Har du någonsin blivit hypnotiserad? Om du någonsin har varit på bio och befunnit dig helt vilse i berättelsen så har du gjort det. En välredigerad film gör precis det, och det är inte en dålig sak. Den fångar fantasin på ett sätt som praktiskt taget tar över hjärnan. Vi överlämnar oss till berättelsen och glömmer verkligheten tills kreditrullen tar oss tillbaka till jorden.
Faktum är att denna hypnotiska effekt ofta är så kraftfull att om bildens utveckling avbryts om saker och ting inte flyter smidigt från en idé till en annan, upplever vi en chock.
Om du någon gång är på en biograf och filmen olyckligtvis går sönder, kommer du att känna känslan. Från total nedsänkning till en stor, bländande vit skärm på ett ögonblick; stönen som följer är ljudet av ren frustration.
Så när du börjar redigera rörliga bilder på din egen icke-linjära redigerare, hjälper det om du uppmärksammar de tekniker som har utvecklats över tiden som uppmuntrar publiken att fördjupa sig i handlingsflödet.
Grunderna
Många tekniker som uppmuntrar visuellt flöde faller under rubriken "matchning". De är egentligen inget annat än en uppsättning enkla regler som hjälper till att hålla tittaren orienterad och att handlingen flödar från en scen till en annan.
En av de mest grundläggande typerna av matchande åtgärder är helt enkelt att se till att varje skott följer en logisk utveckling.
Tänk på den traditionella sekvensen av en person som går genom en dörr. Den vanliga utvecklingen man skulle använda kan vara:
Skut 1 – En bred bild av en skådespelare som närmar sig en dörr.
Skut 2 – En närbild av dörrhandtaget och en hand som sträcker sig ut för att ta tag i det.
Spel 3 – En medelstor bild av handen som drar upp dörren och personen som går igenom.
Bild 4 – En omvänd vinkel från insidan av dörren som visar karaktären som kommer in i det nya rummet.
Bild 5 – En bred bild som visar dörren stängd och karaktären etablerad i det nya rummet.
Denna skottförlopp är grundläggande. Vi vet hur det är att komma in i ett rum, så alla har samma förväntningar på vilken scen som följer efter vilken. Det som gör skillnaden mellan bra och dåligt scenflöde är den exakta timingen för varje scen; hur mycket film du tillåter före och efter varje central åtgärd.
Titta på sekvensen i figur 2A. Det finns ett avsiktligt fel i in- och utpunkterna mellan de två bilderna för att visa ett vanligt redigeringsfel.
Lägg märke till att vid ut-punkten av det första skottet, börjar karaktärens hand precis att stiga mot dörrhandtaget, men vid in-punkten för nästa skott är handen redan på handtaget. Ett rakt snitt vid dessa punkter i aktion skulle ge ett hopp som skulle kännas förhastat.
Istället skulle en erfaren redaktör antingen låta handlingen i skott 1 fortsätta tills handen når närmare dörrhandtaget (figur 2B) eller flytta inpunkten för skott 2 framåt i åtgärden för att lägga en buffert mellan scener. Att skära till dörrhandtaget innan handen går in i karmen och sedan låta handen gå in i scenen och ta tag i handtaget skulle matcha den handling publiken förväntar sig, även om tiden mellan dessa åtgärder är mindre än realtid.
Och det är en viktig poäng. Att skära mellan förväntade scener i ett flöde betyder inte att du alltid måste upprätthålla en realtidsrelation mellan dem. Publiken kommer ofta inte att märka om du klipper tiden från en sekvens så länge handlingen är smidig och flyter logiskt från en scen till en annan.
Pace Yourself
Det övergripande målet för varje redaktör bör vara att förstå vad varje scen behöver bidra med till programmet och att se till att den förblir på skärmen exakt tillräckligt länge (och inte en bildruta längre) för att uppnå scenens mål.
Ett tydligt tecken på amatörredigering är scener som pågår för länge. Tumregeln för scentempo är densamma som i allt bra filmskapande:om det inte hjälper publiken att följa handlingen eller hjälpa till att flytta historien, bli av med den.
Om du tittar på förstklassiga redaktörer på jobbet kommer du att märka deras besatthet av att trimma scener till perfektion. De kommer vanligtvis att ställa in en första redigeringspunkt och sedan ställa in en uppspelningsslinga som löper genom redigeringspunkten. Sedan kommer de att spela övergången om och om igen medan de använder sina Trim Edit-tangentbordskommandon för att ta bort ramar från huvudet och svansen tills redigeringen känns helt rätt och alla onödiga ramar är borta.
Trimma åtgärden
Det här är ännu en plats där moderna redaktörer har det mycket lättare än förr i tiden, när trimning av ramar innebar att klippa celluloidremsor av film. Idag kan ett par tryckningar på tangentbordet manipulera in- och ut-punkter och trimma individuella bildrutor i en scen så att det verkligen inte finns någon ursäkt för att inte ringa in dina redigeringar.
Många av dagens ledande mjukvarupaket går ännu längre och tillhandahåller skärmar med dubbla fönster, så att redigeraren kan se förhandsvisningar av både inkommande och utgående bilder som körs i realtid. Det här är en fantastisk funktion när du vill se hur trimning påverkar bilderna på båda sidor om en redigeringspunkt .
Om du tittar på de fantastiska filmerna från igår och idag kommer du att upptäcka att de alla har något gemensamt. Oavsett om takten i scenerna är hög eller långsam, använder filmredigerare dessa matchande actiontekniker för att hålla sina berättelser igång. De anpassar stämningen i föreställningarna med takten i redigeringarna för att ge varje scen (eller sekvens av scener) sin egen naturliga rytm.
Att känna igen och hitta den idealiska visuella rytmen för en sekvens av bilder och redigera den så att den flyter smidigt från scen till scen är skillnaden mellan någon som bara sätter ihop scener och en riktig visuell berättare.
[Sidebar:Breaking the Line]
En annan del av matchande action är förståelsen att rörelser som sker på skärmen alltid kommer att ha en uppfattad riktning.
Om filmen bryter mot den föreställningen har våra hjärnor problem med att koppla ihop saker och ting. . Föreställ dig att du och din videoklubb spelar in en skolpjäs med titeln Grönsaker är våra vänner. Eftersom det finns många frivilliga bestämmer du dig för att förutom videokamerorna i publiken ska du placera en kamera ovanför scenen, bakom kulisserna, som pekar mot publiken.
Det är dags för Mr. Tomatos stora entré. Han går in från vänster och rör sig till höger. Både uppe och nere kameror rullar och har Mr. Tomato i en lös närbild.
I efterproduktion skulle du märka att om du skär mellan dessa två bilder, skulle Mr. Tomato röra sig från vänster till höger i publikbilder, men rör sig från höger till vänster i kamerabilderna på scenen.
Det är vad som kallas att "bryta linjen". Tittarna förväntar sig att åtgärder på skärmen ska ha ett riktat flöde. Att hålla kameraperspektivet på ena sidan av en imaginär linje som löper parallellt med handlingen bibehåller den känslan av flöde.
Om du behöver bryta linjen, använd en neutral bild med karaktären vänd direkt mot eller bort från kameran som en buffert, så att scenens riktningsflöde tillfälligt stannar.
[Sidofält:Cutaways]
En annan teknik som låter en redigerare hålla programmet igång är användningen av cutaway shots eller B-roll.
I vårt tidigare exempel, istället för att klippa från handnärbilden till den omvända vinkelbilden av karaktären som kommer in rummet, kan du använda en cutaway. En bortklippt bild av en person som sitter vid ett skrivbord i rummet och tittar upp mot dörröppningen kan hålla scenen i rörelse, samtidigt som den effektivt introducerar en ny karaktär. Genom att använda cutaway igen kan du förkorta scenens längd, eftersom publiken förväntar sig att dörröppningen har fortsatt under cutawayen.
Scentempo är alltid beroende av själva scenens innehåll. Om du klippte en scen av en mamma som vaggade ett nyfött barn till sömns, skulle scentempoet vanligtvis vara mycket långsammare än om du klippte en biljaktsekvens.
Erfarna redaktörer är mycket försiktiga med scentempo. , att förstå att det kan vara skillnaden mellan en publik som är helt engagerad i berättelsen och en som pirrar på sina platser.