10 scenfotograferingstips (för vackra bilder)

Kanske är det dags att gå in i ett nytt skede i din fotografiska resa:scenfotografering, där du fångar artister på scenen vid konserter, pjäser, dansframträdanden och mer.

Den här genren kombinerar några av färdigheterna inom studiofotografering, porträtt och till och med sportfotografering. När ljuset ofta är svagt och handlingen snabb, kommer du att utmanas att ta skarpa bilder och måste förstå dina kamerakontroller väl. Scenfotografering kommer att testa dina färdigheter, men när du gör en bra bild kan resultaten bli mycket givande.

Låt oss täcka tio tips som hjälper dig att uppnå kommandots prestanda.

1. Få tillstånd

Här är en viktig sak att komma ihåg när du spelar in en scenföreställning:Showen är på scenen. Du är inte showen. Om din närvaro stör artisterna, distraherar publiken eller på annat sätt uppmärksammar dig, är du inte bara till besvär, du riskerar att bli utkastad. Och även om det inte händer är det osannolikt att du kommer att bli inbjuden tillbaka och andra fotografer kan då förbjudas från framtida shower.

Var inte den där killen.

Det är en dålig idé att bara dyka upp på en föreställning med en proffsig kamera och långa objektiv utan föregående tillstånd. Du kanske inte får komma in, och om du är det kan du bli ombedd att lämna din dyra utrustning bakom dig. Om du på något sätt glider in och fastnar senare kommer det att bli en ful scen. Och om du på något sätt fotograferar hela programmet och senare vill lägga upp dina bilder riskerar du att bli stämd för att du inte hade rätt att ta bilder...vilket är...tja...låt oss inte åka dit.

Återigen, var inte den där killen – punkt.

2. Var en "fotoninja"

När du gör scenfotografering bör "minimal störning" vara ditt motto. Här är några saker du kan göra för att få dina bilder samtidigt som du förblir osynlig för artister och publik.

• Klä dig i mörka kläder. Eftersom husets belysning i allmänhet kommer att släckas under en scenframträdande, kommer mörka kläder att hjälpa dig att gömma dig i skuggorna och bli mindre märkbar.
• Var smygande och tyst. Stäng av alla kamerans distraktioner, inklusive pipsignaler, lampor och kanske till och med din bakre LCD-skärm. Om din kamera har ett tyst slutarläge, använd det. Om du måste chimpa dina bilder, gör det mellan akterna och på ett sätt så att din skärm inte är synlig för publiken eller artisterna. Gör inte stå mellan publiken och föreställningen, även om det ger dig den bästa vinkeln.
• Använd aldrig blixt såvida du inte har fått tillstånd från scenchefen i förväg.
• Skjut in generalrepetitionen när det är möjligt. Förutsatt att du kan göra det är detta det bästa alternativet. Utan publik kommer du att ha mycket mer frihet att ströva omkring, hitta bra vinklar, kanske använda blixt om du kollar först, och ibland få flera "takes" av samma scen, dans eller musiknummer. Konserter kan vara undantaget från denna regel, eftersom artisternas dynamik och publikens reaktion på ett liveframträdande kommer att saknas vid en generalrepetition och som vanligtvis dyker upp i bilderna. För det mesta kommer dock att filma en generalrepetition avsevärt utöka vad du kan göra.

3. Känn till programmet

Som med alla typer av actionfotografering, att veta vad som kommer att hända i förväg hjälper dig att förutse och få de bästa bilderna. Läs programmet, prata med scenchefen, känna till handlingen i pjäsen och gör allt annat du kan för att bättre känna till och planera dina bilder.

4. Gör en "webbplatsundersökning"

Om möjligt, gå i förväg till teatern eller lokalen när evenemanget kommer att äga rum. Ta med kameran och hitta de bästa utsiktspunkterna.

Kan du skjuta från dessa ställen och ändå vara icke-störande? Finns det flera platser du kan skjuta från och kan du flytta från en till en annan utan att dra till sig uppmärksamhet? Hur långt eller brett objektiv behöver du för att få bra bilder från dessa ställen? Kan det finnas någon där som visar dig ljuset innan föreställningen så att du kan få en uppfattning om vad du kommer att stöta på?

Om du inte kan vara på plats i förväg, kom åtminstone dit så tidigt som möjligt på föreställningsdagen. Att vinkla den medan showen redan pågår kommer nästan alltid att påverka kvaliteten på dina bilder negativt.

5. Ta rätt utrustning

De två största utmaningarna inom scenfotografering är vanligtvis:

1. Komma tillräckligt nära
2. Att ha tillräckligt med ljus att arbeta med

Och att ta rätt utrustning kan hjälpa. En kamera som har en stark prestanda i svagt ljus med minimalt brus kommer att vara din bästa insats. Ett snabbt f/2.8-objektiv gör också skillnad.

Jag fotograferar Canon, och de två objektiven jag vanligtvis tar när jag fotograferar scen är Canon EF 24-105 mm f/4L IS-zoom och Canon EF 70-200 mm f/2.8L IS-zoom. Det har varit många fall där jag har önskat mig en 100-400 mm zoom.

Dina behov av brännvidd kommer att dikteras av ditt avstånd från scenen. Närmare är nästan alltid bättre, och om du kan stå vid scenen (och inte bryta mot regeln om "minimal störning") är det nästan alltid bäst.

Jag bör också vända mig till de läsare som kan vara föräldrar som går på deras barns pjäs, dansframträdanden eller andra scenföreställningar. Det är troligt att du kommer att ta en peka-och-skjut-kamera utan utbytbara linser och fotografera var du än kan sitta på bio. Det är inget fel med det. Förhoppningsvis har din kamera bra optisk zoom och inte för mycket slutarfördröjning. Kom dit tidigt och sätt dig på första raden om du kan. Om du inte behöver sitta i din teatersits kanske du kan hitta en bättre plats att fotografera från och bli mindre märkbar.

Ta fram vad du kan från den här artikeln, och viktigast av allt, var så diskret som möjligt när du tar dina bilder. Jag vet att du kommer att vilja stå upp när lille Johnny intar scenen i sin söta lilla karaktärskostym, och du kanske glömmer att stänga av blixten och förblinda alla med en ljusskur i den mörklagda teatern. Mitt enkla råd:Var inte den föräldern. Med tur kommer ett proffs att skjuta från sidlinjen. Leta efter den personen och ge dem din e-post. Om du är snäll mot dem, finns det en god chans att de skickar dig en fantastisk bild av Johnny.

6. Använd rätt inställningar och teknik

Jag har redan nämnt att en av de mest utmanande sakerna inom scenfotografering är att arbeta med svagt ljus (särskilt när action är inblandat). Du kommer sannolikt också att fotografera handhållen. För att bibehålla en tillräckligt snabb slutartid i svagt ljus måste du antingen öppna upp din bländare (med tanke på skärpedjup), höja din ISO (samtidigt som du är uppmärksam på brusnivåer), eller båda.

Följande kamerainställningar fungerar bra för mig i de flesta fall, även om du måste göra justeringar främst beroende på hur mycket ljus du har att arbeta med. Det är inte ovanligt att ljuset går från väldigt starkt till väldigt svagt när en scen ändras, skådespelaren går till en annan del av scenen, eller (på en rockkonsert) blinkar ljusen av och på medan de ändrar färger. Så betrakta dessa scenfotograferingsinställningar som en utgångspunkt.

• Bländarprioritetsläge – (Av på Canon, A på Nikon, varierar på andra kameror.) Du vill vanligtvis ha din bländare så vidöppen som möjligt samtidigt som du får tillräckligt skärpedjup.
• Auto ISO – Låt ISO:en "flyta" för att hantera olika ljusförändringar. Om du tycker att din ISO i stort sett förblir densamma genom prestandan, kan du ställa in den på den platsen, men alltid försöka hålla den så låg som möjligt. Lär dig när din kamera producerar oacceptabelt brus och ställ in de övre gränserna för Auto ISO precis under det värdet. Om du inte gör detta kan du senare upptäcka att ISO:n gick mycket högre (och att alla dina bilder är väldigt bullriga!).
• I Bländarprioritet, din slutartid kommer också att flyta. Mängden action på scenen, brännvidden på objektivet du använder och hastigheten som krävs för att frysa action kommer att diktera vad som är acceptabelt. I en pjäs där skådespelarna står stilla och pratar kanske du kommer undan med 1/30s om du har ett bildstabiliserat objektiv eller in-body bildstabilisering i kameran. Om du skjuter balettdansare som snurrar och hoppar och vill frysa dem, kan du behöva 1/500s eller mer för att få jobbet gjort. Se om din kamera låter dig ställa in en minimal slutartid när du använder bländarprioritet.
• Fokusläge – Detta kommer återigen att bero på mängden åtgärder du har att göra med. Om åtgärden är långsam, är enbildsfokus bra. (Kom ihåg att stänga av fokuslåspipet!). Om du måste spåra snabbare rörelser kan kontinuerlig fokusering hjälpa mycket. Nyare kameror kan ha ögonspårningsfokus, vilket kan fungera riktigt bra – förutom när flera personer uppträder och i närheten. Då kan autofokusen bli förvirrad över vilken person man ska låsa in sig på. Lär dig kamerans fokuslägen så att du kan välja det som är bäst för den givna situationen.
• Mätning – Detta beror på vilken belysning du möter. Vanligtvis håller jag mig till full utvärderingsmätning, och kameran gör ett ganska bra jobb. Men ibland, när artisten kan vara starkt upplyst av en spotlight och bakgrunden är mycket mörk, kan kameran luras och artisten blir överexponerad. I dessa fall kan centrumvägd mätning eller till och med spotmätning vara ett bättre val.
• Överför det till minne – Jag lagrar ofta olika kamerainställningar i var och en av kamerans minneslägen (C1, C2, C3), så jag kan snabbt ändra komplexa inställningar med en vridning på en ratt när situationen förändras.

7. Komposition är alltid nyckeln

Som med all fotografering är komposition kung. Använd goda kompositionsmetoder; kom ihåg regeln om tredjedelar, ledande linjer, regeln om odds, och så vidare. Och kom ihåg att kontrollera dina gränser för distraherande element.

Ta breda etablerande bilder som visar hela scenen och gå sedan in för mitt- och närbilder som framhäver en skådespelare eller artist. Kom in i ansiktsuttryck för att fånga artistens känslor. Förbise inte verkligen snäva bilder av detaljer som skorna till en balettdansös "on pointe" eller en rockgitarrists händer som verkligen "söndrar sin yxa".

8. Arbeta med ljuset

Scenbelysning kan vara knepigt, speciellt när du försöker fotografera med bra färgnoggrannhet. Olika belysningstyper kommer att ha olika Kelvin-temperaturer. Stämning skapas ofta med färggeler och annan belysningsfärgkontroll.

Ibland vill du försöka korrigera för dessa färgförändringar, ibland kanske du vill fånga scenen så nära den ursprungliga färgen som möjligt (d.v.s. en djupblå cast designad för att simulera en nattscen). Och andra gånger kanske du vill förstärka färgen eller ta den i en annan riktning.

Nu finns det ett nyckelobjekt som ger den kreativa kontroll du behöver:

Fota i RAW-format! Det finns många anledningar till att du bör fotografera i RAW, men scenfotografering kan vara högst upp på listan. Under fotograferingen gör du inte vill justera vitbalansen eller försöka gissa vad som kan vara bäst. Fotografering i RAW innebär att vitbalansjusteringarna kan sparas för senare redigering. Jag brukar bara lämna vitbalansinställningen på Auto och bortse från den när jag fotograferar. Senare, när jag redigerar, kan jag justera det som jag vill. Om en serie bilder alla togs under samma ljusförhållanden kan jag justera den första bilden, välja alla efterföljande bilder och synkronisera vitbalansen med den första justerade bilden. Bazinga!

Det finns en sak att tänka på här:Lita inte på LCD-skärmen för att bedöma vitbalansen. Den visar alltid en JPEG-bild med kamerans vitbalansval, och eftersom du ska fotografera i RAW kan du göra dramatiska ändringar efteråt.

Till exempel på en teater var scenbelysningen väldigt varm. Jag satte kameran på Tungsten vitbalans så uppspelningen på LCD:n såg bättre ut, men jag fotade ändå i RAW. Senare, när jag redigerade, gav Tungsten-inställningen bättre hudtoner, så jag använde det som utgångspunkt. Hade det inte fungerat hade jag dock kunnat redigera min vitbalans för ett helt annat resultat.

En gång fyllde en vän in för mig vid en examensceremoni på en teaterscen. Sedan skickade de bilderna till mig för redigering, och jag såg att de hade spelat in hela ceremonin i JPEG. Arghh! Teatern hade blandad belysning, en del volfram, en del lysrör. JPEG-bilderna hade väldigt liten potential för justering och hudtonerna var hemska. Jag funderade till och med på att konvertera hela setet till svartvitt.

9. Berätta historien

Jag vet inte om varje bild berättar en historia, men när man fotograferar en pjäs, en dansrecital, en föreställning eller en konsert, finns det definitivt en historia på scenen. Det är ditt jobb som fotograf att berätta den historien med dina bilder. Här är några tips som hjälper:

• Känn till historien – Om du går på en pjäs, känna till handlingen i förväg. Detsamma gäller en dans. Nästan all balett är uppbyggd kring en berättelse. Moderna dansnummer är vanligtvis designade för att framkalla en mening och en stämning. En rockgitarrist kommer att framkalla en stämning med sin musik och sångtexten kan berätta en historia. Hur kan du få fram dessa berättelser i dina bilder? Genom att fånga uttryck, rörelser, topp action?
• Frysta eller sudda ut? – All rörelse behöver inte frysas. Att låta rörliga människor suddas ut kan öka känslan av action i en scen.
• Ljusets stämning – Bra fotografer lär sig att "se ljuset" och vet hur dess färg, riktning, mjukhet, hårdhet och andra egenskaper påverkar stämningen och historien. Bra teatraliska ljusdesigners vet detta också och arbetar hårt med att ljussätta scener för att framkalla rätt stämning och förstärka berättelsen. Till skillnad från en studiofotosession där du som fotograf kan sätta ljuset, när du fotograferar en scenföreställning kommer du att arbeta med någon annans ljusval. Var uppmärksam på vad de har gjort och försök fånga det på dina bilder.

10. Förbättra med bra redigering

Under filmdagarna, efter en inspelning, hade du bara de obearbetade negativen. Det var många steg innan man kunde se sin bild som ett färdigt tryck och många möjligheter till kreativa justeringar på vägen. Idag, med digitalkameror, klickar vi helt enkelt på slutaren och kan direkt se resultatet på en LCD-skärm.

Min åsikt är att alltför många fotografer nöjer sig med bilden rakt ut-ur-kameran (SOOC); efter det första klicket tror de att deras arbete är klart. Många skickliga fotoinstruktörer kommer att predika vikten av att "få det rätt i kameran" och uttrycka en tydlig avsmak för att behöva spendera tid bakom en datorskärm.

Som du kanske har gissat hånar jag dessa människor. Ansel Adams filmade inte digitalt, men jag tycker att hans citat är värt att överväga:

Min personliga övertygelse är att du inte är klar med en bild förrän du är klar, och det inkluderar redigering. Detta kan vara särskilt sant när du tar bilder av scenframträdanden. Du kommer inte att ha kontroll över scenen som utspelar sig före dig, du kommer att ha begränsade möjligheter att ändra din utsiktspunkt eller perspektiv, du kommer att arbeta med någon annans ofta snabbt föränderliga belysning, scenen kan vara svagt upplyst och du kommer att kämpa för att jonglera med slutartid, skärpedjup och kamerabrus. Det finns heller inga gör-overs. Om bilden inte är allt det kan vara, kan redigering vara lösningen. Även om det är en mycket bra SOOC-bild, kanske någon redigering gör den ännu bättre?

(Du filmade RAW, eller hur? Så säg inte att du inte redigerar, du måste göra åtminstone en del redigera med en råbild.)

Okej, jag stänger av gnället. Det räcker med att säga att jag personligen tror att det nästan är obligatoriskt att redigera dina scenfotograferingsbilder om du vill att de ska lysa.

Scenfotograferingstips:sista ord

Hur skulle jag kunna skriva en artikel om scenfotografering och inte inkludera ett berömt citat av den här killen? Du kanske har hört talas om honom:

I denna pjäs kallar vi liv , du har fått rollen som fotograf. Gå nu och utöka dina talanger och förmågor. Håll en spegel mot de andra spelarna med scenfotografering!

Vanliga frågor om scenfotografering

Showen är på scen. Du är inte showen. Om du är en distraktion för artisterna eller publiken, är du inte välkommen, kan bli utkastad, kommer definitivt inte att bjudas tillbaka och kommer förmodligen att förhindra att andra fotografer blir ombedda att fotografera föreställningar. Få bra bilder, men var diskret.

Att komma tillräckligt nära. Arbetar med svagt och ofta växlande ljus. Ett långt objektiv eller en bra utsiktspunkt kan hjälpa till med det förstnämnda. Ett snabbt objektiv (dvs. f/2.8 eller snabbare) och en kamera med bra prestanda i svagt ljus kan hjälpa till med det senare.

Känna till historien. Berätta historien. Vet vad pjäsen, dansen, föreställningen, sången eller vad du nu fotograferar handlar om. Arbeta för att fånga den historien i dina bilder.

Detta kommer att variera beroende på ljussättning, typ av show, mängd action på scenen och andra faktorer, men till att börja med:Bländarprioritet (Av, A), Auto ISO (med en övre gräns), Kontinuerlig/Servofokus, Evaluerande mätning (även om centrumvägd eller till och med punkt fungerar för vissa situationer).

Fotografera alltid i RAW-format och var beredd på att redigera dina bilder. En RAW-fil låter dig justera vitbalansen efter fotograferingen, öppna dina kreativa möjligheter, tillåta lite räddning av överexponerade och underexponerade bilder och hjälpa dig att bättre hantera bildbrus.