När du börjar med filmskapande lär du dig många saker praktiskt, men utan någon formell instruktion kanske informationen du upptäcker inte är korrekt. Oavsett om det är kunskap som samlats in online eller något du har hört från andra videografer, har du oundvikligen stött på några "myter" om processen. Låt dig inte luras! Vi är här för att sortera fakta från fiktion genom att slå hål på dessa vanliga produktionsmyter.
MYT #1 – hagelgevärsmikrofoner kan "zooma in" för att fånga ljud
Att spela in bra ljud är hörnstenen i praktiskt taget alla videor du skapar. Även om dålig video (för det mesta) kan korrigeras i efterproduktion, kan inte mycket göras för dåligt ljud. Det är därför avgörande att spela in bra ljud från början och när du söker efter sätt att få bättre ljud kan du stöta på myten att hagelgevärsmikrofoner kan zooma in.
Detta är dock helt falskt. Det är en lockande idé för filmskapare (en anledning till att myten fortsätter att gå runt) eftersom en sådan mikrofon skulle tillåta dig att hålla bommen längre bort, vilket ger fler bildalternativ när du filmar. Det är inte så här hagelgevärsmikrofoner fungerar.
Bara för att den här myten inte är sann betyder det inte att hagelgevär inte är en otrolig utrustning att ha. De är helt riktningsbaserade mikrofoner. Deras smala fokuseringskon gör att periferiljuden är dämpade, så även om du spelar in under mindre än idealiska förhållanden kommer du fortfarande att kunna få kvalitetsljud medan du filmar.
Hagelgevärsmikrofoner kanske inte "zoomar", men de är ett utmärkt verktyg för att isolera ljud på avstånd som du inte kunde riskera med andra mikrofoner. Avståndsräckvidden du har varierar mellan märket/typ av hagelgevärsmikrofon du köper, hur den är monterad och det allmänna mönstret för upptagning. Oavsett vilket är det en solid utrustning som varje filmskapare borde ha tillgänglig.
MYT #2 – Ju större sensor, desto grundare skärpedjup
Större är alltid bättre för det mesta när det gäller kamerasensorer, men med åren har det kommit en idé om att ju större din kameras sensor, desto bättre skärpedjup får du. Detta spelar en roll för att komma närmare det filmutseende som många strävar efter, men en större sensor är inte nödvändigtvis lika med att minska skärpedjupet i din bildruta.
Skärpedjup är ett resultat av tre faktorer:bländare, brännvidd och avståndet från ett objekt. Lägg märke till hur ingen av dessa faktorer nämner din sensorstorlek. Som med det mesta inom filmvärlden kräver att få det skärpedjup du önskar noggrann skottplanering och uppmärksamhet på principerna för ramdesign.
Som sagt, denna myt är inte helt avbruten, eftersom storleken på din kamerasensor är relaterad till skärpedjupet. En större sensor ger bättre bildkvalitet och ökad brännvidd, vilket kan förbättra utseendet du är ute efter. Ännu viktigare, du behöver inte oroa dig för beskärningsproblemen som mindre sensorer har.
Enkelt uttryckt kommer en mindre sensor att beskära en bild, vilket minskar synfältet på en ram. Om en stor sensorkamera och en kamera med en mindre sensor spelade in på exakt samma plats, skulle du se mindre av bilden från den mindre sensorn. Du kan uppnå samma vy som en större sensor genom att backa bort kameran, men nu ändrar du brännvidden, vilket i sin tur gör det mycket svårare att uppnå kort skärpedjup.
Ja, en större sensor kan spela en roll för att ge dig ett stort skärpedjup på ungefär samma sätt som en bättre kamera alltid kommer att göra det lättare att uppnå dina visuella mål. Ingenting kommer automatiskt att ge dig ett grunt skärpedjup, så oavsett vilken utrustning du har tillgänglig, se alltid till att planera dina bilder därefter. 
MYT #3 – 24p kommer att ge dig "filmlooken"
I den digitala filmskapandets tid är ingenting mer eftertraktat eller sagolikt än "filmutseendet". Det är ingen hemlighet att filmer som du ser på den stora skärmen ser annorlunda ut än de som spelas in på konsumentkameror. Varje storögd filmstudent hör viskade råd om hur man kan åstadkomma filmutseendet och lyfta sina projekt. I din egen sökning kan du stöta på det här svaret:24p.
Denna myt härrör från en uppenbar källa. Film spelas in med 24 bilder per sekund (fps) medan digital inspelning sker med 29,97 fps. Således tillskriver många den visuella skillnaden att den har att göra med detta. Bildfrekvens är dock bara en del av problemet och att bara byta kamera för att spela in i 24p kommer inte att ge dig filmutseendet - om det bara vore så enkelt.
Sanningen är att filma med 24p bara är en del av ekvationen för att få utseendet och känslan av film på digitala enheter. Olika kameralinser och din belysningsinställning är viktiga faktorer för att få filmens utseende precis rätt; mer än att spela in vid 24p. Även om justering av bildhastigheten kommer att påverka utseendet på ditt projekt, är det allmänna uttalandet "24p ger dig filmutseendet" falskt. Andra element behövs och extra utrustning kommer att krävas. Om du planerar ett projekt med detta i åtanke, måste du se till att du har alla verktyg och budget som behövs för att få det att hända.
MYT #4 – Svart och vitt gör allting elegantare
Svart och vitt som estetik är i allmänhet väldigt klassiskt. Detta är trots allt det enda sättet som filmer från vårt förflutna gjordes på. Än idag använder filmskapare det för att skapa vissa känslor hos publiken, men det betyder inte att det är lämpligt för alla situationer.
Att spela in i svartvitt kräver en hel del eftertanke för att använda rätt. Att bara dyka upp och bestämma sig för att göra det så att din video känns "klassisk" kommer inte att fungera. Uppriktigt sagt kan det faktiskt vara mycket svårare att spela in i svartvitt samtidigt som det ser bra ut än att filma regelbundet.
Belysning för svart och vitt är dramatiskt annorlunda och kräver mer eftertanke för att säkerställa att du får det rätt. För många är designvalet en eftertanke där man försöker lägga till effekten i efterproduktionen. Ofta är detta katastrofalt. Istället för att få en klassisk känsla till sina scener, slutar de med en bild som bara ger mer uppmärksamhet åt det faktum att det är ett digitalt verk.
Det finns en viss sanning i denna myt i att inspelning i svart och vitt kan ge ditt projekt en unik, klassisk/sofistikerad känsla. Men att få det att se ut som du vill betyder att du måste planera att fotografera för det långt i förväg. 
MYT #5 – Vitbalansen "måste" göras på ett vitt kort
Vitbalans är föremål för många myter inom filmskapande världen, med vissa anser att det är ett botemedel för alla färgbalansproblem, men ingen av dem är nödvändigtvis sann. Vitbalansering av dina kameror för en fotografering är ett viktigt steg, och du vill se till att det görs korrekt. Det är här en annan myt har smugit sig in, som får en del att tro att korrekt balansering kräver ett vitt kort.
Detta betyder inte att det inte finns tillfällen då det är nödvändigt att använda ett rent vitt kort, bara att det inte är det enda alternativet du har. Vitbalansering kan göras med vilket neutralt föremål som helst, så länge det inte innehåller några ytterligare färger.
Det finns tillfällen då att använda vitt för din balansering motverkar dig, snarare än att förbättra kvaliteten på ditt skott. Sättet som mänskliga hjärnor uppfattar färg på skiljer sig ofta från hur de ser ut när de spelas in på kameran (dvs de flesta människor associerar varmare nyanser för morgontid och kallare/mörkare toner för kvällar). Även om färgtoner/temperaturer är viktiga att ha i åtanke när du belyser dina scener, är det också en faktor för hur du vitbalanserar din kamera.
Hindra inte dig själv genom att bara använda ett vitt kort för att balansera. Experimentera gärna med andra alternativ så kanske du hittar ett objekt som fungerar bättre för ditt projekt. Se till att du har din kamera justerad och balanserad som du vill ha den innan du rullar på en scen. Att balansera för en nattscen och sedan byta till en dagtid utan att ändra balansen kommer att orsaka alla möjliga problem senare.
Det "enkla sättet" fungerar sällan
Myter och felaktigheter finns i överflöd i filmindustrin och när du börjar eller lär dig allt på egen hand är det svårt att hålla reda på vad som är sant eller falskt. I filmskapande, som med alla myter, om det låter för bra för att vara sant, är det förmodligen det. Oavsett om det är berättelser eller liveevenemang är det viktigt att se till att du tar dig tid och har en plan för dina projekt.
Lägg inte fast ditt projekts framgång på zoomande mikrofoner och en idiotsäker metod för filmutseende. Lägg ner kraft och benarbete för att göra det till det absolut bästa projektet du kan, med den utrustning och erfarenhet som finns. Du kan bara jaga en myt så långt innan den bränner dig.
Sidofält:Gör din forskning (bli inte lurad)
Myter sprids och frodas eftersom de ofta innehåller en kärna av sanning. För de som börjar, är det stora internet ett bra ställe att leta efter tips på. Faran är dock att inte all information är korrekt, och du kan finna dig själv att falla för fler myter än bara de vi har nämnt.
Undvik att bli lurad genom att forska och ta dig tid att läsa igenom allt du hittar. Det första svaret/lösningen du hittar på just din fråga kanske inte alltid är det korrekta. Tveka inte att dubbelkolla med andra källor och fördjupa dig i ämnet ytterligare. Det är det enklaste sättet att se till att du får så exakta råd som möjligt.
En annan metod är att se till att du får information från trovärdiga källor. Till exempel, att få mikrofontips från en person på ett forum på en slumpmässig webbplats kanske inte är lika tillförlitligt som en officiell artikel om en filmresurs (som vi). För att inte säga att all information du hittar när du pratar med dina andra videografer är felaktig eller dålig, det kanske inte är exakt vad du behöver. Eller så kanske de får sin information baserad på exakt samma myter som vi har sett flyta runt.
Ta inte genvägar när det gäller att undersöka sätt att förbättra dina färdigheter. Var flitig och dina chanser att falla för någon myt kommer att minska dramatiskt.
Jordan Maison är en redaktör och VFX-artist vars talanger inom webbinnehåll för Disney Studios samt film- och videospelwebbplatser.