Kanske är ingen, inte ens skådespelaren, mer ansvarig för hur en föreställning tar form än redaktören.
Visst, skådespelaren måste leverera varorna under produktionen, och det är en del av regissörens jobb att forma den föreställningen i repetitioner och start. Men i slutändan är allt det hårda arbetet bara råmaterial som väntar på att bli skulpterat till sin slutliga form av redaktören. Detta är inget nytt koncept. I sina experiment från 1910- och 1920-talen bevisade den ryske filmskaparen Lev Kuleshov att tittare tillskriver skådespelaren sina egna känslomässiga reaktioner när de tittar på en bildsekvens. Inte överraskande. detta har blivit känt som Kuleshov-effekten.
Och det är förstås vad publiken så småningom ser. Inte något av det råmaterialet, utan små bitar av det, noggrant sammansatt och konstruerat till en sammanhållen föreställning.
För er som är nyfikna på vad exakt en redigerare gör för att få en föreställning att lysa, har vår vän Sven Pape från This Guy Edits (en av de jävla bästa YouTube-kanalerna som finns för att lära sig konsten och hantverket att redigera film), en fantastisk video för du. Kolla in det:
Sven har några riktigt användbara tips i den här videon, särskilt när det kommer till att arbeta med bilder av amatörer och icke-professionella skådespelare. Här är en sammanfattning:
1. Ta bort bitar av dialog som inte fungerar eller inte är nödvändiga
Detta är förmodligen det viktigaste tipset här. Bara för att en dialoglinje spelades in på inspelningsplatsen betyder det inte att du måste använda den i den färdiga filmen. Om det inte är 100 % nödvändigt eftersom det driver berättelsen framåt, bör den ligga på bordet för att tas bort.
2. Bli vagare i ditt berättande
Om allt är perfekt formulerat för publiken kan det få dem att tappa intresset eller hoppa framåt, och därför ta dem bort från scenen. Så dra ut ögonblick strategiskt för att få publiken att undra över sammanhang och undertext. Att vara för vag kan naturligtvis förvirra publiken, så hitta en bra balans mellan att ge och undanhålla information.
3. Vänd dialogen runt
Du kan blanda och matcha dialoglinjer för maximal känslomässig effekt. Var bara försiktig med att ändra innebörden för mycket.
4. Använd reaktionsbilder generöst
Några av de bästa, mest känslosamma ögonblicken kommer när skådespelaren inte pratar, utan istället lyssnar och reagerar. Att dra nytta av detta kan också öppna upp stora möjligheter för att arrangera om och skära ner en scen.
5. Kom sent, gå tidigt
Den känslomässiga kärnan i en scen, allt det bra som verkligen gör eller bryter en föreställning, händer vanligtvis mitt i en scen. Det är här ditt fokus bör vara.
6. Klipp ut "processen"
Detta liknar det tidigare tipset. Ofta börjar och slutar scener med en beskrivande dialog som inte är nödvändig eftersom publiken tydligt kan se vad som händer. Klipp ut fluffen och kom bara till det goda.
7. Spela upp dialog utanför kameran
Detta går rätt i linje med tanken på att använda reaktionsskott mycket, men det går längre än så. När dialogen är utanför skärmen frigör den dig för att göra alla möjliga kreativa saker, inklusive de flesta andra tipsen ovan. Så använd reaktionsbilder, POV, cutaways och liknande.
8. Visa inte svaghet
När du stöter på små bitar av en föreställning som inte känns rätt, försök hitta ett sätt att klippa bort dem eller klippa runt dem.
9. Använd intet ont anande ögonblick som fångas av kameran
Ibland fortsätter kameran att rulla före eller efter en tagning, och ibland fångar den riktigt autentiska ögonblick. Det kan vara så enkelt som ett litet leende eller en besvärlig blick.
Det är värt att notera att ju mer professionellt skrivande, regi och skådespeleri är, desto mindre sannolikt är det att du behöver några av dessa tips. Ändå, för de av oss som arbetar med lågbudgetproduktioner och redigerar scener med icke-professionella skådespelare, kan dessa redigeringstekniker hjälpa dig att skapa otroliga prestationer och få den fulla Kuleshov-effekten, även om råmaterialet var lite grovt.