Varje vecka måste jag lämna min studio och gå till den lokala mataffären för att fylla på mitt kundkylskåp med kalla läsk. Varje vecka köpte jag samma variation av produkter. Förutsägbar. Rutin. En no-brainer. Så en dag hörde jag om en butik – längre bort – något svårare att nå, men en plats som uteslutande är tillägnad läsk. De har en miljon märken som jag aldrig ens hört talas om. Jag började prova deras bredare utbud av produkter. Vissa av dem var uppriktigt sagt hemska. Andra var inte bättre än vad jag vanligtvis hade köpt. Men några av dem var enastående och mina kunder verkade njuta av de nya alternativen. Nu kommer jag på mig själv med att dela upp min shopping mellan de två butikerna, men när jag tittar in i min studiokyl idag är jag förvånad över att även om några av märkena eller smakerna har förändrats - har jag egentligen ungefär samma totala antal "val" som Det gjorde jag innan jag utökade min shopping. Påminner mig lite om hur jag känner inför att redigera övergångar.
Tidigt under de dagar när NLE-programvaran precis började, hade de tidiga paketen en ganska begränsad smak av övergångsval. Några knepiga upplösningar, en handfull våtservetter och kanske några falska 3D-vändningar. Sedan plötsligt var varje redigeringsprogram packad med en gazillion valmöjligheter. Spinning, vridning, frakturering, formskiftande mängder av sätt att ta sig från bild A till bild B, inklusive en torkduk som heter "Fallande får."
Idag på mitt skrivbord kan jag välja mellan cirka tusen övergångar – var och en med variationer – allt med ett musklick. Vill du gissa hur många jag använder regelbundet? Japp, ungefär lika många som jag använde när jag fastnade för enklare programvara. Gör det att min video smakar tråkig och mindre än äventyrlig? Skulle mina videor bli bättre om jag använde fler av de övergångsalternativ som min programvara erbjuder? Kanske.
Men överväg detta. Kanske nittiofem plus procent av övergångarna du kommer att se mellan scenerna i en professionell video, TV-program eller film kommer att vara enkla klipp. Detta beror på att nästan 95 % av tiden berättaren helt enkelt behöver flytta från en karaktär till nästa eller den aktuella scenen till nästa utan att distrahera publikens uppmärksamhet.
Skärningen
När det utförs på rätt sätt är snittet i stort sett osynligt. Och osynliga övergångar är ett utmärkt verktyg när du vill hålla en publik fokuserad på innehållet i ditt program – snarare än att dra bort dem från innehållet för att beundra hur "coola" dina övergångar ser ut.
Det ovänligaste klippet... Men ibland, att använda ett klipp mellan två scener, går det bara inte, ja... klippa det (pun intended.) Du har förmodligen hört termen "jump cut" om du har varit med om video länge. Ett hoppklipp är resultatet av att klippa mellan två nästan identiska scener – till exempel skära en hosta från en kontinuerlig kamerabild av en person som talar. Denna typ av skärning orsakar nästan alltid ett oacceptabelt skakande hopp i tiden. Det är distraherande för i verkliga livet hoppar inte tiden över så. I verkliga livet ser vi personen som talar vid podiet och lider med den stackars stackaren tills deras hostanfall avtar. I video är det här tråkigt. Vi vill ta bort de distraherande hostorna, så vi klipper bort dem, men såvida vi inte har ändrat inramningen eller använder en cutaway-bild eller annan teknik för scenlappar, måste vi göra något för att dölja överhoppningen i tid.
Övergångar
Övergångar är användbara för detta. En page peeling, en push slide, en flash-frame – det finns massor av användbara övergångar för att täcka ett hoppsnitt. Men hur många behöver du i en video? För min smak verkar det alltid smartare att välja en övergångsstil och hålla fast vid den genom hela programmet. Så, till exempel, om jag använde en sidskalning för att täcka det första hoppklippet - varför inte bara använda samma övergång för varannan distraherande redigering? Ganska snart börjar publiken acceptera övergången som rutin och sedan är de fria att direkt gå tillbaka till att tänka på innehållet snarare än om en 3D-snurrande virvelövergång eller en lika mystifierande "drypande regn"-övergång kommer att dyka upp härnäst.
Andra standardövergångar som upplösning, (aka cross-dissolve eller cross-fade beroende på din programvara) har blivit industristandarder eftersom de i det traditionella videospråket ofta har använts för ett specifikt syfte. En upplösning i traditionell filmvokabulär innebär att tiden går. Men inte alltid. Kanske passar den "drömmande" naturen hos en långsam upplösning bara bättre med den stämning en video försöker uppnå. Poängen är att ha en anledning till att välja vilken typ av övergångar du använder så att du kan bygga ett visuellt ordförråd som din publik kommer att förstå.
Dela språk med en målgrupp
Jag har länge förespråkat att de övergångar du använder i dina videor ska betyda något. Återigen, tänk på din motivation. I träningsvideor gillar jag att länka övergångar (skjut bild åt vänster betyder att vi lämnar en lektion för ett exempel – tryck bild höger betyder att vi återvänder från exemplet till lektionen – sidskal skiljer lektionerna, etc.) för att skapa en specifik visuell vokabulär – för när publiken väl kommer ikapp gör det det lättare för dem att följa programmet.
Och fint. Jag håller med om att i vissa fall kan övergångar bara vara där för att de ser coola ut. Om du jobbar på en musikvideo för ett hårdrocksband och du bara längtar efter att använda hyperrymdpartikelexplosionsövergången – gör det. Men förstå att i slutändan påminner visuellt ordförråd mycket om verkligt ordförråd. Sättet du "talar" till din publik avslöjar mycket om dig.
Skulle det inte vara coolt att ha förmågan att "tala" i klassiskt videovisuellt ordförråd när du arbetar med en affärsvideo för en stor företagskund – byt sedan och krydda din visuella kommunikation med lite hippare "slang"-övergångar när jobbar du på något mer pirrigt? Och, hej, om du gör videon som motsvarar en psykedelisk rock and roll-konsert från 60-talet – då är den där bubblande övergången till explosion av explosion av chartreuse-amöbor bra. Verkligen. Nåväl, ibland. Kanske. Men jag hittade aldrig ett sätt att använda övergångsarbetet för "Falling Sheep" under 20 års redigering.
Medverkande redaktör Bill Davis skriver, filmar, redigerar
och gör voiceover-arbete för en mängd olika företags- och industrikunder.
[Sidofält:Redigeringens grundläggande grammatik]
Klippet – När den första bilden i en ny bild direkt följer den sista bilden i den föregående bilden har du den vanligaste redigeringen, klippet. Denna redigering innebär vanligtvis ingen förändring i tid eller plats. I den klassiska "Hollywood"-modellen skulle denna redigering vara osynlig för tittaren. Om det körs felaktigt blir det ett hoppklipp (se nedan).
The Cross Dissolve (eller Cross Fade) – När slutet av det utgående skottet tonar ut medan det inkommande skottet tonar in, har vi en korsupplösning. En grupp av det första klippets sista bildrutor sammansätts med en grupp bildrutor från framsidan av det andra klippet under upplösningen (en standard i vissa redigeringssystem är femton bildrutor från varje sida). Ett annat sätt att beskriva denna mycket använda övergång skulle vara opaciteten för det utgående klippets rörelser från 100 % till 0 % medan opaciteten för följande och överlappande skott gör det motsatta. Detta indikerar en ändring i tid eller plats eller både och.
The Wipe – Torket är en mycket märkbar övergång som inte används ofta i Hollywood eller TV. Ett klipp skjuter det föregående klippet "från skärmen" till höger, vänster, upptill eller nedtill. George Lucas använde den i Star Wars-serien. Indikerar vanligtvis ett kort tidsförlopp men antyder att de två klippen är relaterade.
Tona till svart – En toning till svart kan ses som en korstonning där det andra "klippet" är en helt svart bild, vanligtvis utan ljud. En tona till svart indikerar vanligtvis slutet på programmet eller kanske slutet på ett "kapitel" i berättelsen.
Jump Cut – Den mest grundläggande definitionen av ett jump cut är en redigering som bryter kontinuiteten i tid (och/eller ibland plats). Detta händer ofta när en del av filmen tas från mitten av en bild, till exempel en talking head-intervju, vilket får motivet att hoppa medan bakgrunden förblir densamma. Även om det gjorts avsiktligt av den franska nya vågen (och Woody Allens Deconstructing Harry från 1997), anses det vanligtvis vara ett misstag och rycker publiken och distraherar dem från berättelsen.