I detta videohandledning, kolla in några av de grundläggande klippen varje redaktör bör känna till innan de tar itu med sitt nästa videoprojekt.
Översta bilden via fedota1 .
För utomstående och nybörjare är redigering kanske ett av de mest missförstådda delarna av filmskapande. Många antar att redigering inte är något annat än att ta bort de dåliga och förkorta klippen. På ytnivå kan det vara sant, men när vi omvandlar dessa antaganden till frågor kommer vi närmare konsten att redigera. Vad är ett dåligt ögonblick? Hur mycket förkortar jag det klippet med? Dessa kärnfrågor, och i slutändan svaren, kommer att förändra hur media smälts.
Oavsett om du redigerar på Premiere, Final Cut Pro X, Resolve eller Avid, är redigering full av viktiga beslut som kommer att gynna din berättelse på ett betydande sätt eller bli en stor nackdel. Dessa är berättartekniker, inte tekniska detaljer för specifik programvara. De är grunder som hjälper ditt projekt att hitta sin röst och få det att sticka ut från mängden. Låt oss titta på grunderna som varje redaktör måste känna till.
Standard Klipp ut
I en mening eller två:Den grundläggande starten på redigering är standardklippet. Detta är klippet mellan två olika klämmor bredvid varandra.
Se det som "skott, reaktionsskott." Det är bara slutet på en handling och början på en annan. Detta kan vara under scenen eller från scen till scen. Det finns inte mycket mer betydelse här, men det är viktigt att veta när ett snitt som detta kan vara användbart - eller till och med nödvändigt. Om du klipper en reklamfilm eller en företagsvideo kommer du med största sannolikhet bara att förmedla grundläggande information på ett mycket strukturerat sätt utan att bli blossad eller krångel.
Även om praktiken att redigera programvara kan läras ut (du kan lära dig DaVinci Resolve här), går det inte att klippa något. Till viss del är det en intuitiv känsla. Och precis som att rita tar det tid att bemästra. Däremot rekommenderar jag en bok av den berömda redaktören Walter Murch med titeln In the Blink of an Eye:A Perspective on Film Editing . Under sina 146 sidor, Murch, redaktör för Apocalypse Now och Jarhead , går igenom grunderna om känslan av när man ska klippa och hur du kan hjälpa till att vårda din redaktörs intuition.
J-Cut
I en mening eller två:En J-cut kommer att låta ljudet från det pågående videoklippet lägga in nästa bild innan den första bilden är klar.
J-cut är en absolut måste-användning för att knyta ihop scener. Ibland kan du upptäcka att din redigering känns abrupt, även om den är praktiskt taget bra. Det här kan vara en redigering som förenar ett strandlandskap med en bils interiör där två personer pratar. Även om ett standardsnitt är lämpligt, kan inställningen från den lugna stranden till den bullriga bilinteriören kännas skarp. Med en J-cut kan du göra denna redigering mindre intensiv genom att flytta ljudet under klipp 1 och låta det sakta tona till full volym tills det når början av klipp 2. Detta är en J-Cut.
Dessutom skulle en J-cut (&L-cut) användas i en konversationsscen för att koppla in ljud från det pågående klippet för att få konversationen att se naturlig ut. Om vi bara skär till karaktären när de pratar kan scenen kännas mekanisk.
Som nämnts i diagrammet har J-snittet fått sitt namn eftersom ljudet från klipp 2 skiftar under klipp 1 innan klipp 1 har avslutats och skapar en J-form.
Tanken här är att leda din publik till nästa bild med ljudet. Det är en enkel men ändå uppenbar effekt som kommer att göra en värld av skillnad när du ser och hör den i aktion.
L-Cut
I en mening eller två:Ett L-snitt har ljud från det första skottet blöder in i det andra skottet.
Det finns inte mycket att säga om L-cut, och det beror på att jag har förklarat allt under J-Cut-delen. Ja, L-cut är precis som J-Cut. Men istället för att ljudet från klipp 2 kommer in i klipp 1, drar L-klippet det aktuella klippets ljud till nästa bild – och skapar en L-form.
Utanför konversationsscener, även om denna effekt är motsatsen till J-cut, kan den ha en mycket annorlunda inverkan på hur folk hör och ser dina scener spelas ut. Med hjälp av exemplet från J-Cut, när vi hör ljudet från bilen först bjuder vi in till nästa scen. Om vi skulle använda ett L-snitt och ha ljud från klipp 1, stranden, följ oss till klipp 2, bilen. Det skulle främja en känsla av melankoli eller nostalgi kring den platsen. Karaktären är fortfarande mentalt på stranden, medan fysiskt i bilen.
För mer om J &L-snitt, kolla in vår handledning nedan.
De tre klippen ovan lägger grunden för de flesta redigeringar, och utanför några få övergångar finns det inte många andra arrangemang för dina media. Men vad kan förändring är hur dina redigeringar uppfattas, och detta kommer att dikteras av vad du redigerar bredvid den aktiva bilden.
Låt oss titta på ett antal tekniker som används av proffsen.
Jump Cut
I en mening eller två:Ett hoppklipp är där ett enda skott skärs framåt i sig själv, vilket gör att motivet dyker upp sporadiskt genom bildrutan. Används vanligtvis för att beteckna en tidsförskjutning.
Hoppsnittet erbjuder ett snabbt och underhållande sätt att hålla din publik fast. Tekniken är enkel:ta ett långt klipp (long take) och klipp upp det, låt dina karaktärer hoppa runt i tiden. Det är en skakande syn, men tack vare komedier och YouTube-vloggare har hoppklippet fästs i vårt kollektiva undermedvetna som ett gångbart sätt att snabba upp en scen.
På grund av hoppklippets påträngande karaktär är det inte en teknik som vi ofta ser använda i tv eller film. Det beror på att det gör oss medvetna om redigeringen. När det har använts i film, tjänar det vanligtvis för komisk effekt.
Men som påpekats av filmskaparen David F. Sandberg (Shazam ), har den också syftet att pröva praktiska produkter i skräck- och actionfilmer.
Montage
I en mening eller två:Montaget är en serieklipp som visar en förändring i tid, person eller plats.
Monteringen har dykt upp i några av de bästa actionfilmerna, komedierna och till och med skräckfilmerna i en filmisk bas. Montaget visar tidens gång och fångar karaktärsutvecklingen på det smidigaste sättet som möjligt.
Används i actionfilmer, eller i filmer som försöker framkalla den nostalgiska likheten med ett actionmontage från 80-talet, används detta klipp vanligtvis för att visa huvudpersonen som tränar för nästa stora grej. Medan Rocky var inte den första filmen som använde ett montage, det är svårt att ifrågasätta vilken inverkan boxningsfilmen hade med montagens popularitet, särskilt med superstjärntemat "Gonna Fly Now".
Ända sedan Rocky har träningsmontage använts i otaliga medier från stop motion till anime.
Du kan skapa ett montage på flera olika sätt. Medan hoppklippet beror på plats och scen, är montaget en sekvens. Slå en catchy låt över bilder av dina karaktärer som försöker uppnå ett mål. Hacka den, håll den i rätt längd och du har ett lyckat montage. Var noga med att föra över klippen med en korsupplösning under långa tider
Om du filmar ett träningsmontage, se till att infoga följande för en mer utarbetad montagesekvens:
- Flera kostymer
- Olika tider på dygnet
- Olika vädermönster
Att skärpa på action
I en mening eller två:Att skära på handlingen är där du skulle skära från ett skott till en annan vinkel som flytande matchar det första skottets åtgärd
Den kanske mest betydelsefulla och välkända nedskärningen är "att skära på action." Så vad är det? Det är bara det:skära mitt i en karaktär som utför någon handling, som att röra sig, vända på huvudet, sparka, hoppa, springa, etc. Det är bara ett sömlöst sätt att ta publikens ögon från ett skott till ett annat utan att inse att det fanns någonsin ett snitt. Detta snitt är endast möjligt om du har tillräcklig täckning, inklusive breda, nära och medelstora skott. Detta ger dig mer att arbeta med när du redigerar.
I exemplet ovan följer klippet på action basebollspelarnas sving. Eftersom skärningen matchar åtgärden från föregående tagning, har den en känsla av kinetisk energi.
Se minst sextio sekunder av huvudstriden från Captain America:Winter Soldier sekvensen nedan. Att skära på handling hjälper till att främja en känsla av energi med redigeringarna.
https://www.youtube.com/watch?v=wd3s8Rdw-O0&ab_channel=ClipMania01Handling är av naturen kinetisk. Om du kastar en sten mot ett fönster kommer fönstret att krossas och stenen faller genom andra sidan. Men att titta på det som åskådare är passivt, och filmskapande gör att du kan göra dessa ögonblick aktiva. I filmskapande bör action inte bara ses; det måste också kännas.
Men termen action definierar inte något handlingsorienterat som en tegelsten som kastas genom fönstret. Det kan vara så enkelt som att en detektiv öppnar en portfölj filmad vid ett medium skott, och när fallet var halvvägs öppet klippte vi in en närbild. Men handlingen av väskans öppning förblir konsekvent hela tiden och bibehåller rörelsens kinetiska energi.
Tvärsnitt
I en mening eller två:Crossing cutting är en form av redigering som upprättar två sekvenser på olika platser som ska ske samtidigt.
Även om det verkar mer utmanande än det är, är tvärsnitt ett perfekt sätt att berätta två historier samtidigt. Vanligtvis utspelar sig dessa två berättelser samtidigt, så du kommer att skära mellan dem båda. Tekniken är så enkel som att visa en karaktär göra något, sedan klippa till en annan karaktär på en annan plats när han gör något annat och sedan skära tillbaka till den första karaktären. Det kan vara svårt att fullända timingen och berättandet för "spelklockan", men det är ett utmärkt sätt att berätta två historier samtidigt. Poängen med tvärgående är att skapa spänning och skapa en känsla av omfattning – en värld som är tillräckligt stor värd att titta på.
Ett av de mest anmärkningsvärda exemplen på tvärsnitt är Christopher Nolans Inception . Mot slutet av filmen förskjuts karaktärerna genom flera lager av "drömvärldar", och varje världs händelser känns inom varandra. Under hela sista akten skär vi kontinuerligt fram och tillbaka mellan tidslinjerna.
På grund av tvärskärningens natur fungerar det bara med noggrann planering. Om du funderar på att skapa en berättelse med övergripande inblandade, skulle ett snabbt tips vara att sätta ihop båda redigeringarna först och sedan redigera de kompilerade sekvenserna tillsammans.
Cutaways
I en mening eller två:En cutaway är suspensionen av en kontinuerligt filmad sekvens genom att klippa bort till en bild av något annat.
Cutaways fungerar mer som utfyllnad än något annat och är bilder som infogas i en scen som hjälper tittaren att förstå karaktärernas miljö. Du kan göra detta genom att dra från B-rullen på plats. Cutaways kan vara breda bilder, närbilder eller medelstora bilder. Se bara till att du inte klipper bort mitt i en betydande linje eller ögonblick.
I klippet ovan finns det tyvärr kameraskakningar i mitten av sekvensen. Men om vi skär till en infogning kan vi maskera det (fiktiva) operatorfelet.
Det finns inte mycket information som behöver förklaras om cutaways; de gör precis som rubriken. Jag tycker ofta att cutaways kan fungera som ett plåster när det finns problem med filmen, men vi behöver fortfarande ljudet. Kanske sparkar någon på stativet och kameran skakar plötsligt, eller så rör sig talangen för långt ur fokus. Om så är fallet, använd en cutaway för att maskera misstaget. Naturligtvis, som noterat, kan du bara göra detta om materialet redan har spelats in.
Match Cut
I en mening eller två:En matchklippning är en redigering som använder element från föregående bild för att övergå till nästa scen. Den pågående scenen är vanligtvis helt annorlunda än den första scenen.
Matchklippet är kanske det mest visuellt fascinerande klippet, som låter dig transportera tittarens ögon till nästa bild innan de insåg att det har hänt. Tanken är enkel:du skär när din karaktär rör sig eller gör något och avslutar rörelsen på ett annat ställe eller med en annan karaktär i nästa tagning. Detta skapar en flytande rörelse som håller din publiks ögon i rörelse åt vilket håll du vill.
Matchklippet används inte ofta eftersom det uppmärksammar redigeringen; det blir märkbart när du vill att redigeringen ska förbli osynlig. Men när den används, och när den används på rätt sätt, har matchsnittet slutat med att producera några av de mest minnesvärda klippen på bio. Det kanske mest anmärkningsvärda exemplet är 2001:A Space Odyssey med benet till rymdstationens tändsticka.
Även om det främst används med visuella bilder, kan ett matchsnitt också implementeras med ljud. Ett snabbt exempel skulle vara en skurk som gömde sig på väg att avfyra sin pistol mot huvudpersonen, och precis när han trycker på avtryckaren skär vi till kyrkklockans dynga på en annan plats. Eftersom ringklockans dong och pistolens smäll delar liknande höga hörbara egenskaper kommer snittet att matcha sömlöst.
För mer om redigeringstips och tricks, kolla in några av vår tidigare täckning här:
- Hur du redigerar dina egna videoklipp
- 5 snabba tips för att komma igång med After Effects
- Rensar upp bullrig video på 30 sekunder
- 10 typer av bilder och vinklar som alla filmskapare borde känna till
- Verktyg för videoredigerare:220+ gratis animationer, förinställningar, överlägg och mer