I den här artikeln kommer vi att utforska nya sätt att använda komposition och kreativ inramning för att berätta en historia i dina porträtt. Vi kommer att göra det genom att förstå de fantastiska sätt som vår hjärna (som tittare) skapar en känsla av berättelse.
Den gemensamma principen för de tekniker jag kommer att beskriva här är att de alla är baserade på vårt sinnes förmåga att fylla i saknade informationsluckor. En färdighet som hjälper oss att överleva i en värld av osäkerhet.
Två saker att notera om kreativitet innan vi börjar
Skicklighet är inte bara en talang:Precis som att arbeta med en muskels flexibilitet tror jag att vi kan arbeta med vår kreativitet, med "muskeln" som vår vision.
Att vara kreativ i syfte att vara kreativ:Kreativa kompositioner ska vara ett medel för ett syfte – en känsla eller en berättelse du vill framkalla i bilden. Om du väljer att lägga till kreativitet till dina bilder, bara för att vara mer kreativ, blir det en tom gimmick.
Halvnära porträtt – en hel historia
Genom att bara visa hälften av ett närbildsporträtt stimulerar du betraktarens sinne och tvingar den nästan att fördjupa sig i bilden. Vi gör det genom att aktivera deras sinnes behov av att fylla i luckor med saknad information. Denna förmåga är rotad i oss sedan urminnes tider, från vilken vi utvecklades för att förstå att de två suddiga fläckarna mellan träden kan vara en tigers dolda ansikte.
Bra att veta:
För bästa resultat kan du öva på att rama in den här typen av komposition genom att använda beskärningsverktyget i ditt redigeringsprogram. När du blir bekväm med denna teknik (och inramning); det blir lättare att få ett "halvt närbildsporträtt" i fält, utan att behöva beskära det i efterbearbetningsstadiet.
Denna typ av inramning är som ett utropstecken, som man inte kan ignorera. Använd den därför bara på de mest intressanta ansiktena och inte på alla porträtt.
Miljöporträtt – en person i sitt sammanhang
För mig är detta den mest utmanande och givande porträttstilen, miljöporträttet. Detta visar inte bara personen, som är hjälten i din bild, utan också hans eller hennes miljö:hem, arbetsplats, land, etc. Genom att göra det använder du sinnets förmåga att avsluta och förstå en situation genom att koppla samman delar av information.
Bra att veta:
Den största utmaningen i denna typ av komposition är balansen mellan huvudfiguren (hjälten) och miljön. Tänk på att huvudfiguren måste vara dominant, och inte omkörd av bakgrunden. Använd ljus, färg och skärpa för att göra ditt motiv betydelsefullt.
Användning av en vidvinkellins (under 50 mm) rekommenderas för inramning av miljöporträtt, eftersom det gör att du kan fånga din hjältes miljö, även i små utrymmen.
Detaljporträtt – berätta historien med små detaljer
Precis som med halvporträtttekniken använder vi i detaljinramningen hjärnans förmåga att fylla i luckorna genom att bara visa en liten del av hela historien. För en bra detaljbild, välj några med koppling till ditt motiv. Det kan vara ett samband av likhet eller skillnad. Till exempel:ta en närbild av hans eller hennes händer, skor, läsböckerna på hyllan, motivets vanliga stol eller rökpipa, you name it! Så länge detta objekt representerar något som är större än själva objektet.
Bra att veta:
Ett bra ställe att börja är genom att undersöka ditt ämne från topp till tå. Letar efter allt som andra människor kan sakna i den personen. Hittade du något speciellt? Som ett unikt smycke, en tatuering eller bara ett hål i skon.
Några av mina bästa idéer kom från mina ämnen. Be din försöksperson att visa dig ett föremål som han eller hon känner en stark anknytning till. Du behöver inte ens ha någon mänsklig närvaro i detaljbilden, så länge objektet representerar eller berättar något om dess ägare.
Kuleshoveffekt – skapa en mening genom interaktion
I denna teknik, baserad på det banbrytande experimentet av den sovjetiske filmskaparen Lev Kuleshov, kommer vi att använda hjärnans förmåga att härleda mening från interaktionen. Kuleshov visade att publiken inte bara konstruerar berättelsen utifrån innehållet utan också genom ordningen som bilderna visas i och sambandet mellan dem.
I experimentet använde Kuleshov två olika skott, som han satte i följd efter varandra. Den första bilden, en närbild av stumfilmsskådespelaren Ivan Ilyich Mozzhukhins ansikte, förblev densamma under hela experimentet, medan den andra bilden ersattes med varje projiceringsrunda; en tallrik soppa, en död ung flicka, en kvinna på en divan (soffa).
Publiken berömde skådespelarens förmåga att uttrycka olika känslor som sorg och till och med hunger, genom att bara använda hans ansiktsuttryck, utan att veta att de såg samma tagning om och om igen, och det enda som ändrades var den andra bilden.
För att använda denna effekt i ditt arbete, placera bara två bilder sida vid sida och försök att framkalla en koppling mellan dem. I exemplet kombinerade jag porträttet av Net, som jag gjorde med den halva närbildskompositionen, med en bild av ett virvlande hav. Vart tar det dig?
Bra att veta:
Du kommer att bli förvånad över kraften i kreativ komposition. Utmana din publik. Var inte rädd för att skapa en koppling som är för komplicerad för att förstå.
En bra kreativ övning som du kan göra är att samarbeta med en annan fotograf. Du kommer att tillhandahålla den första bilden, han eller hon kommer att tillhandahålla den andra. Där kommer du att ha en koppling, inte bara mellan de två bilderna sida vid sida utan genom två olika synvinklar.
Författaren vill tacka Nicholas Orloff för hans assistent i att skriva den här artikeln.