Att välja bildförhållande:En guide till allt du behöver veta

Bildförhållande har en lång och historisk historia. Så, vad betyder det för den moderna filmskaparen och videoredigeraren?

Här är kanske århundradets underdrift:Det finns mycket som går till att göra en film, även de dåliga. Specifikt finns det många beslut. Och de besluten måste följas igenom. När alla dessa beslut fungerar tillsammans och uppföljningen är grundlig – det är då bild och ljud kombineras sömlöst för att ge en berättelse liv på ett så engagerande sätt som möjligt.

Vi har täckt dessa beslut på djupet, från förproduktion till efterproduktion. Vad är det rätta valet när det kommer till storyboarding, ljudinspelning och mixning, ljussättning, manusskrivning, rörlig grafik och redigering? Vilken mikrofon är bäst för vilken miljö? Vilken kamera med vilken kardan?

Och sedan är det att välja rätt bildförhållande.

Förr var det lättare att välja bildförhållande. Det bestämdes av filmstockar, linser och hur bilden projicerades på filmstocken. Nuförtiden kan vi manipulera bilder på till synes oändliga sätt, och det innebär ett annat beslut:Hur kommer du att presentera din bild?

Här är allt du behöver veta om att välja det bildförhållande som är bäst för ditt projekt.

Vad är bildförhållande?

För att uttrycka det enkelt, det är formen på din bild - bredden och höjden. En bilds bildförhållande representerar bildens storlek med två siffror åtskilda med ett kolon. Alltså en bild med bildförhållandet 1,85:1 betyder att bildens bredd är 1,85 gånger storleken på dess höjd.

Låt oss titta på vilka bildförhållanden som är populära för vilket medium och kolla in hur du kan få dessa proportioner.

En kort översikt av bildförhållandet

I decennier var standardbildförhållandet 1,37:1, eller Academy Ratio. Det var inte förrän stora produktionshus var tvungna att konkurrera med kommersialiseringen av tv-apparater som de började experimentera med nya, spännande bildförhållanden för att ge publiken något de inte kunde få hemma – bredare, större skärmar som fördjupade publiken djupare in i filmen.

Så småningom stannade teaterbildförhållandena mellan 2,35 och 1,85. Dagens standard 16:9 kom till som en kompromiss mellan bioformat och TV:s 4:3-format.

Bildförhållandet 16:9 möjliggjorde bekväm visning av både äldre tv-program och storfilmer, utan att behöva beskära och "panorera och skanna" något av formaten för att passa bra på skärmen.

Aspect Ratio etablerar humör och miljö

Vissa bildförhållanden har blivit så synonyma med film, tv, hemmavideo, etc. att även lekmän, utan full förståelse eller kunskap om bildförhållanden, kan inse den historiska betydelsen av var och en.

Den klassiska Academy Ratio kan skapa en "gammaldags" känsla, medan den superbreda anamorfa skärmen skapar känslan av storsäljare och episka fantasy- eller äventyrsfilmer. Ja, vissa färggraderingstekniker kan framhäva dessa stämningar, men det börjar med förhållandet.

Filmskapare kan använda detta till sin fördel när de vill fördjupa publiken i en viss period eller göra stämningen mer dramatisk. Om du vill se en film som lär dig allt du behöver veta om kamerarörelser och kompositionsval i förhållande till bildförhållanden, behöver du inte leta längre än Wes Andersons The Grand Budapest Hotel . När filmen färdas genom historien ändras bildförhållandet för att matcha de vanliga förhållandena vid den tiden.

För att förstå hur ett superbrett bildförhållande kan skapa stämning och omfång, leta inte längre än Peter Jacksons verkligt episka och respektingivande Ringens Herre anpassningar. Kompositionerna i trilogin talar för sig själva och visar en häpnadsväckande värld med storslagna vyer och landskap. Denna berättelse lämpar sig för en bredare presentation. (Tänk äldre epos som Lawrence of Arabia och Bron över floden Kwai .)

Låt oss prata om varför kompositionen är så viktig när vi väljer bildförhållande.

Aspektförhållande bestämmer sammansättning

I slutet av dagen, oavsett den historiska eller kulturella betydelsen av olika bildförhållanden, kommer förhållandet att avgöra hur filmskaparen komponerar varje bild i sin film. Att utöka eller minimera synfältet kommer alltid att påverka en av de första kompositionsreglerna:The Rule of Thirds.

The Rule of Thirds hjälper filmskaparen att skapa visuellt övertygande bilder som drar publikens uppmärksamhet in i hela bilden, i motsats till att bara fokusera på något i centrum. De skärande linjerna skapar referenspunkter för var man ska placera motiven för att skapa en dynamisk, intressant komposition.

Ju mer begränsat förhållandet är, desto tätare blir kompositionerna, vilket skapar en snävare känsla av rymd. Ofta kan saker börja kännas hyperfokuserade och komprimerade. Detta är inte i sig ett fel. Det är bara ett resultat av det snävare förhållandet, som Wes Anderson (återigen) använder mästerligt i The Grand Budapest Hotel .

Men du kan fortfarande uppnå djup och dynamisk komposition, som vi ser i Casablanca .

Trots det snävare förhållandet ser vi fortfarande tredjeregeln i aktion för att skapa starka vinklar, och vi blir aldrig överväldigade av flygfältets vidöppna utrymme. Kamerans rörelser hjälper till att skapa en känsla av djup, men i slutändan finns det en gräns för hur många karaktärer och motiv vi kan lagra i en enda bildruta.

Vi kan inte skapa en lång vidd eller en panoramavy. Men när vi utökar vårt förhållande kan vi öka känslan av djup och skala. Lägg märke till hur Steven Spielberg använder hela skärmens vidd för att skapa en skiktad, dynamisk komposition i Indiana Jones and the Last Crusade .

Det bredare bildförhållandet gör att Spielberg och DP Douglas Slocombe noggrant och estetiskt kan lägga in ett överflöd av ämnen och information utan att överväldiga publiken eller tränga någon enskild bildruta. Varje bildförhållande kräver en berättelsespecifik komposition som låter skådespelarna röra sig och uppträda i en ram som förstärker berättelsen på bästa möjliga sätt. Även om det låter som ett superuppenbart uttalande, kommer bra skott till att det finns en ömsesidig kreativ förståelse från DP och direktör.

Kom bara ihåg, att välja ett bredare bildförhållande tillåter inte bara bredare, djupare kompositioner, det innebär också utmaningen att avslöja mer av inspelningsplatsen. Om du inte har platser eller uppsättningar värda att visa, eller förmågan att tända mycket bredare bilder utan att avslöja branschens verktyg, riskerar du att skapa bilder som är visuellt ointressanta (om du inte är en mästare på att arbeta med negativt utrymme ).

Primära bildförhållanden

Låt oss dyka lite djupare in i tre bildförhållanden och titta på fler exempel på hur de påverkar bilden och tvingar fram motivets rörelser.

The Academy Ratio, 1.33:1 och 4:3

4:3 (1,33:1) eller 1,37:1 (förhållandet "akademin") har gjort en betydande comeback under det senaste decenniet. Det händer inte bara i arthouse-filmer – Snyder Cut presenterades i 4:3 på HBO Max tidigare i år.

På frågan på Justice Con varför han valde att gå med 4:3 för den slutliga presentationen, sa Snyder detta:

2.35:1

Minns tidigare när vi pratade om de vida, häpnadsväckande landskapen i Sagan om ringen ? Det är 2.35:1. Kombinationen av bredare linser med det breda bildförhållandet avslöjar miljön för din publik, bildligt talat fördjupa dem. Dessutom ger detta armbågsrum på skärmen motiv mer frihet inom ramen, och rörelse och action kan fångas i en enda, relativt statisk bild. Kameran behöver inte snurra runt för att ta för att ta in allt. Det är extremt befriande.

Jag gillar att använda vidvinkelobjektiv—35 mm och lägre—helst 24 mm brännvidd. Vidvinkellinser hjälper till att avslöja mer av bakgrunden, vilket skapar en djupare känsla av rymd och miljö i bilden. Jag tycker att detta hjälper till att skapa skarpare, mer dynamiska vinklar i kompositionen mellan motivet och inställningen. Dessa vinklar tvingar betraktarens ögonlinje, oavsett om den är tvärs över ramen eller dras mot mitten.

Mitt största inflytande i detta avseende är utan tvekan Steven Spielberg och Douglas Slocombes arbete med The Last Crusade . De bredare brännvidderna i de flesta scenerna skapar denna fantastiska känsla av djup – en nästan 3D-liknande kvalitet. Kombinera detta med det bredare bildförhållandet 2,35:1 och dina motiv kan resa djupt in i och runt hela bilden i en enda bild. (Definitivt se om Last Crusade klipp tidigare i artikeln.)

2.35:s förmåga att sömlöst kombinera bred täckning av action med starka dynamiska vinklar är anledningen till att jag tror att det är det bästa för action och episka filmer.

16:9

Som tidigare nämnt föddes 16:9 som en kompromiss mellan Academy Ratio och 2.35 så att båda kunde spela bekvämt på samma skärm. Naturligtvis skulle nyare tv-serier och sändningar vilja dra nytta av allt detta utrymme. Detta bildförhållande har blivit standarden i dagens digitala medier. Förhållandet är inte alls lika begränsat som Academy Ratio - och inte alls lika extremt och dramatiskt som 2,35. Det ger en behaglig balans. På grund av detta får vi många kommersiella filmer och komedier i 16:9.

När du tänker på videor på sociala medier, tänk på bildförhållandet i form av liggande eller stående läge. Landskapsförhållandet du kan behöva kan vara vilket som helst av de ovan nämnda förhållandena, men troligen kommer du att behöva ett förhållande på 16:9—och sedan tvärtom (9:16) ) för vertikal/stående presentation.

Det är precis så det låter som, en vertikalt orienterad video avsedd att ses på Instagram-flöden, Instagram Reels, TikTok, Facebook, etc. I videon ovan går Mike Maher från Film Bodega över hur du kan redigera och ändra horisontella bilder till vertikal video för att passa sociala nedskärningar och kundens behov.

Så här närmar du dig varje plattform:

Instagram-rullar
TikTok
Facebook

Att uppnå andra bildkvoter i inlägg

Traditionellt filmar filmskapare 2,35-filmer med anamorfa linser, vilket faktiskt tar in mer ljus horisontellt fångat på hela 35 mm-ramen. Senare förtätas den till sina rätta proportioner. Detta gör att varje bildruta kan fånga mer information. Men om du bara fotograferar med en DSLR och inte har tillgång till anamorfa linser kan du fortfarande uppnå denna inramning.

Så, hur ändrar du ditt bildförhållande? Filmar du dina bilder på ett specifikt sätt? Eller fattas dessa beslut i efterproduktion? Det komplicerade svaret är ja—till båda. Det är viktigt att tänka på hur din video kommer att presenteras vid inspelning så att du kan spela in på dessa specifika sätt under vissa omständigheter. Eller så ställer du in din komposition och inramning i enlighet med detta, vilket ger mer takhöjd, mindre takhöjd, mittramning osv.

Ofta låter kameramonitorer och externa monitorer dig se en överlagring med ett specifikt bildförhållande som ger dig en uppfattning om hur din inramning kommer att se ut. Du kan till och med se hur ett vertikalt förhållande kommer att se ut. Även om detta inte är det traditionella sättet att välja och vraka bildförhållande, är det en vanlig praxis för moderna filmskapare när de ramar in en bild eller väljer objektiv.

Om du vill lära dig hur du faktiskt ändrar videons bildförhållande, här är några tutorials för att närma dig detta arbetsflöde i de mest populära NLE:erna:

Ändra ditt bildförhållande i Premiere Pro
Ändra ditt bildförhållande i DaVinci Resolve
Ändra ditt bildförhållande i Final Cut Pro X

För att ändra dina sekvensinställningar, vill du använda en förhållandekalkylator. Hur fungerar det?

För att få ett bredare bildförhållande (som 2,35), sätt helt enkelt bredd av skotten i fält C.

Men om du byter för ett smalare bildförhållande—som Academy Ratio—måste du användahöjden av dina bilder (eftersom du inte kan utöka höjden på bilden).

Välja ditt bildförhållande

Att välja bildförhållande är en nyckelfaktor för att bestämma din films komposition och humör. Kan du komponera och tända bredare bilder? Vill du fokusera publikens uppmärksamhet på vissa detaljer? Vill du fördjupa dem i filmens påkostade eller fantastiska miljöer? Eller vill du begränsa deras synfält för att undvika tommare, plattare inställningar?

Välj ditt bildförhållande före skytte. Att ändra det i post—även från 16:9 till 2.35:1—kan förstöra kompositionen. Komponera olika bilder i olika proportioner i förväg, innan du håller dig till en under produktionen. Se vilka platser som finns tillgängliga. Ta reda på sätt att tänja på din budget så att du kan skapa eller klä uppsättningarna. Men framför allt, se vilka kompositionsstilar som bäst hjälper till att berätta din historia.

Det här inlägget publicerades ursprungligen i juni 2019. Det har uppdaterats för att dela ytterligare information.

Behöver du lite mer om att arbeta med vertikal video? Kolla in det!

En mästarklass i inramning av bilder för vertikal film
Den bästa utrustningen för att skapa din nästa TikTok-video
5 verktyg för att montera din kamera vertikalt
De tre bästa sätten att spela in vertikala videor av ditt filmprojekt
Hur du laddar upp dina videor till Instagram från PC och mobil

Omslagsbild via Warner Bros .