Att titta på film är ett klassrum i sig, men du måste verkligen ha rätt verktyg för att bli en kritisk tittare.
Alla bra regissörer är filmstudenter. De slukar film och tittar på hur deras kamrater valde att presentera manuset – deras skottval, övergångar, musik och form. För att få ut så mycket som möjligt av att se filmer och få nya sätt att filma scener och presentera idéer måste du börja med de grundläggande elementen som utgör varje film- eller videoproduktion. I den här kolumnen kommer vi att titta på dessa olika element och tillhandahålla en enkel guide som du kan använda för att börja din resa in i filmklassrummet.
Innan du börjar
För att verkligen ge en film din totala kritiska uppmärksamhet måste du ta avstånd och bli en totalt objektiv tittare. Detta kan vara svårt att göra, speciellt om filmen är välgjord och drar dig in i berättelsen med karaktärer som du börjar bry dig om, in i en situation som verkar oöverstiglig. Kommer de att fly? Kommer de att bli kära? Att hitta svaret drar dig bort från din primära uppgift, som är att studera de olika aspekterna av filmen, så att du kan växa i ditt eget filmskapande. Det finns en mycket enkel lösning, om än något tidskrävande:se filmen två gånger, en gång för att njuta och en gång för att studera. Snart kommer du att kunna göra båda samtidigt, även om det tenderar att minska din totala njutning av filmen.
När du tittar på filmen en andra gång för att studera den, dela upp den i dess olika scener, använd slow motion och steg framåt för att gå igenom den och studera redigeringspunkter och övergångar. Se hur scenens rörelse flyter från en handling till nästa. Lägg märke till regissörens skottval, skådespelarnas blockering, fotografichefens belysning. Studera filmen noggrant och hämta så många nya idéer som möjligt ur den.
Förbered dig för din studie genom att spela in dina favoritprogram och filmer på band eller genom att gå till den lokala videobutiken och hyra några filmklassiker på DVD. Oavsett om du använder video eller DVD kommer du att kunna se hur filmen skapades genom att gå igenom den ruta för ruta.
The Film Textbook
Som alla bra klasser har en film ett antal lättbegripliga kapitel eller element. När Videomaker redaktörer kritiserar ett videoprojekt med hjälp av deras Take 20-process, de tittar på belysning; redigering, inklusive pacing och kontinuitet; ljud – mikning, dialog, musik, ljudeffekter, övergripande klarhet och konsistens; berättelse; kameraarbete – komposition, användning av vinklar, bildval och skärmriktning; och slutligen, effekterna och grafiken. Under hela processen diskuterar och kritiserar de regissörens val. Du kan använda samma format för att kritiskt recensera en film. Du kan också lägga till element som visuell design, skådespeleri och övergripande regitekniker. Låt oss ta en titt på vart och ett av dessa element.
Kameran
När du tittar på filmens kameraarbete måste du bli medveten om inspelningen av de olika scenerna. Spelades scenen in handhållen eller Steadicam, på stativ eller docka? Fråga dig själv varför regissören valde just den typen av kamerastöd. Stämde kamerarörelsen med stilen och tonen i scenen, eller var det distraherande? Kamerarörelser ger djup och flöde till en scen, men om rörelsen är i fel takt eller tid eller i fel stil kan det vara väldigt distraherande. Du skulle inte vilja fotografera en mjuk kärleksscen med en mycket skakig, snabbrörlig handhållen kamera, och du skulle definitivt inte ta en subjektiv synvinkelbild av människor som springer för sitt liv genom skogen med en långsam rörlig kamera monterad på en docka.
Ta en allvarlig titt på kompositionen av bilden. Använde skytten tredjedelsregeln? Finns det gott om utseende och gångutrymme? Är skottstorlekarna lämpliga för nivån av engagemang och känslor? Många nya regissörer och skyttar glömmer skottstorleken när de filmar ett projekt. Kom alltid ihåg att ju mer känslomässigt fäste du vill ha i scenen, desto tightare blir bilden. Bredbilder är mindre känslomässiga och mer objektiva än snäva bilder.
Vilka kameravinklar använde regissören? Kameravinkeln säger mycket om motivet. En bild i hög vinkel, som tittar ner på motivet, får motivet att verka litet och obetydligt, medan en bild med låg vinkel ger motivet en känsla av makt och auktoritet. Vi kallar ofta bilder med sidledsvinklar på cirka 45 grader "holländska vinklar", och de brukar säga till tittaren att saker och ting inte står rätt till i världen. Att använda objekt för att rama in ditt motiv och kombinera intressanta kamerarörelser med lämpliga vinklar kan ge en enorm kraft till en scen.
Slutligen, bibehöll regissören bra skärmriktning och kontinuitet i bilder? Skärmens riktning är mycket viktig; det låter din publik följa handlingen utan att gå vilse. Genom att följa 180-gradersregeln och bibehålla en god känsla av tid och kontinuitet kan din publik bli en del av handlingen och fördjupa sig i filmupplevelsen.
Belysning
Belysning låter oss inte bara se handlingen, den hjälper också till att ställa in stämning, tid och plats för scenen. Observera hur chefen för fotografering eller regissören valde att lysa upp scenen. Förstärker skuggorna och ljuset scenen, eller finns det distraherande mörka eller ljusa fläckar? Är ljusets färgbalans lämplig för scenen? Ser nyckelljuset ut som om det kommer från en naturlig källa i scenen, eller är det ett mystiskt ljus? Att försiktigt scrolla igenom scenen kommer att besvara dessa frågor och visa dig de subtila förändringarna som regissören gjorde i ljussättningen när du fotograferade närbilder jämfört med långa bilder. Ljussättning är en konst som borde förstärka produktionen. Varje gång du tittar på en ny film är ljuslektionerna du hittar ovärderliga för att förbättra dina ljusfärdigheter och design.
Redigering
Redigeringstakten, placeringen av klippen och användningen av övergångar är kanske bland de enklaste och mest värdefulla lärdomarna du kan dra av att se en klassisk film. Titta noga på filmen ruta för ruta och se var redigeraren placerade klippet mellan två bilder. Kan redaktören ha klippt förr eller senare? Varför valde han eller hon att göra snittet vid den exakta punkten? Har redigeraren gömt klippet i en väldesignad matchad sekvens?
När du tittar på en film sekvens för sekvens, bild för bild, kan du bli förvånad över antalet klipp du hittar. En bra redigerare döljer klippen i välbildade matchade sekvenser, skär alltid i rörelse och bibehåller ett jämnt flöde från tagning till tagning. Detta flöde leder till en känsla av kontinuitet som gör scenen trovärdig och tidens gång rimlig. Observera detta flöde och ta lärdomarna till din nästa redigeringssession.
Ljud
Tyvärr förbiser nya filmskapare ofta ljud. När du studerar filmer, lyssna på ljudet utan att titta på bilden. Förmedlar ljudet historien och ger en känsla av vad som händer? Är ljudet rent och konsekvent, och visar det bra dynamiskt omfång? Finns det några punkter där ljudet är övermodulerat och luddigt? Är dialogen tydlig och koncis?
Se nu filmen med både ljud och bild närvarande. Fungerar musiken med bilden? Låter ljudelementen i dialog och effekter naturliga i det fonetiska landskapet och matchar det fysiska landskapet? Titta noga på filmen för att försöka avgöra hur ljudregissören mikade skådespelarna.
En av de tuffaste sakerna att göra inom ljudproduktion är att skapa ett tredimensionellt ljudlandskap som matchar ljudets nivå och ton med det fysiska utrymme där det skapas. Till exempel kommer en lavmikrofon placerad på en skådespelare som du ser på avstånd att låta väldigt onaturligt. Använd ett hagelgevär och placera det på avstånd från skådespelaren, så att rösten matchar avståndet vi ser. Dessa kommer inte att vara lika. Mikrofonen kommer att vara mycket närmare skådespelaren än man kan tro. För att öva på mikrofonplacering, välj en favoritscen från en film och försök duplicera ljudet du hör.
Effekter och grafik
Effekter och grafik är bara en liten del av de flesta filmer. Se hur filmskaparen använde öppningstexterna för att skildra stämningen i styckena, såväl som för att ge krediter där det är värt det. Var noga uppmärksam på alla specialeffekter, gå igenom dem bild för bildruta för att se hur de togs och försök identifiera tekniken bakom dem. Om bilden var datorgenererad, ser den verklig ut och passar den sömlöst med de verkliga sekvenserna? Kan du säga när regissören använder en matt målning, en datorgenererad bakgrund, en stuntdubblett eller en modell? Genom att noggrant undersöka filmen kan du börja din utbildning i specialeffekternas värld.
Slutprov
Berättelsen är naturligtvis den ultimata studiepunkten för alla kritiska tittare. Har berättelsen en karaktär du bryr dig om och som är i en situation som kommer att vara svår att ta sig ur? Fungerar skådespeleriet och regi med karaktären och berättelsen, eller verkar de vara i konflikt med varandra och drar uppmärksamheten till sitt hantverk istället för att förstärka berättelsen? Gör ditt bästa för att hålla dig avskild från berättelsen och dess karaktärer, så att du kan vara en objektiv observatör. Dela upp videon i dess väsentliga delar och njut av upptäckterna du kommer att göra när du går in i videoklassrummet.
Medverkande redaktör Robert G. Nulph, Ph.D., är en oberoende video-/filmproducent/regissör och undervisar i videoproduktionskurser på högskolenivå.