På söndagskvällen vann "Moonlight", regissören Barry Jenkins vackra film om hur en ung man blir myndig som hanterar frågor om ras och fattigdom, samtidigt som han upptäcker sitt eget förhållande till sexualitet, det ultimata priset, den bästa filmen trofé vid Oscarsgalan. LensCulture har precis publicerat en lång intervju med filmens begåvade filmfotograf, James Laxton. Här är lite av vad han hade att säga.
Förlorad bland det avgjort historiska debaclet som var avslutningen av Oscarsgalan 2017, var ett enkelt faktum. "Moonlight", filmen som till slut fick priset för bästa bild (via producenterna av "La La Land") var ett fantastiskt filmverk.
Barry Jenkins och Tarell Alvin McCraney skapade ett hjärtskärande och upplysande manus som skildrar hur en ung man blir myndig som står inför vad som kan vara samhälleliga tre strejker av att vara svart, fattig och homosexuell. Men när det berättade historien om Chiron, gick det kreativa teamet långt bortom klyscha.
Den ultimata kraften i "Moonlight" ligger inte i statistiken, utan i det som ligger mellan raderna. Den intimitet med vilken berättelsen berättas gör att en berättelse om en mycket specifik individ kan relateras till alla i publiken. Du behöver inte vara svart för att förstå hans svåra situation på ett känslomässigt plan. Du behöver inte vara homosexuell. Inte heller kräver din empati att du kommer från Miami. Faktum är att filmens filmfotograf, James Laxton, vars vackra linser erbjuder en otrolig mängd intimitet till filmen, kommer från en helt annan värld.
I en underbar djupintervju av Alexander Strecker för LensCulture diskuterar Laxton sin inställning till ämnet såväl som den myriad av influenser som hjälpte till att definiera filmens visuella stil.
Jag verkar vara ett rakt påstående, men jag tror att i de orden ligger en viss sanning om all konst, rörlig eller stilla. Den fina gränsen mellan mycket bra och stor ligger ofta i ens förmåga att gå djupare än ytan. En konstnär måste gå bortom tvådimensionell bildspråk, hur vacker den än är på ytan, och gräva ner till en djupare nivå.
När Laxton förstod detta visste han att han behövde hitta en annan nivå. Genom att arbeta som många stora dokumentärfotografer gör, genom att åka till Miami utan kameran först, lärde han känna stämningarna och rytmerna i världen som han ombads att reflektera.
Detta sträckte sig längre in i produktionen. Medan de flesta filmer har tydligt avgränsade gränser mellan filmfotograf och kameraoperatör, krävde projektets mindre omfattning och intima detalj att Laxton skötte en stor del av operationen själv.
Viktigast var hans beslut att spela in mycket av filmen handhållen. Även om detta kan vara en överanvänd teknik i många filmer som verkar skaka kameran bara för att skaka en kamera, i "Moonlight" använder Laxton den handhållna kamerans frihet för att fånga ögonblicken däremellan som kanske inte har gjort det in i en helt stilla ram. Han kan röra sig in och ut under en scen. Han kan personligen invadera en skådespelares utrymme. Kort sagt, han skjuter inte bara samtalet, utan är en del av samtalet.
Ett tydligt exempel på detta är hans inställning till att filma den berömda dopscenen där Juan (spelad av Oscar-vinnaren Mahershala Ali) lär Chiron (eller Little som han heter under öppningsakten) att flyta. Istället för att ställa upp på pinnar från säkerheten på torra land, kom Laxton i vattnet med skådespelarna. När de kämpade mot den ganska verkliga strömmen av Atlanten, gjorde Laxton det också. När de delade detta intima ögonblick, gjorde Laxton det också. Och i förlängningen gjorde publiken det också.
Filmfotografen fortsätter med att nämna de många inspirationskällorna för utseendet på "Moonlight". Många av de inspirerade rörliga bilderna hämtades från stillbilder. En av de fotografer som nämndes var Earlie Hudnall Jr., som tillför en vacker autenticitet till sitt arbete.
Laxton var också starkt influerad av Vivianne Sassen och hennes extraordinära färger.
På tal om färg hämtade han till och med inspiration från en källa som kommer att ligga alla fotografer varmt om hjärtat. Åtminstone de gamla nog att komma ihåg. Filmaktier. Med filmens berättelse tydligt uppdelad i tre separata akter som smälter samman till en komplett berättelse, valde Laxton att ge varje avsnitt sitt eget unika utseende.
Hur drog han gränsen? På ett smart sätt bestämde han sig för att låta varje look påverkas av var och en av de tre stora filmtillverkarna Fuji, Agfa och Kodak.
Fuji, som tenderar att luta mot blått och grönt, utgjorde den första delen.
För att förresten inte säga att Laxton faktiskt spelade in filmen på film. Laxton arbetade med ett antal icke-professionella skådespelare och behövde snabbt kunna fånga oväntade ögonblick, och valde istället digitalt (som gör mycket av det tidigare nämnda färgarbetet i posten).
Oavsett medium kunde Laxton hitta intimiteten och autenticiteten för att producera bilder för vad som utan tvekan kommer att bli känd som en av de mer inflytelserika filmerna i filmens långa historia. Om du inte har sett den, kolla in den. Om du bara såg Oscarsdebaclet och vill veta vad allt uppståndelse handlade om, kolla in det. Eller, om du redan har sett historien om Little, Chiron och Black utvecklas, ge den ett fräscht utseende och beundra hur en outsider levererade ett av de mest insiderporträtt som någonsin gått hem med Oscarsutmärkelsen.
[via LensCulture]