Intresserad av bli en anmärkningsvärd fotografichef? Det bästa stället att börja är genom att studera de stora filmmästarna.
Jag börjar med att säga att det bästa sättet att bemästra någon del av filmskapandet är att bara gå ut och göra det. Gör det och misslyckas och försök igen tills du gör det rätt. Men även om det kan vara det praktiska tillvägagångssättet, finns det definitivt ett mer filosofiskt tillvägagångssätt:studera konsten att göra film och lära av dem som har bemästrat det genom åren.
När vi tittar närmare på kinematografi har vi en stor och rik historia av legendariska fotografichefer att se tillbaka på. De har hjälpt till att utveckla hantverket, samt format nya stilar och tekniker. De är också drivkraften bakom innovationerna som för konstformen framåt med varje projekt.
Efter att ha haft möjligheten att recensera över ett dussin av de bästa filmfotograferna genom tiderna, här är mina takeaways. Jag har lärt mig mycket om hur de har hittat och utvecklat sin stil, hur de så sakkunnigt arbetar med kontrasterna mellan mörker och ljus, och hur de fortfarande fortsätter att driva filmkonsten framåt, även idag.
Hitta din passion
En av de mest fascinerande delarna av att forska om alla dessa anmärkningsvärda filmfotografer har helt enkelt varit att utforska vad som får dem alla att ticka. Det borde vara självklart att livet för en fotografichef aldrig är lätt. Det kräver extrem passion och engagemang. Du måste fördjupa dig helt i hantverket och arbeta med projekt 24/7 för att förverkliga din vision.
Men när du hör en känd filmfotograf som Robert Yeoman tala i videon ovan om att hitta sin kreativa gnista, börjar det bli lite mer vettigt. Och när du dyker in i hur Yeoman formar sin stil och vision samtidigt som du fostrar en introvert-kreativ kollega som Wes Anderson, får du en tydlig bild av hur djupt hans passion ligger.
Utveckla ditt filmspråk
På samma sätt, om du tittar på karriären för en annan anmärkningsvärd modern filmfotograf som Rachel Morrison, kan du se hur sammankopplade dessa artister är med sitt hantverk. Liksom många DP:er berättar Morrison om hur hon växte upp med en kamera i handen. För att verkligen briljera inom film måste du brinna för mediet och ständigt driva på att förbättra ditt arbete.
En filmfotografs resa formas också av hur de kan utveckla sitt eget språk som ett medel för sitt filmiska berättande. I videouppsatsen ovan om Morrison kan du se hur hon på ett subtilt sätt har kunnat skapa en unik stil och se ut på många av sina filmer genom att använda flera av samma fotograferingstekniker och färgpaletter.
Utforska olika vinklar
Det är också intressant att utforska de olika vinklarna och linserna som filmfotografer använder för att levandegöra sina världar. Vissa gillar att fotografera väldigt platt och makro och utforska de subtila nyanserna i ansikten och känslor. Samtidigt gillar andra att arbeta i vidvinkeln för att fånga uppsättningar som är större än livet och ge mer sammanhang till utrymme och handling.
Om man tittar in i vidvinkelvärlden av legendariska DP:er som Wally Pfister, är videon ovan ett perfekt exempel på hur han kommer att objektivera sina filmer. I sina många samarbeten med Christopher Nolan, såväl som i sina andra projekt, använder Pfister sin vidvinkelmetod för att fånga storheten hos sina ämnen och hjälpa till att ge liv åt handlingens omfattning.
Bli en karaktär i scenen
Ett annat roligt råd som jag tycker är riktigt fascinerande kommer från den blivande DP-regissören Reed Morano, som har kunnat fånga sina karaktärer med enastående uppriktighet och detaljer. Detta beror till stor del på hennes tillvägagångssätt (som hon beskriver ovan), att "bli en karaktär i scenen" med sin kamera.
En bra DP ska inte bara vara en fluga på väggen eller i bakgrunden av konflikten och handlingen. En stark filmfotograf som Morano vill vara mitt i scenen, röra sig med karaktärerna, engagera sig i dem och deras känslor och ge publiken det där POV-perspektivet som om de vore i rummet också.
Experimentera tidigt och ofta
På många sätt är de som precis har börjat med film de lyckligaste. De första åren är när filmfotografer har utrymmet att verkligen utforska och experimentera med det fascinerande mediet film. Om vi tittar på den innovativa kinematografin och karriären för Matthew Libatique, som hjälpte till att forma många av de mer cerebrala Darren Aronofsky-filmerna han ledde, börjar du se hur mycket experiment som har ägt rum tidigare.
Libatique har mycket av sina innovativa stilar och tekniker att tacka för hans tidigaste tid då han krånglade med kameror och mixtrade med olika filmlager och hastigheter. Hans experiment finslipade verkligen de färdigheter han skulle lita på under hela sin karriär.
Skapa en lookbook
Av alla filmfotografer som vi har presenterat och intervjuat genom åren, ger Bradford Young kanske det bästa rådet jag någonsin hört till alla som vill komma in på kinematografi, eller till och med bara filmskapande i allmänhet. Skapa en lookbook! Som han säger i videon ovan, hjälper det dig inte bara att utveckla ditt eget utseende och din stil, det förbereder dig också för att övervinna nerverna av att börja i branschen.
En lookbook behöver inte heller vara så tydlig och koncis som du ser i exemplet ovan, som Young förklarar. För praktiska ändamål kommer praktiken med lookbooking faktiskt att informera ditt filmiska sinne och öga att känna igen utseende och stilar som du så småningom kan utveckla i dina egna kompositioner.
Använd film för att skapa ljud
Ett av mina favoritexempel på kinematografins kraft kommer från The Quiet Place , av DP Charlotte Bruus Christensen. I den här filmen gör Christensen det otänkbara genom att faktiskt skapa ljud ur kinematografins tysta praktik.
Christensen, som ursprungligen utbildades i Dogme 95-stilen och filmfilosofin, utvecklade under åren ett naturalistiskt förhållningssätt till kinematografi. Hennes tillvägagångssätt ger filmskaparen möjligheten att använda bilder för att tala till publiken på sätt som är mycket djupare och starkare än bara karaktärer och rörelser.
Förstå vikten av kontrast
En annan viktig aspekt av att titta igenom karriärerna för så många uppskattade filmfotografer är hur fokuserade de alla är på kontrast och vikten av mörker och ljus. Dessa är verkligen de absolut grundläggande byggstenarna för hur bilder och bilder är konstruerade. Så även om en filmfotograf kan fokusera på andra delar av färg och komposition, är kontraster alltid i framkant av deras sinnen.
Det finns kanske inget bättre exempel på detta än med Steven Spielbergs mångårige filmfotograf Janusz Kamiński. Kamiński spelade in så berömda sekvenser som den inledande scenen för "ljusbön" från Schindlers lista . I intervjun ovan beskriver Kamiński hur viktiga dessa kontraster mellan ljus och mörker påverkar hans filmografi, liksom vem han är som artist.
Använd din kamera som en förlängning av dig själv
Detta citat är sant för alla erfarna DP som har tillbringat en betydande tid bakom en kamera. Vid en viss tidpunkt slutar filmkonsten att vara en uppgift och blir helt enkelt en förlängning av en själv. Kameran blir i princip en lem, eller ett tredje öga, för en DP att se och fånga världen omkring dem.
Tittar på några av de exemplariska och otroliga filmerna av Ellen Kuras (som spelade in en av mina favoritfilmer Eternal Sunshine of the Spotless Mind ) Som ett exempel kan du börja förstå hur sant detta koncept är. Bara när du tittar på hennes mest kända projekt får du verkligen en känsla av att hennes kamera liknar hennes vision när vi ser några av de trollbindande, men verkligen mänskliga, ögonblicken i filmen passera framför våra ögon.
Var din direktörs medarbetare
Den här borde nog vara en självklarhet, men om du vill bli en framgångsrik filmfotograf, jobba med fantastiska regissörer! Detta är verkligen fallet med den legendariske Robert Richardson, som har arbetat med stora regissörer som Oliver Stone och Quentin Tarantino. Tricket är dock inte bara att arbeta med bra regissörer. Det är faktiskt att själv vara en bra samarbetspartner.
Richardson har fått arbete gång på gång med några av de största namnen i branschen på grund av sin förmåga att vara en kreativ partner. Dessutom är han en skarpsinnig tjänare till filmhantverket under inspelningen. Det krävs en perfekt blandning av kompatibilitet och kommunikation för att samarbeta med en fantastisk regissör och hjälpa till att förverkliga deras vision.
Kom ihåg att alltid serva berättelsen
I likhet med råden ovan är en annan grundsats för bra film att alltid komma ihåg att historien kommer först. När man ser tillbaka på filmerna av framlidne Michael Chapman, som var en av Martin Scorseses första medarbetare på filmer som Taxi Driver och den svartvita Raging Bull , vi får en stark känsla för berättelse i varje bildruta.
I videon ovan krediterade Chapman framgången med sitt arbete till hans ständiga fokus på att betjäna historien. Han delade sitt fokus med Scorsese, och detta fokus är anledningen till att de båda fortsatte med att hitta sådan framgång.
Var en del av en filmrörelse
Det är också intressant att se tillbaka genom filmhistorien för att känna igen olika epoker och rörelser. När Caleb Deschanel först började med film och kinematografi på 60- och 70-talen var klassiskt Hollywood fortfarande i högsta grad normen. Men när han tog sig upp, fann han sig snabbt en del av en ny rörelse. Tillsammans med samtida som Robert Richardson och Roger Deakins, förde Deschanel film till en ny och modern Hollywood-stil.
Det betyder inte att du bara ska kopiera vad dina kollegor gör. Istället betyder det att precis som Deschanel är det viktigt att inse att du inte behöver göra saker på samma sätt som de alltid har gjorts. Leta istället efter nya stilar och tekniker vid varje hörn.
Skjut konsten framåt
Slutligen, ett av de största kännetecknen för det som gör en fungerande DP till en sann filmmästare är deras vilja att driva konstformen framåt. Det finns tusentals superduktiga DP:er som arbetar med projekt över hela världen. Men att stå ut i en mycket konkurrensutsatt bransch kräver en viss vilja att ta till sig ny teknik och nya möjligheter.
Som en sann innovationsprovocatör måste vi nämna Steven Soderberghs orubbliga vilja att driva branschen framåt. Soderbergh DP:s många av sina egna projekt under pseudonymen Peter Andrews. Medan många studiochefer och regissörer gör filmer större, flashigare och dyrare, fortsätter Soderbergh att ta till sig ny smarttelefonvideoteknik som ett sätt att öppna upp filmskapandet för en ny generation av blivande filmfotografer.