Ny i klipprummet? Behöver du lite råd? Här är de nio viktiga klippen du bör känna till när du redigerar ett film- eller videoprojekt.
Det spelar ingen roll vilken NLE du använder, redigeringsklipp fungerar i alla program. De är verktyg för att berätta en historia, och den historien kan förändras drastiskt beroende på vilken typ av skärning du använder. När du väl förstår dessa nio viktiga klipp kan du göra mer med dina redigeringar än att bara skarva ihop scener. Låt oss ta en titt.
1. Standardsnitt
Det här är snittet som vi alla känner till och älskar. Det är förmodligen det mest använda klippet som finns, och du kan tänka på det som ”Shot-Reverse Shot”. Det är fortsättningen på det föregående klippet från en annan vinkel - eller ett sätt att sammanföra två olika bilder. Om du någon gång precis har placerat ett klipp bredvid ett annat klipp, har du använt ett standardklipp. Det här snittet är bra när du försöker hålla saker och ting enkla.
2. Jump Cut
Det finns två typer av hoppsnitt:en som ser bra ut och en som inte gör det. De som inte ser bra ut klipper under en skådespelares dialog eller är på något sätt skrämmande. Men de senaste åren har hoppsnittet förvandlats från ett dåligt snitt till ett enkelt sätt att banta ett långt tag. Det enda sättet den här typen av klipp fungerar är dock när du knyter ihop det med något annat, som ett soundtrack som spelas bakom klippen.
3. J-Cut
J-snittet är ett bra sätt att koppla ihop två klipp som annars inte skulle gå ihop. Du tar helt enkelt ljudet från svansklippet och låter det blöda in i det första klippet. Genom att förlänga ljudet till vänster kommer du att se en lös likhet med bokstaven J på din tidslinje. Detta hjälper till att fördjupa tittaren i nästa klipp innan det ens dyker upp.
4. L-Cut
Detta är motsatsen till J-cut. L-snittet förlänger ljudet från det första klippet till det bakre klippet. Det här klippet är viktigt i dialogtunga scener eftersom det bryter upp monotonin i ett skott-omvänt skott-samtal. Detta klipp låter dig också visa omedelbara reaktioner, snarare än att skära bort från den talande skådespelaren.
5. Skär på action
När du redigerar en handlingssekvens är det alltid en bra idé att blanda ihop snitten så sömlöst som möjligt. För att skära på action slår du samman två klipp genom att klippa mellan dem under ett ögonblick av action. Detta knyter ihop de två klippen och lurar publiken att ignorera klippet. Det är ett perfekt val för en kampscen eller en jaktsekvens.
6. Tvärsnitt
Ett tvärsnitt slår samman två perspektiv i en sekvens. Det här klippet tar två olika perspektiv från din narrativa värld (som att en karaktär jagar en annan) och förenar dem genom att klippa mellan varje. Publiken kommer automatiskt att koppla samman de två perspektiven som en helhet eftersom de ser dem spela ut i "realtid".
7. Utskärningar
Cutaways, även kända som "etablering av bilder", visar upp berättelsens miljö. Dessa bilder fastställer karaktärernas plats och förankrar din publik i din narrativa värld. Se bara till att inte dröja för länge med dessa bilder, annars riskerar du att förlora publikens uppmärksamhet.
8. Montering
Vill du sträcka över dagar, månader eller år i en sekvens på 45 sekunder? Då är montaget vad du behöver. De är ett bra sätt att visa tidens gång - eller en tillväxtperiod. Ta en serie klipp som visar din karaktärs framsteg, lägg in lite inspirerande musik och du har ett montage som skulle göra Rocky avundsjuk.
9. Match Cut
Matchklippet är ett av sätten som en redaktör verkligen kan flexa sina kreativa kotletter i efterproduktion. Ta ett klipp av någon action och klipp sedan omedelbart till en annan scen som matchar den handlingen. Om du behöver en referens för detta klipp, kolla in den mest kända av alla:Lawrence of Arabia match cut (med en bokstavlig matchning).