De 50 videoredigeringstipsen som följer är en produkt av många års videoredigering, många timmars forskning och lärande av otaliga misstag. Jag hoppas att du kommer att kunna tillämpa dessa tips på dina egna redigeringsprojekt för att förbättra kvaliteten på ditt arbete och öka din hastighet och effektivitet.
Om du föredrar att ladda ner tipsen som en e-bok i PDF-format kan du komma åt dem här.
Vänligen njut!
1. Håll rätt takt – för snabbt och du kommer att tappa människor, för långsamt och du kommer att tråka ut dem
Som en allmän regel är det bättre att klippa en scen för snabbt än för långsam. Det finns inget värre än att tråka ut din publik. Som sagt, att förvirra människor genom att spela en scen för snabbt är en nära sekund.
2. Bestäm vad som driver scenen och börja med att redigera den
När du börjar redigera något, ta reda på vilket element som kommer att driva det framåt och använd det som ryggraden i ditt verk. Ibland är det rytmen i musiken, ibland är det ett dialogsamtal, ibland är det en sekvens av bilder och andra gånger är det ett motiv som en insticksbild av en tickande klocka som dyker upp med några sekunders mellanrum. Vad det än är, lägg in "drivrutinen" i din tidslinje först och låt den informera resten av redigeringsprocessen.
3. Använd reaktionsbilder
Reaktionsbilder gör mer än att bara visa vad en karaktär tycker eller känner om en viss händelse. De föreslår också vad tittaren själv borde känna – oavsett om det är rädsla, chock, lust etc. Dessutom ger reaktionsbilder tittaren ett ögonblick att smälta saker när de inträffar. Om filmen bara visade två boxare som slängde ut den i en ring utan att klippa till enstaka publikreaktionsbilder, skulle tittaren snabbt bli antingen överväldigad av den ständiga handlingen eller helt enkelt immun mot den.
Inte heller är bra. Det gäller komedi, skräck och nästan alla andra genrer du kan tänka dig.
4. Komprimera tiden för att förhindra tristess
Ingen vill se någon gå hela vägen över ett rum, gå uppför en hel trappa eller äta en hel måltid. Klipp mellan olika kameravinklar för att komprimera tiden och få handlingen gjord snabbare.
5. Utöka tiden för att intensifiera ett dramatiskt ögonblick, skämt, action etc.
Ibland är ett ögonblick så intressant, viktigt eller kraftfullt att det är vettigt att dra ut det lite. På samma sätt som skärning mellan olika kameravinklar kan komprimera tid, kan den också användas för att utöka den. Genom att visa samma händelse från flera vinklar kan du effektivt spela ut det på ett sätt längre än det faktiskt tog. Ett bra exempel på detta kan vara en basebollspelare som kliver fram till tallriken och slår en homerun. Tiden och spänningen för hela evenemanget kan förlängas genom att använda många olika skott av smeten, hans ansiktsuttryck, pitchern, publiken och många vinklar på planen, svingen och träffen. Mycket mer spännande än att spela det i "realtid".
6. Kom ihåg berättelsen och karaktärsbågarna
När du redigerar och väljer repliker och bilder från dina karaktärer genom en film, kom alltid ihåg vad som har hänt, som händer just nu och fortfarande inte har hänt. Se till att en karaktärs utveckling flyter på lämpligt sätt genom berättelsen.
Till exempel vill du inte att en karaktär ska verka för självsäker när han ännu inte har utvecklat den egenskapen genom händelserna i filmen. Om du någonsin behöver lite hjälp med att hålla reda på hur din berättelse flyter på och dina karaktärer utvecklas, här är några användbara filmredigeringstips. Hitta alla scener du redan har klippt tillsammans med karaktären du arbetar med. Lägg ut dem sida vid sida i den ordning du har dem i filmen och se dem. På så sätt kan du se en karaktärs progression och utveckling mycket snabbt, utan att behöva se hela din film och du kommer snabbt att få en uppfattning om huruvida utvecklingsordningen är vettig eller bör justeras.
7. Fortsätt bara att klippa
Ibland börjar idéerna inte flöda förrän du börjar se något på din tidslinje. När du hamnar på en kreativ vägspärr, ge inte upp. Fortsätt bara att redigera och prova olika sätt att tackla en scen, promo, vad som helst. Så småningom kommer du att göra något som kommer att inspirera dig och sätta dig in på rätt väg.
8. Matchklipp fungerar för både bild och ljud
Alla har sett en bild klippt från en scen med en närbild på en ögonglob till en annan scen med en solbild av samma storlek - eller någon variant av denna typ av bildmatchning. Men glöm inte att du också kan matcha klippt ljud. Här är ett exempel.
I scen A säger en kvinna "Jag skulle aldrig stjäla något från din butik, sir. Den enda personen jag ens känner som har stulit någonting är..." - klipp till scen B där en man skriker "Fletcher!" och pekar på kvinnans yngre bror när han springer ut från en butik med en TV-apparat. Matchklipp för ljud är ett utmärkt sätt att koppla ihop idéer mellan scener. Bli kreativ – det finns många möjligheter.
9. Skär först grovt, förfina sedan
Oroa dig inte för att arbeta med de små detaljerna i ett snitt när du först lägger ut det. Ta reda på din grova struktur först och börja sedan finjustera ramar och ljud. Detta ger dig den mest kreativa hastigheten och flexibiliteten när du skapar verket, utan att fastna i detaljer.
10. Klipp bilder i en dialogscen mellan klausuler, andetag eller precis innan intensiva leveranser
Använd dig av toppar i intensitet under en dialogscen, såväl som stunder av paus eller kontemplation. De är alla bra, naturliga punkter att klippa från en karaktär till en annan där skärningen i stort sett kommer att gå obemärkt förbi.
11. Skär på rörelsen
Detta är ett av de mest grundläggande videoredigeringstipsen som finns. Det enklaste sättet att göra ett snitt osynligt är att skära under någon form av rörelse. Detta kan vara en karaktärs rörelse, till exempel en huvudvändning, en handgest eller ett slag. Eller så kan du minska rörelsen på själva kameran. Ofta kommer kameran att panorera, dolly, luta och piska runt skärmen. Att skära på dessa rörelser kommer att hjälpa till att maskera dina redigeringar och skapa en mer sömlös upplevelse för tittaren.
12. Motivera dina nedskärningar
När nedskärningar är motiverade kommer de att verka mer naturliga och kommer inte att störa tittaren. Använd detta till din fördel för att skapa en mjukt flytande bit. Ett enkelt exempel på detta är en närbild på en karaktärs ansikte när deras ögon ser utanför skärmen, vilket motiverar ett klipp till något som de tittar på.
13. Använd infogningsbilder
Insticksbilder är närbilder av föremål i en scen (en uppsättning nycklar på disken som huvudpersonen bara glömde ta med sig när han sprang ut ur lägenheten i all hast) eller mycket speciella handlingar som händer (en hand som plockar upp ett glas vin från bordet). Infoga bilder kan hjälpa till att övergå till scener, mer fullständigt definiera vad som händer genom att fokusera tittarens uppmärksamhet och ge information om en miljö genom att visa detaljerna som finns i den. Insertbilder ger också stor mångfald i skottkompositioner inom ett snitt, vilket bryter upp monotonin hos medelstora bilder som kan tendera att plåga ett stycke.
14. Titta på en skådespelares ögon för att veta när du ska klippa
I allmänhet kommer en skådespelares ögon att ge dig en bra indikation på när det är dags att skära bort till en annan karaktär, ett objekt i scenen eller helt enkelt till en annan kameravinkel. En ögonrörelse kan ses som en liten version av skärande rörelse, såväl som ett sätt att motivera en redigering. När du är osäker på när du ska klippa, titta på ögonen!
15. Använd kamerarörelser för snabbare tempo
Ett bra sätt att ge intryck av intensitet och action är att använda kamerarörelser. Uppenbarligen bestäms tillgängligheten för bilder med en rörlig kamera under filmning, men om du har dem tillgängliga för dig och vill förstärka handlingen lite, glöm inte att använda dem. Dessutom, när du klipper från en rörlig bild till en annan, minskar du automatiskt alltid på rörelsen och kommer därför att ha fler möjligheter att göra smidiga redigeringar. Som ett resultat kommer du att kunna minska varaktigheten av enskilda skott och snabba upp tempot på det sättet också.
16. Hoppskärningar är inte alltid dåliga
Publiken är mer förlåtande nu. För ett decennium eller två sedan brukade det vara en hård och snabb regel att du aldrig skulle göra ett hoppsnitt. Inte så längre. Visst, ett hopp i en känslomässig, dramatisk scen kan fortfarande vara lite besvärlig och distraherande. Men hoppnedskärningar i action, skräck, till och med komedi har blivit mycket mer acceptabelt än tidigare. Jump cuts kan ge ditt verk en edgy, stilistisk känsla och även fungera som en anordning för att skrämma eller överraska publiken. Men som med de flesta saker är tricket att inte överanvända dem.
17. Klipp ut när tittaren är distraherad
Det här videoredigeringstipset är lite generellt, men jag ville ta med det eftersom det illustrerar ett viktigt övergripande koncept. Oavsett om du skär på rörelse, stora ljud eller intensiva ögonblick, är nyckeln att generellt klippa när din tittare är distraherad. Tänk på det som en trollkarl som distraherar sin publik med blommor och berättelser, som avleder deras uppmärksamhet från det slarv som pågår bakom kulisserna som skapar hans trick. Det här tipset guidar dig extremt väl i otaliga redigeringssituationer.
18. Tonar till svart och startar nya scener – korsupplösningar indikerar att tiden går
Detta är ett ganska grundläggande tips, men bra att komma ihåg. Det finns många redaktörer som försöker undvika att använda någon av dessa effekter – eftersom de tror att en bra redigering kan göras med rätt motiverade raka klipp. Jag tror dock att blekningar och upplösningar fortfarande har sin plats under de rätta omständigheterna. Se bara till att använda dem sparsamt och korrekt.
19. Se till att kameravinklarna mellan liknande bilder ändras med minst 45°
Om du måste skära från på bilden till en annan bild av samma motiv, försök att se till att vinkeln på den nya bilden skiljer sig minst 45° från den första. Annars kommer snittet att vara skakigt och se ut som ett misstag. Om du inte kan skära till en tillräckligt annan vinkel, försök att skära bort till ett annat motiv – eller överbrygga gapet med en insticksbild.
20. Variera kameraavståndet när du tar bilder av samma motiv
Detta liknar den tidigare regeln. Såvida du inte klipper något stilistiskt är det bäst att ha en väsentlig förändring av kameraavståndet när du klipper in eller ut från samma motiv. Försök till exempel att inte klippa från en extrem närbild till en närbild. Försök att gå från en ECU till ett medium eller brett skott istället. Det kommer att kännas lite mer naturligt och hjälpa till att hålla snittet närmare osynligt – vilket vanligtvis är målet.
21. Använd upplösningar på huvuden och svansarna av ljudet för att förhindra poppar
Nästan alla redigeringsprogram har ett ganska snabbt sätt att applicera ljudtonar och upplösningar. Använd dessa på kanterna av dina ljudklipp för att mjukt tona in och ut ur ljudeffekter, dialog, rumston, musik etc. Även om du bara har utrymme att använda en 1 eller 2 bildruta upplösning efter att ett ord har sagts, använd det. Dessa upplösningar kommer att jämna ut din ljudmix och förhindra "popping".
22. Doppa musik och ljudeffekter under dialog
Om din dialog och berättande är svåra att höra, kommer tittaren att tillfälligt bli förvirrad när de försöker förstå vad som just sas. Detta är tröttsamt för tittaren och orsakar i slutändan frustration, förlust av intresse och svårigheter att fördjupa sig i verket.
23. Använd inte cheesy VFX
Ingenting skriker "amatör" mer än stjärnservetter, glittrande utväxlingar och pagelockar. Undvik dessa effekter som pesten, såvida inte din video ska se retro/ostlig ut.
24. Tajma din musikredigering för maximal effekt
Spara din musik till viktiga ögonblick och börja sedan spela den — eller redigera musiken så att de största, mest intensiva delarna av den inträffar vid de rätta ögonblicken i klippet. Det kommer att peka på tittaren och låta dem veta att det de tittar på är betydelsefullt på något sätt, oavsett om det beror på att ett ögonblick är spänningsfullt och något läskigt är på väg att hända eller att det de ser är en viktig del av berättelsen.
Naturligtvis finns det många undantag från den här regeln, men om du kan anstränga dig för att använda musik lite sparsamt kommer det att få mycket mer genomslag i ditt verk.
25. Använd kompressorer för dialog och berättarröst efter behov
Kompressorer tjänar till att jämna ut toppar och dalar i ett ljudstycke. De har många användningsområden men en av mina favoriter är att applicera en liten kompressor på dialog- och berättarrader som annars kan vara svåra att höra i avsnitt med många andra ljudeffekter eller musik. Kompressorn kommer att förstärka några av de lägre nivåerna i dialogen, vilket säkerställer att ord inte går förlorade eller hörs fel. Var bara försiktig så att du inte skruvar upp kompressorn för mycket, annars kommer du att få väldigt konstgjordt klingande robottal.
26. Se till att dina ljudnivåer inte är på topp
Detta är ett av de mer grundläggande filmredigeringstipsen men det är lätt att tappa greppet. Var särskilt uppmärksam under scener med mycket action eller skrämmer, eftersom de oundvikliga flera ljudspåren kan pressa din mix till rött mycket snabbt.
27. Mixa alltid i stereo eller bättre — aldrig mono
Mixning är stereo ger dig möjligheten att panorera ljud åt vänster och höger för coolare ljudeffekter (bilar som kör förbi, en röst som ringer utanför skärmen, etc). Stereomixar tenderar också i allmänhet att få mindre leriga ljud och ge dig lite mer utrymme för ljud innan det börjar toppa.
28. Använd reverb och d-verb för att skapa ringsignaler vid musikstopp
Det här är ett riktigt coolt trick som används hela tiden i trailerbranschen men det är användbart för alla typer av redigering. Om du vill att din musik ska stanna vid en punkt innan dess naturliga slut men inte vill att den ska låta för abrupt, prova detta. Hitta en nedgång av musiken i området där du vill att musiken ska sluta. Lyft ut vad som helst i det musikspåret efter takten och använd en d-verb eller efterklangseffekt på det nu sista taktslaget. Ändra längden och typen av verbeffekten beroende på hur lång du vill att utringningen ska vara. Detta kommer att ge dig ett trevligt rent musikstopp som löser sig och inte låter abrupt. Perfekt för att stanna vid ett ögonblick av nedslag eller precis innan en skämtpunchline levereras.
29. Använd ljud för att byta scener
Ett bra videoövergångstips är att förlappa ljud från nästa scen under slutet av strömmen. Till exempel, när två personer avslutar en konversation i sin lägenhet och bestämmer sig för att ta en resa till Paris, tona gradvis upp ljudet av ett flygplan som landar under videon där deras konversation avslutas. Då kan du skära till flygplanet som landar i Paris utan att det verkar för plötsligt eller oväntat. Det här är väldigt likt att motivera ett klipp, i den meningen att det pekar på din tittare och låter dem veta vad de kan förvänta sig så att de inte blir förvirrande eller oavsiktligt förvånade.
Det finns många fler kreativa sätt att använda ljud för att växla mellan scener, men det här är ett av de mest grundläggande och användbara.
30. Använd ljuddesign för att forma ögonblick och bygga upp och släppa spänningar
Du behöver inte alltid förlita dig enbart på din musik för att utveckla stämningen i en scen. Var inte rädd för att använda drönare, hits, metalliska stön och andra användbara ljuddesignelement för att bygga upp atmosfären i en scen och vägleda tittarens känslor. Att använda ljuddesign kräver faktiskt lite övning, men det låter dig agera som en kompositör medan du redigerar och verkligen få kontroll över humör och ton.
31. Anpassa och använd kortkommandon
Alla har sitt eget sätt att arbeta med en dator - men vissa är bara snabbare. Jag har alltid funnit att användning av kortkommandon när du redigerar - eller gör vad som helst på datorn - kommer att DRASTISKT öka hastigheten med vilken en redigerare kan arbeta.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
————
Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!