I en värld full av copycats och följdinflammationer är det inte alltid lätt att bli inspirerad. Men då och då, blandat i havet av likhet, kommer du att upptäcka ett riktigt original. Jag är inte den enda personen som fascineras av den ryske filmskaparen Andrei Tarkovskys arbete. Hans korta men spektakulära kanon av filmer, inklusive filmer som "Ivan's Childhood" (1962), "Andrei Rublev" (1966), "Solaris" (1972), "The Mirror" (1975) och "Stalker" (1979), är bland de mest innovativa filmkarriärerna i världshistorien.
Född i U.S.S.R. 1932 och med sin karriär främst inom gränserna för det kalla krigets Sovjetunionen, utvecklade den tidigare stillbildsfotografen en visuell stil som ingen annan. Tarkovsky trodde att den visuella bilden är det viktigaste sättet att förmedla känslor till en publik, och Tarkovsky gynnade alltid tittarnas taktila upplevelse med sina filmer framför narrativ struktur. Detta kan ofta vara en utmaning för en modern publik som förväntar sig att få en films handling och mening utlagd för dem på enkla villkor. Men Tarkovskij motstår dessa frestelser och tror att konsten borde vara öppen för tolkning, och väljer istället att leverera filmer täta i häpnadsväckande bilder vars betydelser ofta bara förstås vid flera visningar.
Han skar ofta, till synes efter behag, mellan berättelsebågar, karaktärer och till och med tidsperioder utan hänsyn till kontinuitet. I motsats till dagens filmer där regissörer tycks känna behovet av att klippa varannan till var tredje sekund, kom Tarkovskys genomsnittliga inspelningslängd in på ungefär en minut och åtta sekunder. Som en slow cooker skulle han låta spänningen byggas upp inom ramen tills publiken helt enkelt inte orkade mer då, och först då skulle han skära bort. Kort sagt, han bröt i stort sett alla "regler" för filmskapande du förmodligen någonsin har lärt dig. Och det var spektakulärt.
Så hur i hela friden gjorde han det? Vad är det som gör Andrei Tarkovskys bilder så hisnande? I sin grundliga primer på YouTube-kanalen Channel Criswell bryter Lewis Bond ner den gåtfulla filmskaparen i termer som alla fotografer/filmskapare kan förstå. Han beskriver saker som Tarkovskys användning av upprepade bakgrunder för att lägga till textur till sina scener. Hans användning av naturliga element, som regn, snö, vatten och dimma för att både jorda sina fantasier i verkligheten och höja hans verklighet till fantasins nivå.
Han visar hur Tarkovsky skulle använda tystnad för att öka spänningen och sedan introducera ensamma ljud i förgrunden som skulle understryka karaktärernas fysiska upplevelse i scenen. Tarkovsky var inte intresserad av ljudeffekter i syfte att skapa ljudeffekter, utan trodde att ljudet skulle avslöja huvudpersonens känslomässiga upplevelse.
Till exempel, i den berömda scenen från "The Mirror" när kvinnan hjälplöst tittar på när hennes hus brinner framför hennes ögon möts vi inte bara av den fantastiska bilden av huset som brinner, utan våra öron är också fyllda av det sprakande ljudet av lågorna. Denna typ av uppmärksamhet på detaljer sätter publiken direkt i vägen för karaktärens känslomässiga upplevelse och låter oss inte bara se vad som händer, utan också känna vad det händer.
Visst kan Tarkovskys filmer vara en utmaning för dem som är mindre vana vid konstnärlig film. Tarkovsky trodde att "konst symboliserar meningen med vår existens." Med sådana höga mål i åtanke är det ingen överraskning att hans speciella nivå av konst inte är den typ av sak som kan smältas under varaktigheten av ett Michael Bay-hoppklipp.
Men om du letar efter inspiration och är öppen för att bevittna de oändliga gränserna för kreativitet och fantasi, uppmanar jag dig starkt att kolla in Andrei Tarkovskys verk. Gå sedan ut och tänj på dina egna kreativa gränser och ta din konst till nästa nivå.
[via Channel Criswell]