En filmfotograf (direktör för fotografi, DP eller DOP), är ansvarig för att spela in en film, tv-produktion, dokumentär, musikvideo eller någon annan typ av film. I huvudsak är det upp till dem att översätta skriptet till användbara bilder. Deras primära mål är att fånga regissörens vision genom komposition, ljussättning, växelval, kamerainställning och andra sätt, som skärpedjup, zoom, fokus, färg, exponering och filtrering.
Låt oss ta en titt på några av huvudrollerna och ansvarsområdena för fotografichefen.
Bestämma filmens visuella stil
En filmfotograf samarbetar med regissören och andra avdelningschefer för att bestämma filmens visuella stil och känsla. Relationen mellan en filmfotograf och regissören kan ta många former. Vissa regissörer kommer att ge sina filmfotografer mer konstnärlig frihet, medan andra kommer att övervaka varje beslut. Oavsett arrangemang svarar filmfotografen alltid på regissörens vision.
Till exempel, i Ridley Scotts hyllade kultfilm "Blade Runner" (1982), inspelad av Los Angeles-födde Jordan Cronenweth, arbetade Cronenweth med Scott för att förverkliga den stil han ville ha för filmen.
Cronenweth förklarar, "Ridley kände att fotografistilen i "Citizen Kane" närmade sig det utseende han ville ha för Blade Runner närmast. Detta inkluderade bland annat hög kontrast, ovanliga kameravinklar och användning av ljusskaft.”
För att uppnå filmens futuristiska estetik placerade Cronenweth många neonljus över hela uppsättningen. Han placerade dem överallt där han kunde - i skyltfönster, i bussar och till och med i skaftet på människors paraplyer. Han satte till och med en del utanför kameran för att hjälpa till att lysa upp gatuscenerna.
Välja ett objektiv
Som filmregissören Sidney Lumet en gång sa:"Olika linser kommer att berätta en historia annorlunda." Typen av objektiv och brännvidd en filmfotograf väljer att fotografera med effekter på scenens övergripande utseende och känsla. När de väljer ett objektiv kommer de att titta på dess brännvidd, som vi mäter i millimeter. Vanliga vidvinkelobjektiv inkluderar 18 mm, 24 mm och 27 mm. Människor anser en 50 mm lins som "standard", och många tror att den är lika med vad det mänskliga ögat ser. Dessa linser är populära bland många regissörer och filmfotografer eftersom de hjälper till att informera publiken var scenen är, vem som är med i den och vad som finns runt dem. Vanligtvis låter de dig se mer av bakgrunden med mer av bilden i fokus.
Vanliga långa brännvidder inkluderar 85 mm, 100 mm och 135 mm. Längre linser komprimerar bakgrunden och har ofta ett mindre skärpedjup. Filmfotografer använder dem för att isolera en person och fokuserar tittarens blick på ett visst ämne.
Filmfotografer kommer att samarbeta med regissören för att avgöra vilken brännvidd som är bäst för scenen de filmar.
Komposition och inramning
En filmfotograf är ansvarig för att bestämma vilken typ av kameror, kameralinser, kameravinklar och kamerarörelser som är bäst för att ge regissörens vision liv.
Spike Lees "Do The Right Thing" (1989) spelades in av Lees långvariga medarbetare Ernest Dickerson. Dickerson betonade en karaktärs kraft eller maktlöshet genom att utföra antingen bilder med låg vinkel och hög vinkel. Han multiplicerade kraften hos filmens större karaktär, Radio Raheem, genom att filma honom från en låg vinkel. På samma sätt filmade Dickerson filmens pizzabutiksägare, Sal, från en hög vinkel för att få honom att känna sig mindre betydelsefull.
När filmen bekänner sig, och spänningen tilltar, skjuter Dickerson de snart krigförande karaktärerna med en holländsk lutning, vilket ger tittaren en känsla av kaos, skräck och ilska.
Belysning
Medan filmfotografen styr uppsättningens kameror, övervakar de också uppsättningens belysning. Filmfotografer på större uppsättningar arbetar nära med chefen för den elektriska avdelningen, känd som gaffern, för att skapa, manipulera och kontrollera ljus för att skapa den önskade stämningen.
Hur biografen tänder en film påverkar i hög grad filmens utseende och känsla. Till exempel, när han arbetade på "The Godfather" 1972, bestämde sig filmfotograf Gordon Willis för att lysa upp filmen annorlunda än någon annan film vid den tiden. De flesta studior vid den här tiden dränkte sina filmer med jämnt upplysta scener vid den här tiden i historien. Karaktärer, när de var i närbilder, fick dock ofta ett ögonljus i ansiktet för att accentuera ögonen. Denna teknik visade tydligt deras känslor. Willis gick motsatt väg och målade med skuggor för att visa den mörka sidan av dessa gangsters sulor. Han skapade skuggor för att dölja karaktärers ögon eller till och med halva deras ansikte med hjälp av hög- eller sidoljus.
Filmen såg nästan inte dagens ljus eftersom dess studio var förskräckt över dess användning av skuggor och mörker. Ironiskt nog vann filmen tre Oscarspriser och blev en av de mest inkomstbringande filmerna hittills.
Gå på repetitioner
Fotochefen deltar i repetitioner med regissören och skådespelarna för att förstå blockeringen – hur karaktärerna rör sig genom en scen och interagerar med sin omgivning. De planerar också scenens iscensättning - placeringen och kamerans rörelse i förhållande till blockeringen. Filmfotografen, regissören och skådespelarna deltar ofta i en komplicerad dans för att komma på det bästa sättet att berätta regissörens historia.
Ett bra exempel på denna komplexa blockering och iscensättning kan ses i en scen från Martin Scorseses "Goodfellas" (1990). tre minuters singeltagning från Steadicam, Henry Hill (Ray Liotta) leder sin dejt Karen Friedman (Lorraine Bracco) genom bakdörren på nattklubben Copacabana, nere, genom flera mörka korridorer, genom ett kaotiskt kök in i klubbens inre. Här beordrar maître d’ en servitör att bära ett bord till framsidan av klubben för gangstern och hans dejt. Varje gång vi behöver se antingen karaktärens ansikte eller ansiktet på en statist är belysningen perfekt. Statister strömmar kontinuerligt mellan den rörliga kameran och skådespelarna när de fortsätter till sin destination. Det är utomordentligt engagerande.
"Denna Copa-bilden är fortfarande känd bland biobesökare och legendarisk för tusentals Steadicam-operatörer och av goda skäl:den är perfekt!" Garrett Brown, filmfotograf och uppfinnare av Steadicam, sa om Steadicam-operatören Larry McConkeys "Copa-shot".
Bestämma vilket bildförhållande som ska användas
Filmfotografen kommer att diskutera med regissören vilket bildförhållande man ska spela in filmen med. Termen bildförhållande beskriver det matematiska förhållandet mellan den horisontella sidan av skärmbilden och den vertikala. Förhållandet som används för våra moderna tv-apparater är 16×9. Det betyder att proportionen mellan bredd och höjd alltid kommer att vara 1,78 till 1, vanligtvis skrivet som 1,78:1. Även om detta kan vara det vanligaste bildförhållandet idag, är det inte det enda. "2001:A Space Odyssey" (1968) spelades in med ett förhållande på 2,20:1, medan "How the West Was Won" (1962) spelades in i 2,59:1. "Ben Hur" (1959) blev ännu bredare med ett bildförhållande på 2,76:1.
Wes Anderson tog det ett steg längre med "The Grand Budapest Hotel" (2014). Anderson bestämde sig för att använda ett specifikt bildförhållande för varje tidslinje i filmen. Filmen startar 1932 med ett bildförhållande på 1.37.1. 1968 scener spelades in i 2,35:1 och de moderna scenerna var inramade i förhållandet 1,85:1.
En filmfotografs ansvar är oändligt
Ansvaret för en filmfotograf är omfattande och varierande. Vi har inte ens berört några, som bildstorlek, bländarbeslut och fokusval. Du kan lära dig mer om fotografichefens många roller genom att läsa böcker, titta på YouTube-videor eller gå på filmskola. Du kan också lära dig om rollen som de flesta filmfotografer har lärt sig under de senaste 100 åren:genom att arbeta dig upp i hierarkin på kameraavdelningen.