Konst är subjektiv till sin natur. Dess definition kan variera från person till person. Det som verkar konst för en kan vara skräp för en annan. Efter gatufotografering är konstfotografi det mest diskutabelt begreppet. Vad är konstfotografi?
Du kommer att hitta många debatter över internet om dess definition. Allt detta gör att det verkar skrämmande att börja inom konstfotografering, vilket är anledningen till att den här artikeln tar dig igenom allt du behöver, från tips att följa till klichéer att undvika.
Vad är konstfotografi?
Den viktigaste aspekten av konstfotografi är fotografens vision. Det handlar inte om verkligheten eller vad som finns framför kameran. Allt handlar om budskapet eller känslan som fotografen vill framkalla när någon bevittnar den bilden.
Konstfotografi kan ibland skilja sig mycket från verkligheten. Men du kan fortfarande ta realistiska dokumentärbilder samtidigt som du gör konstfotografering.
Låt oss gå in på en massa tips och idéer som du kan använda för att komma igång med konstfotografering.
1. Skapa en sammanhållen arbetsgrupp
Ett verk betyder en samling bilder som är något relaterade till varandra. Det kan vara samma typ av ämne eller aktivitet eller till och med en bearbetningsstil. Ibland räcker det inte med en enda bild för att förmedla en fotografs verkliga känslor eller vision.
Till exempel skapade jag ett litet verk som heter Bustle. Jag samlade 15 av mina bilder som skildrade aktiviteterna hos människor som myller mot sina destinationer i deras dagliga liv.
Några av bilderna i den samlingen finns ovan. Lägg märke till i varje bild hur benen på personerna är i rörelse. Denna ena sak är gemensam för alla bilder tillsammans med samma bearbetningsstil. Och det är så de är relaterade.
För ett anständigt arbete, samla in minst 10-15 bilder som är starkt relaterade till varandra på något sätt som tittaren lätt kan identifiera.
2. Följ berömda konstfotografers arbete
Jag vet att det här tipset är för uppenbart. Jag hatade det också i början. Men det är verkligheten som vi alla måste möta.
Konstfotografi är en mycket svår nisch och ingen bok, artikel eller workshop kan lära dig bättre än att studera verk av kända konstfotografer själva.
Ta Annie Leibovitz till exempel, den berömda konstporträttfotografen. Hon använder en unik ljusstil tillsammans med djärva färger och poser. Josef Sudek och Philip-Lorca Dicorcia är ytterligare några fotografer vars verk du bör kolla in.
Välj en konstfotograf du gillar och studera deras verk. Analysera hur deras bilder är kopplade till varandra. Se vad som gör dem speciella.
3. Fotografera inte endast i svartvitt
Jag vet att det första som kommer att tänka på med konstfotografi är svartvitt. Jag har inkluderat en lista över klyschor människor gör inom konstfotografering senare i den här artikeln, men eftersom att använda monokrom är det värsta av allt diskuterar jag det här i detalj.
En majoritet av professionell konstfotografering är i svart och vitt. Men det beror bara på att svartvitt minskar distraktionen och låter dig fokusera mer på budskapet i ett fotografi.
Men du kan fortfarande uppnå samma sak med renare och mer stökiga kompositioner. Kolla in dessa två bilder från mitt projekt Standing Tall. Båda dessa bilder är tagna i helt olika miljöer, d.v.s. en i urban och en i lantlig miljö.
På grund av de enkla kompositionerna är färgversionerna mycket bättre och kraftfullare än svartvitt.
Det är konceptet som gäller. Konvertera dina bilder till monokroma endast om det verkligen tillför mervärde.
4. Ha ett artistuttalande redo
Att skriva ett artistuttalande innan ett projekt påbörjas är till stor hjälp. Det rensar tankarna om vad ditt projekt handlar om. När ditt uttalande är klart blir det lätt för dig att leta efter ämnen och minimera distraktioner i dina bilder.
Konstnärens uttalande behöver inte vara fullt av teknisk jargong eller långa stycken. Håll det kort och koncist.
Skriv till att börja med två eller tre meningar som ger en överblick över ditt projekt. Förklara sedan hur dessa idéer presenteras i ditt arbete. Det är det.
Här är ett exempel som jag använde för mitt ovanstående projekt Bustle.
Marknadsplatser och busshållplatser är de platser där du alltid hittar folk som har bråttom. De rusar mot sina destinationer. De har inte tid att stanna upp och tänka på vad som händer runt omkring dem.
Jag älskar att fånga människor när deras vakter är nere. Mitt arbete består av fotografier där mina motiv är människor som myser mot sin destination. Alla bilder här är tagna i en rent uppriktig form.
För gallerier och andra professionella utrymmen kan du behöva en komplett artist-BIO eller ett fullständigt artistuttalande, men det ligger utanför den här artikeln.
5. Använd slutartid för att ändra verkligheten
Eftersom konstfotografering handlar om konstnärens vision kan du använda olika tekniker för att framhäva ditt budskap . Detta kan vara en specifik typ av efterbehandlingsteknik, i kameralurar eller komposition.
I bilden ovan ville jag betona havets ensamma men aggressiva natur. En snabb slutartid som 1/200 av en sekund kan frysa rörelsen. För långsamt och det kan ge en känsla av lugn.
Jag gick med 1/15-dels sekund, vilket ger ungefär rätt mängd rörelse.
Du kan använda den här tekniken för att flytta människor, bilar , etc., för att ändra scenerna och ge dem en specifik betydelse. Försök att visa något som våra ögon inte är vana vid att bevittna i verkligheten.
6. Använd unika färggraderings- och bearbetningsstilar
Svartvitt är för vanligt. Alla använder det. Att ha en unik bearbetningsstil eller färggradering är mycket viktigt för en konstfotograf. Det hjälper människor att känna igen ditt verk.
Ta målaren Vincent van Gogh. Han har en mycket distinkt stil i sina målningar. Om du känner honom kommer du förmodligen att känna igen hans målningar bland hundratals andra målningar. Det är kraften i en signaturstil.
Du kan inte skapa ett verk bara på bearbetningsstil, men att ha en konsekvent och unik stil hjälper dina bilder att bli mer sammanhållna och sammanlänkade.
7. Använd ett ämne för ett helt projekt
Du kan använda ett specifikt ämne för hela ditt arbete eller ett miniprojekt om du vill . Det är en bra början för ett konstfotograferingsprojekt för nybörjare.
Det är lätt att planera och genomföra. Resultaten är mer konsekventa. Och du kommer att lära dig grunderna samtidigt som du fokuserar på bara ett ämne.
Christian Richter är en tysk fotograf som gjorde en komplett serie på övergivna platser i Europa.
Jag bor i ett land i Mellanöstern, Oman, som är full av gammal islamisk arkitektur. Så jag gjorde ett projekt som heter Arches of Oman och fotograferade valv i olika byggnader och moskéer.
Du kan välja vilken specifik aktivitet, plats eller tema som helst för att starta ditt första projekt.
Undvik dessa konstfotografiska klichéer
Jag har förklarat de grundläggande tipsen och tricken för att börja med konstfotografering. Men eftersom konst är väldigt subjektivt, är det väldigt viktigt att förklara klichéer också.
Jag är trött på att se vaga och aningslösa bilder som publiceras som konstfotografi. Så här är en snabb lista över klichéer som du måste förstå innan du börjar. Och då bör du undvika dem.
1. Extremt vaga bilder
Konstfotografi är ingen gåta som du behöver knäcka. Om ditt koncept är lite vagt, presentera ett komplett arbete så att det blir lätt för människor att förstå.
2. Brusiga och korniga bilder
Ibland fotograferar du i extremt svagt ljus och det skapar brus. Det är förståeligt.
Det är inte okej att lägga till korn i inlägget bara för att täcka en dålig exponering eller för att få det att se ut som om det är filmat.
3. Starka vinjetter
Vinjetter hjälper till att fokusera tittarens uppmärksamhet på motivet. Jag personligen gillar att använda dessa, oavsett om det är i konst eller någon annan typ av fotografering. Jag använder det som ett stilistiskt val, och jag uppmuntrar dig definitivt att prova det.
Men lägg inte till en stark vinjett bara för att få bilden att se ut som om den är tagen på film. Eller för att försöka dölja dålig komposition.
Slutsats
Så vad är konstfotografi? Konstfotografering går längre än vad som faktiskt finns framför kameran. Det är en konstnärs mycket personliga tolkning av en situation som kan skilja sig mycket från verkligheten.
Konstfotografiets kärna är att förmedla en viss känsla eller ett budskap genom ditt fotografi. Kameran är bara ett medium.
Du gör allt som krävs för att förmedla ditt budskap. Oavsett om du behöver använda tekniker i kameran eller efterbehandling. Att presentera dina bilder som ett sammanhängande verk tillsammans med ett artistuttalande är inte bara professionellt, utan det förmedlar också ditt budskap tydligare.
Behöver du en konstexamen för det? Enligt min mening nej. Det är till hjälp att förstå historien och hur konstfotografi har utvecklats. Men det är inget måste.
Det viktigaste är att träna din syn och använda din fantasi för att få fram något unikt ur vanliga situationer.