Kampscener ger spänning till praktiskt taget varje berättelse. Men att göra dem till dynamiska berättande enheter är inte så enkelt som att placera kameran och låta dina skådespelare göra det. Rätt kampkoreografi är avgörande. Om du vill göra trovärdiga kampscener som engagerar publiken behöver du lite hjälp.
I kampen från början
Om du vill att dina actionscener ska trivas måste du börja planera dem under de tidigaste stadierna av förproduktionen. Redan innan du kommer till koreografistadiet finns det ett antal beslut att fatta:
Välj din stil – Typen av slagsmål i ditt projekt beror på historien. Så du måste bestämma dig för en undergenre tidigt. Från gatubråk till MMA till mer flytande kampsportmästare – du måste se till att kampstilen du använder matchar tonen i historien. När allt kommer omkring skulle en berättelse om en småbråkare som försöker ta sig in i den professionella kretsen förmodligen inte vara vettig med kampscener i Matrix-stil.
Hitta personer – Att nöja sig med en kampstil kommer att underlätta ditt sökande efter en koreograf såväl som casting. Du kommer att vilja välja någon som är skicklig i den specifika stilen för att ge dina slagsmål den autenticitet de behöver.
Medan filmer med stor budget har lyxen att träna skådespelare och planera kampkoreografi i månader innan de spelas in, kanske inte ett projekt med mindre budget. Så det kan vara bättre att hitta skådespelare som redan har omfattande utbildning.
Plats – Inställningen av en slagsmålsscen påverkar din planering och koreografi dramatiskt. Till och med något så enkelt som en bakgrändskamp medför ett antal faktorer att ta hänsyn till. Kommer karaktärer att använda soptunnor, verktygsstolpar eller andra element som vanligtvis finns i en gränd? Finns det föremål (pipor, trasiga flaskor, papperskorgar, etc) som kan användas som vapen? Svaren på dessa frågor påverkar inte bara koreografin utan också rekvisitan du behöver på inspelningsplatsen.
Vem är inblandad – En del av att bryta ner ditt manus är att notera vem som kommer att krävas på uppsättningen framför och bakom kameran. Även små slagsmålsscener kräver att man har experter på stuntsäkerhet. Vilken kampsportare som helst kommer att berätta för dig att olyckor inträffar, oavsett en persons skicklighetsnivå. Som sådan vill du se till att du har de nödvändiga teammedlemmarna på uppsättningen.
Resultatet – Utöver att veta vem som vinner (baserat på manuset), måste du överväga de sekundära konsekvenserna. Om karaktärer skadas under kampen kan det påverka dem senare i berättelsen eller i framtida strider. På samma sätt, om viktiga rekvisita förstörs under kampen, vill du säkerställa kontinuitet i berättelsen bortom den punkten.
Kämpa mot koreografilogistik
I stort sett vill du överlåta detaljerna i en kamp till din koreograf. Det finns dock fyra grundläggande principer att vara medveten om:blockering, flöde, variation och kontinuitet. Varje element arbetar tillsammans för att skapa en kamp som (förhoppningsvis) kommer att engagera publiken, oavsett hur många gånger de tittar.
När du tänker på koreografin för din kampscen är variation avgörande. Du vill inte ha repetitiva kampscener som bara kommer att tråka ut tittarna. Flöde, sätter tempot och säkerställer en kontinuerlig strid. Slagsmål som slutar och börjar efter bara ett par rörelser saknar spänning och känns märkbart av för tittarna. Föreställ dig din kampscen som vågor i havet. Det kommer att finnas dalar (bromsa farten för dialog), men slagsmål bör kontinuerligt byggas upp och öka i intensitet innan de går upp.
Kontinuitet i koreografi handlar inte bara om att se till att slag och sparkar följer varandra från skott till skott. Du måste också förhindra någon frånkoppling mellan viktiga åtgärder. Säg att en karaktär plockar upp ett vapen men några attacker senare släpper de det på ett oförklarligt sätt. Detta är inte vettigt och utan någon form av kontinuitetsförklaring kommer det bara att förvirra publiken.
Förbereder för fotografering
När du avslutar din koreografi och kommer närmare att filma din kampscen, måste en helt ny uppsättning element övervägas. Det finns mycket att tänka på och det hjälper att ha lite praktisk kunskap om slagsmålsstilen du ska filma. Så att ta några grundläggande lektioner från din koreograf hjälper dig att ta reda på hur du filmar allt. Du måste gå in i din fotografering så förberedd som möjligt. Här är några sätt att göra ditt liv enklare:
Öva, öva och mer övning – Skådespelare kommer att behöva repetera slagsmålsscener så mycket som möjligt. När du närmar dig inspelningsdatumet, gör repetitioner med kameran, belysningen och besättningsmedlemmarna på plats. När det är möjligt, kör repetitioner i kostym för att förbereda skådespelarna för inspelningsförhållanden.
Dela upp det i segment – Oavsett hur lång eller kort kampscenen är, är det en bra idé att ha inbyggda "pauser". Detta hjälper till att hålla dina skådespelare från att bli utslitna när de gör flera tagningar. Föreställ dig att behöva göra en obruten fem minuters kamp om och om igen. Segment ger dig chansen att ändra fotograferingen och dubbelkolla kontinuiteten. Det kommer också att hjälpa till med filminlägg och utskärningar för senare.
En tydlig skottlista – Att skapa en bildlista för actionscener kan kännas som en skrämmande uppgift. Speciellt för att vissa delar av din koreografi kan begränsa antalet tagningar du kan få. Det sista du vill är att komma till redigeringsplatsen och finna dig själv som önskar en annan vinkel på ett ögonblick där det inte finns något sätt att återskapa/fånga. Att ha repetitioner med kameran kommer avsevärt att underlätta skapandet av din skottlista.
Säljer kampen
Oavsett vilken fightingstil du väljer måste det finnas ett element av realism i din scen. Till och med de mer nyckfulla slagsmålen i Kung Fu-filmer med ståltråd (t.ex. Hero, Crouching Tiger, Hidden Dragon) karaktärer reagerar realistiskt på att bli träffade. Hur kan du sälja din kamp till publik?
Trovärdiga reaktioner – Det första steget i att "sälja slagen" beror på dina skådespelare och deras reaktioner under hela kampen. Ingen mängd kameraarbete eller redigeringsmagi kan fixa reaktioner som inte passar de rörelser som kastas (t.ex. en skådespelare som kastar huvudet/kroppen i motsatt riktning). Oavsett om det är att rycka tillbaka i tiden med leveransen av draget eller bara agera vindad efter ett stort skott mot mittsektionen; realistiska reaktioner är avgörande. Tack vare alla repetitioner du har gjort för koreografi, borde det inte vara något att oroa sig för på själva uppsättningen.
I kameran – Inramning och kamerarörelser har stor inverkan på försäljningen av slag och sparkar, såväl som skådespelarnas reaktioner. Den rätta vinkeln säkerställer att rörelser ser ut som om de kommer i kontakt, även om de faktiskt är flera centimeter från varandra. Om du flyttar kameran dynamiskt (t.ex. skakning för att understryka kraften i en träff, snabba zoomningar för att ge en illusion av hastighet och panorering/lutning för att följa flödet av träffarna) gör dina slagsmål mer engagerande överlag.
Det kan vara svårt att ta reda på de bästa kamerarörelserna. Det är därför det är viktigt att lägga till kameraoperatör och utrustning under några repetitioner. Du kommer att kunna experimentera med kamerarörelserna, eller kanske till och med klippa en grov redigering av övningsmaterial för att ta reda på exakt de bilder/rörelser du vill använda.
Inget av en slump
Inget om slagsmålsscener händer av en slump. Det finns ingen förbättring av actionsekvenser. De kräver noggrann planering från första början. Forskning och övning kommer att vara dina bästa vänner när det kommer till att skapa fängslande kampscener. Ha dessa kärnprinciper i åtanke under varje fas av processen och du kommer att göra otroliga actionscener innan du vet ordet av.