scenterm som hänvisar till var skådespelare är och vad de" om gör) är nödvändigt.
Det här är inte ett upptaget arbete för att göra scenen intressant under talperioder, de blockerande åtgärderna du ger skådespelare bör tjäna scenens övergripande syfte och vad du hoppas kunna förmedla. Om de utförda åtgärderna inte stämmer överens med deras dialog, finns det en frånkoppling för din publik. Istället för att engagera tittarna kommer de att knuffas bort och försöka lista ut vad som känns jobbigt.
Hur du filmar en dialogscen kan ha en dramatisk inverkan på scenens ton, hur karaktärer uppfattas och vad publiken känner.
Säg att du filmar en scen där en grupp människor möts i hemlighet för att konspirera mot någon. I en scen som denna, uppmuntra skådespelare att sitta nära varandra, stoppa in dem i ramen för att ge en känsla av att de är alla i detta tillsammans. De övervakas, de måste träffas i hemlighet och de är definitivt inte bekväma. Genom att sitta så nära kommer publiken att känna obehaget och intimiteten i mötet.
Att låta skådespelare kolla sig över axlarna och sitta böjd för att höra bättre är bra sätt att få dem att verka nervösa och ge scenen en känsla av brådska. Denna typ av blockering sätter tonen för en scen, vilket i sin tur förstärker dialogen inom den. Om du gjorde samma dialogscen med huvudkaraktärerna utspridda i ett stort rum och slappa på sina platser, skulle detta skapa en drastiskt annorlunda känsla från vårt tidigare exempel.
En ironisk klyfta mellan dialog och skådespelarnas blockering är inte alltid en dålig sak, och det finns tillfällen då det fungerar för historien du berättar. Det är dock ett beslut du måste ta i förväg och medvetet styra dina skådespelare att uppträda. Det borde inte vara en olycka att hanteras i efterproduktion.
Arbeta dina vinklar...
Vinklarna från vilka du väljer att fotografera din dialog kan ha lika stor inverkan på scenens ton som blockering. Om du filmar en scen som är tänkt att vara fartfylld med en känsla av brådska, kommer det inte att fungera att använda långa, breda bilder. Å andra sidan, om du vill ha en mer avslappnad ton på scenen, är en serie extrema närbilder inte rätt väg att gå.
Mer än att sätta tonen påverkar hur du ramar in skådespelare hur publiken uppfattar en karaktär. I konspirationsscenen kanske du klämmer in de flesta skådespelarna i snäva bilder, men har en bild av en person själv med gott om utrymme. Detta ger intrycket att han är en ensamvarg, bortsett från gruppen på något sätt. Att markera honom låter publiken veta att den här personen är viktig och bör övervakas.
Säg att det finns en karaktär i konspirationsgruppen som inte är särskilt smart. Att vinkla kameran nedåt på denna karaktär får publiken att känna att de ser ner på honom. Omvänt, att använda en uppåtgående vinkel på en karaktär får honom/henne att verka större än livet; en indikation på att denna person kan vara gruppens ledare.
Enkla kameraknep kan ge enorma resultat när det gäller hur publiken uppfattar dina dialogscener. Du kan göra något intimt, besvärligt, visa vem som är ansvarig och förebåda kommande evenemang, allt genom att kreativt arbeta med dina vinklar.
...Men kom ihåg reglerna
Att använda dynamiska bilder för att förbättra din dialog är bra, men de tekniska aspekterna av att filma kan inte ignoreras. Det finns vissa "regler" att tänka på när du spelar in konversationsscener, samma som du skulle följa när du spelar in resten av din film.
Även i en mer intim scen är det viktigt att göra någon form av master wide shot för att visa alla högtalare i scenen. Detta håller förvirringen nere och låter publiken veta var högtalarna är placerade när de hoppar mellan de hårdare skotten.
När du har försäkrat dig om att du har skapat en tydlig vision av scenen kan du börja arbeta med de vinklar du vill ha för att skapa scenens ton som passar dialogen. Att planera din fotografering på detta sätt kommer att säkerställa att din film är tekniskt bra, samtidigt som du får utrymme att experimentera. Andra regler att tänka på när du filmar dialog inkluderar:
- Skicka täckning! Du behöver flera vinklar och utskärningar för att förstärka din scen på rätt sätt i efterproduktionen.
- Se till att mikrofonerna håller sig utanför bilden. Låter självklart, men i spänningen av att lägga ner fantastiska bilder/vinklar kan detta glömmas.
- Inkludera ljudteknikern i dina planer för ett skott. De behöver känna till layouten så att de kan förbereda sin utrustning.
- Behåll 30-gradersregeln. Olika vinklar av samma motiv måste variera med minst 30 grader annars kommer du att sluta med ett fruktat hoppsnitt. På samma sätt, genom att följa 180-gradersregeln och hålla kameran på ena sidan av handlingen förhindrar dina motiv från att plötsligt byta plats
- Var konsekvent med dina linser för liknande bilder. Att använda en mängd olika kameralinser är lika användbart som att ändra vinklar, men om du inte är konsekvent med liknande bilder (dvs. att använda två olika objektiv för närbilder) är det störande för publiken.
Behåll fokus med skärpedjup och bilder över axeln
En vanlig bild för dialogscener är vinklar över axeln, vilket kan vara användbart för att visa interaktionerna mellan karaktärer. Den sorgliga verkligheten är dock att många unga filmskapare filmar alla dessa fel.
Personen som pratar är i fokus, så se till att din inramning över axeln återspeglar det. Två tredjedelar av bildrutan bör enbart ägnas åt högtalaren, med den återstående tredjedelen på karaktären vars baksida är till ramen. Halv och halv fungerar inte, eftersom det får tittarnas ögon att studsa mellan båda utan någon tydlig skillnad på vem som är i fokus. Dessutom vill du inte dölja högtalaren med någons rygg.
När du vänder kameran till andra sidan av uppställningen måste du hålla skådespelarna på samma sidor av ramen, enligt 180 graders regeln som nämns ovan. Om en skådespelare är till vänster i ett skott måste han vara på vänster sida i det andra skottet. Skillnaden är om du ser honom framifrån eller bakifrån. Detta förhindrar förvirring och brott i axeln. Se till att filma hela dialogutbytet mellan skådespelare från båda vinklarna, såväl som i ett bredare tvåskott. På så sätt får du mer kontroll över scenen under redigeringen.
Att ha skärpedjupet i åtanke kan också placera fokus för dialogen där du vill ha den. Kort skärpedjup i en bild över axeln håller fokus rakt på högtalaren. Å andra sidan finns det tillfällen då det är viktigare att betona en persons reaktion på dialog. För dessa ögonblick kan skärpedjupet vara praktiskt när du börjar med fokus på högtalaren och flyttar fokus till lyssnaren.
Håll meddelandet klart
Poängen med dialog i vilken film som helst är att ge tittarna insikt i karaktärer och flytta handlingen framåt. Om du kan göra det utan att en stor bomstång dinglar i ditt skott, är du på rätt väg. Tipsen vi har gett här är utformade för att hjälpa dig ta dessa scener till nästa nivå och engagera din publik, men följ dem inte på bekostnad av tydligheten i ditt budskap. Att ha dessa saker i åtanke kommer att resultera i en bättre scen och en överlag bättre film.
Sidofält
Använda Cutaways dynamiskt
Som är fallet med vilken scen som helst, är klippbilder från den primära handlingen nödvändiga. För dialog är vanliga klippbilder av skådespelare som reagerar på konversationen, men det är inte de enda alternativen som finns tillgängliga för dig, och de borde inte vara allt du använder.
Att klippa till en närbild av en rekvisita kommer att markera ett objekt som karaktärerna refererar till, eller så kan de användas för att visa publiken något som karaktärerna kanske inte vet. I en scen där en karaktär försäkrar en annan att de har slängt ett föremål, kan du klippa till en bild av föremålet i deras ficka och därigenom låta publiken ta del av hemligheten.
En annan bra användning för cutaways är att lätta på spänningen i en scen eller ge komisk lättnad. Att stirra intensivt på två personers ansikten när de pratar kommer att börja kännas besvärligt snabbt, och intensiteten kan nå en punkt där publiken känner sig obekväm. I dessa fall kan cutaways (även om de inte är något annat än bilder av olika saker inom scenen), bryta upp saker så att det är lättare för tittarna att smälta.
Tänk på saker som kan driva en poäng hem för dina cutaways i dialogscener. Begränsa dig inte till enbart reaktionsbilder. Använd istället andra bilder för att berätta din historia på ett mer dynamiskt sätt.
Jordan Maison är en filmskapare och klippare som har bedrivit sina talanger inom webbinnehåll för Disney Studios, såväl som film- och videospelwebbplatser.