Använd din kamera för att kontrollera publikens perspektiv

Stilarna som utgör detta visuella berättarsystem skapades inte på ett godtyckligt sätt. De är resultatet av att lära sig hur människor reagerar på bilder. Många av de stora filmfotograferna har studerat målarmästares och konstnärers verk från traditioner som går tillbaka århundraden och har införlivat dessa tekniker i hur de fotograferar. Detta är inte att säga att språket för visuellt berättande inte har utvecklats. Om du tittar på scener från några thrillers från 1940-talet och några gjorda under de senaste åren, kommer du att se att de delar vissa likheter; men många saker har förändrats i det sätt som genren är vanligt förekommande.

Publiken har blivit samstämmig med de vanliga teknikerna som används av filmfotografer när de spelar in vissa typer av berättelser. Om du kan ta med några av dessa tekniker i dina produktioner kan du enklare och mer effektivt dra in publiken i din berättelse.

Hitta din berättelse

Vilken typ av historia du ska berätta påverkar hur du ska skjuta den. Till att börja med måste du ta reda på vilken typ av historia du berättar. Den vanliga stilen att spela in en kampsportsactionfilm är mycket annorlunda än i ett historiskt drama. Även om du spelar in en dokumentär måste du tänka på vad berättelsen kommer att handla om. Båda "Enron:The Smartest Guys in the Room ” och ”Mad Hot Ballroom ” sköts mycket effektivt men väldigt annorlunda.

Tänk på och titta på berättelser som liknar din. Även om du har en berättelse som inte passar in i en genre, titta på berättelser som har liknande inslag som din. Så om du har ett svärd och en sandal och en zombiefilm som utspelar sig i Romarriket, titta på saker som "Spartacus ” och ”Dödens gryning ” sedan, hitta de delar av din berättelse som gör den unik. Markera dem med din kameraanvändning.

Att lära sig att manipulera och kontrollera kamerans perspektiv för att förbättra ditt berättande kommer att hålla din publik engagerad.

Sträva efter konsekvent utförande av teknik framför originalitet. Westerns hittar fortfarande en publik och de tittar inte på dem för att se något nytt. Du kommer att upptäcka att när du lär dig och behärskar de tekniska färdigheterna att kontrollera dina bilder, kommer din egen synvinkel och känsla för berättelse att få dig att ibland ta en liten paus från visuella traditioner. Det är ofta dessa subtila skillnader som kan ha störst inverkan på ens egen visuella stil.

Elementen i kameraperspektiv

Det din kamera ser, ser din publik. För att kunna använda din kameras perspektiv för att stödja din berättelse, måste du lära dig hur du manipulerar de olika delarna av kameraperspektiv. Dessa element är:bildhastighet, bildförhållande, synfält, fokus, skärpedjup, synvinkel, vinklar, inramning, rörelse och hastighet.

Bildhastighet och bildförhållande

Tyvärr, för många produktioner är besluten om vilket bildförhållande eller bildhastighet som ska användas inte kreativa utan baseras på den slutliga distributionen av projektet eller de tekniska begränsningarna för den utrustning som används. Även online är den maximala bildhastigheten som stöds av många videovärdar 30 fps. De flesta prisvärda kameror tar bara 24, 25 eller 30 bilder per sekund.

Bildförhållandet för de flesta moderna videoutrustningar är 1,78:1 (16X9) även om vissa kameror stöder filmstandarden 1,85:1 (Academy), men bredare format som 2,35:1 (omfattning) som är populära för stora episka filmer är inte det stöds utanför avancerade biokameror utan att förlora upplösning från att beskära eller sträcka ut en smalare bild.

Synfält

Allt som faller inom ramen för bilden som en kamera fångar är dess synfält. En kamerans synfält bestäms av två faktorer, kamerans avstånd från motivet och objektivets brännvidd. Att använda ett objektiv med kort brännvidd ger dig ett brett synfält så att du kan fånga mycket bakgrund med ditt motiv. Objektiv med breda synfält minskar också uppfattningen av kameraskakning vilket gör dem till ett populärt val för handhållna actionbilder. Ett objektiv med lång brännvidd ger dig ett smalt synfält som gör att du kan ta närbilder med kameran längre bort från motivet. Linser med smala synfält används också för att minska skärpedjupet och få motivet att sticka ut från bakgrunden.

Det finns olika typer av vanliga bilder i produktionen som är namngivna för att beskriva deras synfält i förhållande till motivet. Dessa bilder inkluderar:extra bred, bred, medium, närbild och extra närbild. Vissa breda bilder kallas etablerande bilder eftersom de inkluderar området runt motivet/motiven och ger en känsla av placering i en miljö. Utan att etablera skott kan publiken känna att de inte vet var berättelsen utspelar sig. Det är inte ovanligt att man byter fram och tillbaka från en medium bild, där motivet är inramat från ungefär midjan till toppen av huvudet, till en närbild, där motivet är inramat från ungefär den övre delen av bröstet till toppen av huvudet. , men synfältet i dessa olika bilder bör förbli detsamma.

Konsekvens i synfältet i de olika typer av bilder du tar kan vara mycket viktigt för att upprätthålla stämningen och tonen i din berättelse. Om du ramar in dina motiv med alla närbilder och alla medelstora bilder med samma synfält, hjälper det till att förmedla en känsla av stabilitet till stämningen i en scen; sedan, om det sker en dramatisk förändring i berättelsen, kan du bryta från det här fotograferingsmönstret för att hjälpa till att förstärka den dramatiska förändringen. Omvänt, om tonen i berättelsen är jämn och synfältet i samma typ av bilder ständigt förändras, kan det dra din publik ur berättelsen. Denna typ av inkonsekvens i synfältet pekas ofta ut som ett tecken på låg kvalitet eller produktion av "B-kvalitet".

Fokus och skärpedjup

Oftast vill du att motivet för din bild ska vara i fokus, men du kanske vill ha dem ur fokus eller att gå in och ur fokus för att stödja deras förvirring, skada eller någon annan typ av trauma. Användning av fokus i bilder för att framhäva vissa delar av bilden kan kontrolleras genom att ändra skärpedjupet. En bild med stort skärpedjup har objekt i förgrunden, mitten och bakgrunden i fokus. Ett skott med ett grunt skärpedjup har bara mitten i fokus; om ditt motiv är det enda i mitten av den här typen av bilder kommer de verkligen att sticka ut. Det mänskliga ögat dras naturligt till saker som är i fokus, så bilder med karaktärer på kort skärpedjup har blivit mycket populära i moderna dramer och romantiska komedier. Ett grunt skärpedjup kan också användas för att dölja saker i bakgrunden som inte skulle se tilltalande ut i fokus. I actionfilmer framställs hjälten nästan alltid visuellt som att ha kommandot över sin miljö, så endast bilder med medelstora och stora skärpedjup används vanligtvis för hjälten.

Synvinkel

Synvinkel är när kameran tar en scen (eller en enda bild) som om vi ser den från motivets perspektiv. Det ämnet kan vara en person, ett djur eller till och med ett gem. Ofta kan en kameras synvinkel påverka hur människor tolkar scenen. Bly POV-skott har funnits sedan stumfilmseran. De här bilderna tar dig in i huvudpersonens perspektiv eller ögon. Sedan filmen The Blair Witch Project , filmskapare har till och med använt bly-POV-bilder som enda kamerasynpunkt. Säkerhetskameror ger den näst vanligaste synvinkeln i långfilmer; den coolaste och minst använda är dock synvinkeln på en bilhuv eller stötfångare. Den användes flitigt på 1970-talet och har sedan dess blivit en stapelvara i biljaktscener.

Vinklar

Vinklar kan förmedla saker om karaktärer undermedvetet. Till exempel, när den triumferande hjälten kliver fram för att rädda dagen om en låg vinkel används, tyder det på att karaktären är ädel, modig och kraftfull. Låga vinklar kan också ofta ge motiv en överväldigande känsla som gör dem antingen större än livet eller hotfulla. Höga vinklar får ofta människor att verka små, svaga eller obetydliga, så om vår hjälte blev skjuten från ovan kanske vi tror att han var rädd, panikslagen eller oförmögen.

Vinklar i ögonhöjd eller standardvinklar ger mer neutrala tolkningar och verkar ofta mer personliga. De flesta romantiska komedier är inspelade från denna vinkel. Låga vinklar som inte är plana kallas holländska vinklar. Holländska vinklar används ofta i thrillers och skräckfilmer för att skildra fara eftersom de tenderar att ge publiken en känsla av obehag.

Inramning

Något så till synes enkelt som var motivet är i ramen och var de letar kan ha stor inverkan på din produktion. I TV-nyheter och reklamfilmer är motivet ofta i mitten av bilden och tittar direkt på kameralinsen. I film är motiven vanligtvis utanför mitten och tittar sällan, om någonsin, rakt in i kameran. Denna typ av inramning bygger på regeln om tredjedelar som delar upp skärmen i nio delar med tre horisontella plan och tre vertikala. I film flyttas karaktärer antingen till höger eller vänster sida av skärmen, vilket skulle vara vertikala plan ett och tre. När personer ramas in i mitten, vertikalplan två, används det för att bryta den fjärde väggen eller få publiken att känna sig illa till mods beroende på sammanhanget. Ibland i film ser man till och med situationer där skådespelarna nästan är utanför bildruta eller bara deras skuggor är i bildruta för att föreslå dolda handlingar eller deras tillbakadragande från en scen eller situation.

Rörelse

Hur du flyttar kameran måste också matcha din berättelse. Om du spelar in en film som utspelar sig i det franska kungliga hovet på 1700-talet, kan massor av utarbetade dock- och tranrörelser fungera bra. På samma sätt, om du berättar ett grymt innerstadsdrama, kan lite skakiga handhållna filmer tas emot väl av din publik. Om du bytte de två stilarna kanske publiken inte är lika accepterande av berättelserna som berättas på ett visuellt, obekant sätt.

Det finns många olika termer för kamerarörelser och de är ofta relaterade till de olika typerna av kamerastöd som används.

Rörelse för stativ är panorering (vrid stativhuvudet åt vänster eller höger) och lutning (vinkla stativhuvudet uppåt eller nedåt). Eftersom en person med en handhållen kamera kan härma stativets rörelser, används samma termer för handhållna bilder.

Dolly- eller skjutreglagets rörelse är dolly in (flyttar sig närmare motivet), dolly ut (flyttar sig bort från motivet), lastbil (flyttar kameran åt vänster eller höger), spårningsbild (kameran rör sig med motivets rörelse samtidigt som samma storlek synfält. Det kan också göras handhållet.)

Rörelse för kran eller jibb är bom upp eller ner (lutar armen uppåt eller nedåt.) Kranar och jibbar kallas ibland bommar.

Zoomlinsens rörelse är zooma in (gör brännvidden längre) eller zooma ut (gör brännvidden kortare). Medan en zooma in eller ut har en liknande effekt som en dolly in eller ut, ändras skärpedjupet för bilden med zoomen; Dessutom förvränger de flesta zoomobjektiv bilden vid zoomning, vilket också förändrar bildens utseende. En zooma in eller inkoppla ett motivs ansikte kan göra deras ansiktsuttryck mer märkbart.

Hastighet

Effekter som slow motion eller time lapse påverkar hur händelser uppfattas av publiken. Slow motion skapad genom att filma i höga bildfrekvenser och spela upp i normal hastighet kan användas för att uppnå ett antal olika reaktioner och ses för närvarande oftast i actionfilmer för att betona en spektakulär handling från en hjälte som en spartan som drar in i luften när han är på väg att slå ner sin fiende. Time lapse skapas genom att ta stillbilder eller videofilmer över en lång tidsperiod och komprimera dem till en kort tidsperiod. Detta kan få människor att känna att tiden flyger iväg eller kan signalera en dramatisk övergång. Ett vanligt exempel skulle vara att se månens faser snabbt passera för att antyda att det har gått en månad i berättelsen.

Slutsats

Ett av de bästa sätten att lära sig att kontrollera din publiks perspektiv med ditt kameraarbete är att studera andra bilder av fantastiska berättelser som liknar din och se hur filmfotografen åstadkom det. De flesta filmgenrer har filmer som har revolutionerat sättet att spela in den typen av film som "Scencoach ” för western, ”Blade Runner ” för science fiction och ”Die Hard ” för actionfilmer. Att studera dessa typer av filmer för att hjälpa dig förstå vilka skottval som användes för att driva dessa berättelser kommer att hjälpa dig att fatta liknande beslut om dina projekt. Naturligtvis finns det ingen ersättning för praktisk erfarenhet, så se till att öva på det du har sett.

Sidofält

Forcerad perspektiv och skärpedjup visuella effekter

Påtvingat perspektiv är illusionen att två objekt är av samma skala och existerar i samma djupplan. Innan CGI skapade modelltillverkare utarbetade uppsättningar med hål eller "fönster". Genom att placera denna uppsättning extremt nära kameran skulle de iscensätta skådespelarna långt borta i bakgrunden. Detta gav en illusion av att skådespelarna verkligen var inne i denna modell och att modellen var verklig. En annan användning av påtvingat perspektiv var att få föremål att se större eller mindre ut. En stapelvara av pre-CGI sci-fi-filmer, denna effekt uppnåddes genom att iscensätta en skådespelare (eller föremål) nära kameran för att få dem att se större ut än livet och placera ett föremål (eller skådespelare) långt i bakgrunden för att få dem att se ut liten jämfört med förgrundsobjektet.

Forcerad perspektiv med skärpedjup kan också användas för visuella effekter i kameran. I den vanligaste applikationen zoomar kameran in helt och förkortar skärpedjupet. Då reagerar skådespelare som antingen springer, kör eller står stilla på en rad signaler som pyroteknik. På kameran dyker skådespelarna upp mitt i en explosion eller krasch när de i verkligheten kan vara flera hundra meter bort. På grund av kamerans perspektiv och det förkortade skärpedjupet upplever publiken illusionen av att allt detta sker i samma tillvaroplan.

Med framsteg inom CGI och den fortsatta närvaron av 3D, är tvångsperspektiv och skärpedjupstekniker nu praktiska effekter som används av mestadels lågbudgetfilmare; men stora budgetdirektörer som Peter Jackson och Christopher Nolan använder dem fortfarande idag.

Odin Lindblom är en prisbelönt klippare och filmfotograf vars arbete inkluderar film, reklam och företagsvideo.