När det är dags för en videos handling att byta plats drar många redaktörer fram sin pålitliga switch. En switcher utför de toningar, wipes och upplösningar som används för att antyda för dina tittare att platsen för berättelsen har ändrats. Effekter gjorda i en switcher eller en Digital Video Effects (DVE) enhet kallas "optiska" effekter. Men när du väl har en switcher kan du bli beroende av optiska effekter. Dina videor kan börja få ett cookie-utseende, där varje övergång förlitar sig på din utrustning istället för på din fantasi.
Det finns ett gammalt talesätt bland redaktörer, "Om du inte kan lösa det, lös upp det." Det betyder att om regissören inte fick ordentlig bevakning kan redaktören finna sig själv målad in i ett hörn och behöva ta till en optisk effekt för att komma ut. Ändå är en icke-optisk indikation på förändringar av tid eller plats en överlägsen lösning – eller åtminstone smartare.
Under hela den här artikeln kommer jag att prata om redaktörens sätt att skapa övergångar. Men du måste komma ihåg att du inte kan göra någonting i redigeringsstadiet om du inte har rätt material att arbeta med. Planera dina övergångar innan du börjar fotografera, eller ha åtminstone den här informationen i åtanke medan du fotograferar så att rätt typ av film är redo när det är dags att redigera.
Matchande bilder
En grundläggande övergångsteknik för endast klipp innebär att skapa matchningar i två på varandra följande bilder (kallas "scener"). Redaktörer matchar vanligtvis positionen på skärmen. Om du sätter centrum för intresset på samma plats på skärmen i två på varandra följande scener kan allt annat i bilden förändras och tittarna kommer att uppfatta övergången som smidig. Så får du karaktären från bilen till köket utan att visa honom gå uppför trappan, genom dörren och in i vardagsrummet.
Det enklaste sättet att ge dig själv massor av möjligheter att matcha positionen på skärmen är att ta alla dina bilder med huvudmotivet eller intressepunkten i mitten av bilden. Detta kommer att underlätta hela redigeringsprocessen, även de nedskärningar som inte är tänkta att vara övergångar. Om du, av estetiska eller kompositionsmässiga skäl, vill placera motivet utanför mitten, se till att komponera nästa bild i övergången med motivet i samma skärmposition.
Storleken på det fortsatta elementet i ramen är mindre viktig. Även om det kan vara en smidigare redigering om storlekarna matchar, kommer de flesta medlemmar av publiken inte att bli chockade om det sker en måttlig förändring. Det skulle till exempel vara okej att ta en långbild av ditt motiv närmar sig en byggnad, och sedan klippa till en medelstor bild av honom när han går in på ett kontor på 38:e våningen. Se bara till att han är i samma område av ramen och rör sig i samma riktning.
Skärmposition är den mest grundläggande typen av matchning, men du kan också matcha på form eller färg. Allt som kan uppfattas som detsamma i två olika scener, och som är centrum för tittarens uppmärksamhet, kommer att underlätta övergången mellan dem. Till exempel kan du få din hjälte att skynda sig till hans laboratorium för att försöka stoppa ett experiment innan det börjar. Han drar fram till ett blinkande rött stoppljus. Vi ser det blinkande ljuset lysa upp hans ansikte när han tittar upp på det. Nästa bild är en närbild av ett annat blinkande rött ljus. Kameran drar sig tillbaka för att avslöja att ljuset finns i laboratoriet, vilket indikerar att experimentet redan har startat. Det här exemplet kombinerar en matchning av form, färg och blinkande för att skapa en koppling mellan de två platserna.
Du kan använda rörelse på detta sätt också. Redaktörer hänvisar till detta som "att skära på handling". Låt oss säga att du har flera bilder av en boxare som arbetar med en boxningssäck. Du tar bilder av hans arm som rör sig rytmiskt fram och tillbaka. Du skär sedan till ett liknande skott av boxaren som slår i samma riktning, men den här gången är han i ringen med sin motståndare. Att matcha rörelsen mellan två scener jämnar ut övergången. Matchande rörelse samt skärmposition, form och färg gör det ännu bättre.
En speciell typ av actionmatch är kroppsservetten. Detta innebär att man använder ett stort föremål i scenen för att fungera som en våtservett. Ett klassiskt exempel är scenen som inkluderar en person som rör sig över ramen och helt blockerar sikten tillfälligt. När personen rör sig förbi avslöjas en annan scen.
Du kan till exempel filma flera scener av någon som kör en sportig bil runt staden. I en bild kör bilen ända fram till kameran och fyller hela ramen. Nästa snitt börjar med att baksidan av bilen fyller ramen. Bilen kör iväg och avslöjar att den nu är ute på landet. Du fortsätter med scener av en landskörningssekvens.
Utskärningar som övergångar
I matchande bilder är vissa delar av scenen desamma i båda bilderna. En cut-away är ett skott som inte innehåller någon del av det föregående skottet. Ett enkelt exempel skulle vara en närbild av något som någon gör, säg att sticka en tröja. Följ detta med en närbild av personens ansikte och tittar ner på stickningen. Den här andra bilden är bortskuren eftersom den bara visar ansiktet, inte stickningen i sig eller något som var i föregående bild.
Du kan använda detta som en övergångsteknik om det är en cut-away som kan vara en del av någon av de två scenerna. Du kanske till exempel vill visa en turist som besöker olika platser. Du visar en gatubild i någon storstad. Därefter ser du turisten föra sin kamera mot hennes ansikte. Du skär till en närbild när hon klickar på slutaren och bilden panorerar bort för att avslöja att hon nu är i en helt annan stad.
Den typen av övergång är ett skriv- eller redaktionsknep, men det är också en intellektuell matchning. Tittaren accepterar det eftersom det passar in i känslan av vad som händer. Rent intellektuella matchningar fungerar; men de är inte lika vanliga som de andra sorterna.
Använd matchande klipp för att göra övergångar när du vill att tittaren ska koppla ihop två scener som sker direkt efter varandra. Du kan använda cut-aways för att skapa en övergång mellan scener som du vill hålla åtskilda. Du kan infoga en scen som inte innehåller delar av den föregående scenen (men kan tänkas om du filmade den från en annan vinkel). Följ det sedan med ett helt annat skott.
Ett enkelt exempel på detta kan börja med en närbild av något som en person gör. Följ detta med en närbild av personen som tittar ner (på hans eller hennes arbete), och tittar sedan upp och av i fjärran. Du kan sedan klippa till en helt annan scen, kanske något som personen skulle kunna titta på eller tänka på. Du har nu flyttat tittaren till nästa sekvens.
Andra tekniker
En annan kamerateknik som kan användas som en övergång är swish pan, som vanligen används i gamla filmtidningar. Det här är helt enkelt en panorering som rör sig så snabbt att bilden blir en oskärpa av horisontella linjer. Det är klippt mellan två helt olika sekvenser att säga att vi nu "swishar" från detta ämne till det. Du kan avsluta den korta änden av ett band genom att helt enkelt sätta kameran på ett stativ och panorera den snabbt i några sekunder. Detta skapar en swishpanna som du kan skära mellan två sekvenser som en övergång som både kopplar ihop och separerar dem samtidigt.
Du kan också använda ljudspåret för att skapa en övergång. En effektiv teknik är att använda vad som kallas en "ljudbrygga". Du gör detta genom att starta ljudet för den nya scenen under den sista sekunden eller så av videon från den aktuella scenen. Publiken hör ett ljud som inte verkar höra till den aktuella bilden, vilket väcker dess nyfikenhet. Denna nyfikenhet tillfredsställs när den nya bilden dyker upp och löser det oväntade ljudet. På så sätt överbryggar ljudet avståndet mellan de två scenerna.
Du behöver inte spendera mycket pengar för att skapa effektiva övergångar i dina videor. Med hjälp av teknikerna vi har presenterat här kan du flytta din berättelse över tid och rum smidigt även om du inte har tillgång till en switcher. Och om du har tillgång? Tja, uppmärksamma dessa tips kommer att göra dina optiska effekter ännu bättre.