Varje gång jag bearbetar en av mina bilder gör jag det på ett helt annat sätt. Det här kanske låter konstigt för dig. Jag upplever att artiklar om bildbehandling ofta är fulla av idéer om formler och väsentliga steg. Men för mig går detta totalt emot allt jag tror om fotografi.
Varför det inte finns någon magisk formel
Att säga att det finns en formel är som att säga att det finns en för att göra stor konst, och om vi följde den skulle vi alla vara stora konstnärer. Men det är att se det från fel vinkel. Det är att be om något utanför dig för att få dig att prestera bra. Faktum är att den enda chansen (bokstavligen den enda) någon av oss har att ta fantastiska fotografier är att låta de mest unika delarna av oss själva flöda ut.
Nu är det inte sagt att jag inte har några bra råd till dig. Jag gör! Det är dock baserat på min filosofi att varje bild är unik. Det här är ingen erfarenhet av siffror – så bearbetning måste hanteras på ett nytt, nytt sätt varje gång.
Innan bearbetning
Liksom många bilder finns det några olika sätt jag kunde ha gått tillväga för. Bearbetning, liksom handlingen att ta bilder, är en helt subjektiv upplevelse. Det är det mesta av det roliga!
Till skillnad från de andra bilderna jag har visat i den här artikeln, som alla togs på samma vackra morgon i Hampstead Heath i London, ville jag inte ha den dimmiga dimman på bilden på det här fotot. Det fungerade inte för mig med de livliga färgerna på löven. Så istället förstärkte jag den djupa färgen och gav löven en stark kontrast mot de mörka grenarna.
För mig är det här mer en naturlig look, det du skulle se när du är ute i skogen. Jag använde HSL-modulen för att mätta färgkanalerna individuellt med lite klarhet i grundmodulen. Det krävdes egentligen ingen stor skjuts för att göra en stor förändring.
Efter bearbetning.
Anta ett unikt tillvägagångssätt för varje bild
Du skulle väl inte ta alla dina bilder med samma slutarhastighet? När du är ute och fotograferar, även om du fotograferar på helautomatik, reagerar du på både motivet och ljusförhållandena runt omkring dig. Du anpassar och jobbar med det som finns. Det är samma tillvägagångssätt som du måste ta när du bearbetar dina bilder.
Jag tycker om att bearbeta en bild som att skapa en målning. Det är en organisk, subjektiv, ostrukturerad process som gör att jag går fram och tillbaka mellan verktygen, använder lite av det här, lite av det, tills jag kan se något jag vill ha.
Innan bearbetning.
Den här bilden har redan alla element för ett bra foto. Det finns atmosfäriskt ljus som du verkligen kan känna, och sammansättningen av det kala vilda trädet i sig är stark. Så det jag fokuserade på i bearbetningen var att få fram färgerna och förstärka atmosfären och känslan av kallt, dystert och dimmigt. Plus att jag trodde att en blå/orange delad ton skulle se cool ut och att toppa den med lite korn skulle få den att känna nostalgi...Jag är väldigt nostalgisk över träd (barndomsgrej).
Efter bearbetning i Lightroom.
Hur kan du tillämpa detta på din fotografering?
Mitt tillvägagångssätt kan låta lite ohjälpsamt – jag menar om jag inte kan berätta formeln, de fem stegen till framgång, de tre nycklarna som alla behöver, hur kan du lära dig? Jo, mitt tillvägagångssätt kan ta längre tid att lära sig, men du kommer att sluta med mycket starkare bilder. Du kommer att skapa bilder som är kraftfulla, effektfulla och unika för dig.
Även om Lightroom handlar om att lära sig ett program rekommenderar jag att du inte använder det med ett tekniskt tänk. Använd den med ett kreativt, konstnärligt tänk. Använd den som en pensel, en penna eller din kamera. Kom ihåg att vi skapar – inte lösa ett algebraproblem här!
|
 Före |
 Efter |
Det som tilltalade mig här var den lite mystiska känslan. Det fick mig att tro att vägen ledde till en cirkel av älvor. Så mitt Lightroom-arbete återspeglade den visionen, och det här är vad jag skapade (ovan till höger). Jag ville ha en väldigt surrealistisk look. Jag använde delad toning i grönt och blått, samt en vinjett, och tog fram de svarta mycket intensivt med hjälp av grundpanelen. Det jag ignorerade var histogrammet, som helt klämdes ihop till höger, men det spelar ingen roll.
Jag ville ha en väldigt surrealistisk look. Jag använde delad toning i grönt och blått, samt en mörk kantvinjett, och tog fram de svarta mycket intensivt med hjälp av grundpanelen. Det jag struntade i var histogrammet, som helt klämdes ihop till höger, men det spelar ingen roll. Konst är alltid lite kaotisk, eller hur?
Före och efter steg för steg
Detta är en kreativ, organisk, rolig process. När du har gått igenom alla Lightroom-moduler (om det behövs), var inte rädd för att gå tillbaka och justera och spela.
Så jag vill ta dig igenom stegen för hur jag bearbetade en bild i detalj. Jag hoppas att det väcker många idéer för sätt att hjälpa dig bearbeta dina. Jag ska ta bilden från det här, direkt ur kameran:
Före bilden, direkt ur kameran.
Till detta:
Färdig bild bearbetad i Lightroom.
Anslut till bilden
Titta på bilden. Vad får det dig att tänka på, känna eller föreställa dig? Vilka egenskaper kan du ana i bilden som du kan arbeta med och rita fram? Lightroom-handledningarna du tittar på och läser kommer att berätta för dig hur du använder reglage etc., men de brukar inte tala om för dig när du ska använda dem. Den här processen att veta när man ska använda vissa verktyg handlar om att verkligen engagera sig i din bild och lära dig att använda bildens inneboende egenskaper för att vägleda dig.
Detta kan låta självklart, men jag tror att detta är ett viktigt steg som de flesta missar. Vi är ofta så fokuserade på att få det gjort, eller få knapparna redo att tryckas på, att vi lämnar den konstnärliga delen av vårt sinne och hoppar för snabbt in i det tekniska. Så svara på motivet, färgerna och stämningen i fotot. Inga allmänna förinställningar här, tack!
Grundläggande panel först
Mitt nästa steg med den här bilden var med grundpanelen. De flesta bilder börjar här eftersom du kanske vill kontrollera tonerna innan du börjar med färgarbetet. Den här bilden var riktigt platt tonmässigt så jag ville öka kontrasten genom att få ner skuggorna och höja det vita. Du får mycket mer specifik kontroll när du använder skjutreglaget Highlights, Shadows, Whites and Blacks än du gör med skjutreglaget för kontrast ovanför dem. Så här är inställningarna jag tillämpade:
- Höjdpunkter -94
- Skuggor -50
- Vita +50
- Svarta -31
- Mättnad +50
- Exponering -0,20
- Kontrast +19
Dessa ändringar gav följande resultat:
Nu har jag några bra mörka toner i träden och några ljusa vita på himlen (alla finns i histogrammet). Viss mättnad ger mig en bra uppfattning om vilken färg bilden skulle vilja ha (vilken riktning den lutar naturligt). I det här fallet är det blått.
Applicera en tonkurva
Därefter bestämde jag mig för att använda Curve-panelen för lite mer tonal förändring; ta upp skuggorna och få ner högdagrarna. Nu är himlen rikare och de mörka områdena ser mindre leriga ut.
Dehaze
Det var en riktigt vacker morgon med dimman och träden, för att inte tala om den fantastiska fågeln (hade tur där!). Som sagt, jag tittade på den här bilden och kände att jag ville få fram mycket mer detaljer i vattnet och husen. Dimman var stor men jag var ganska säker på att jag kunde få fler detaljer utan att förlora atmosfären. Mitt svar var Dehaze i effektmodulen.
Dehaze är användbart för bilder som denna, men kan vara riktigt superhårda om du inte är försiktig. Den här bilden verkade ha en +44 utan negativa effekter, som färgblockering och skapande av artefakter, så jag lämnade den där (se nedan).
Dehaze tenderar att bråka med Saturation, som du kan se här. Men åh, jag gillade det! Det jag tänkte var att ta bort lite av dimman på vattnet och husen och det fungerade bra. Det hade också den extra effekten att reflektionen av träden i vattnet framträdde.
Lokala justeringar
Vid det här laget börjar jag vanligtvis växla moduler på och av för att se vad som händer. Jag trodde att skuggorna av träden på höger sida kunde använda lite detaljer så jag gjorde en mask med penselverktyget för att lätta upp dem lite. Detta lyste också upp himlen bakom träden och fick det hela att se mindre lerigt ut. Sedan gjorde jag samma sak för reflektionen.
Jag gillade verkligen dimman på vattnet men jag ville att vattnet skulle se krispigt ut. Så jag använde ett graderat filter över det och satte upp Clarity till +74 och Exposure på +.60. Jag ändrade också färgen för att matcha den blå himlen. Nu är det mycket mer separation mellan vattnet och reflektionen.
Om jag gillar mitt arbete upp till en viss punkt kommer jag att göra en ögonblicksbild så att jag kan fortsätta arbeta med bilden, men gå tillbaka till det stadiet senare om det behövs. Jag är ganska nöjd med det än så länge. Nu är det dags att börja växla moduler på och av igen för att se vad som behöver justeras.
Därefter, se nedan, valde jag att använda HSL (Hue/Saturation/Luminance) panel sist bara för att förstärka specifika färger, i det här fallet blåtonerna. (Inte säker på varför nu när jag tittar på det... skulle förmodligen göra det om igen utan den blå boosten).
Jag försökte lätta upp tonerna i träden, som ser gula ut men LR hade det inte och sa att det faktiskt var blått. Förståeligt, eftersom det är så blått över allt. Det enda gula som kunde riktas mot var det sista trädet längst till höger. Jag slutar med detta:
Slutsats
Nu – på sista anteckningen, Lightroom kommer aldrig att förstöra din bild eller göra permanenta ändringar. Därför har du oändliga möjligheter att spela och lära dig vad som är möjligt med denna fantastiska värld av bearbetning. Bearbetning är den andra halvan av fotograferingen, att ta bilden är bara den första halvan. Nu uppmuntrar jag dig att:
Jag skulle gärna vilja veta vad du tycker. Du kanske skulle ha bearbetat den här bilden helt annorlunda? Kanske gillar du det jag gjorde, och kanske inte? Låt mig veta, jag skulle älska att höra dina tankar.