Steven Soderbergh har hittat en under -the-radar sätt att finslipa sin film och samtidigt cementera sin status som auteur filmskapare.
För många utanför Hollywood (som, låt oss inse det, är de flesta av oss i den här branschen), är begreppen pseudonymer och guildregler inte särskilt vettiga. Om du har skrivit, regisserat eller redigerat en film bör du få kredit för det. Om du spelade in filmen själv bör du krediteras som filmfotograf. Verkar ganska enkelt.
Men som en ung Steven Soderbergh fick reda på när han bröt in i branschen – först med indiehiten Sex, Lies, and Videotape , och senare med den kritikerrosade och kommersiellt hyllade Traffic — du får inte alltid allt det erkännande du kanske vill ha eller förtjänar.
På grund av problem med Writer's Guild tidigt i sin karriär, tvingades Soderbergh komma på en pseudonym för att få kredit för sitt filmarbete med sina filmer. Han valde namnet "Peter Andrews" som en hyllning till sin fars för- och mellannamn. (Och intressant nog tvingades han också komma med en pseudonym för sitt redigeringsarbete, för vilket han valde "Mary Ann Bernard" för att hedra sin mor.)
Sedan detta tidiga beslut har "Peter Andrews" fortsatt att spela in nästan alla Soderberghs filmer, vilket gör honom till en av de mest produktiva DP:erna där ute, med storsäljande titlar som Ocean's Eleven , Erin Brockovich , Magic Mike , Logan Lucky , och många fler.
Men vad händer bakom linsen på den här hyllade filmfotografen/regissören, och hur samarbetar dessa dubbla personligheter för att skapa en så välformad auteurfilmare, som underhåller publiken så visuellt genom åren? Låt oss ta en närmare titt.
Författarfilm
Jag måste erkänna, att gräva i filmografin av Steven Soderbergh var en absolut fröjd. Han skapar inte bara roliga och minnesvärda filmer, han är också ett klassiskt exempel på hur tight, snabb och kontrollerad en berättelse kan presenteras när du har en sann auteurfilmare bakom kameran.
Eftersom Soderbergh både regisserar och filmar (och ofta redigerar) sina egna projekt, får du verkligen känslan av att du ser en fullt realiserad vision som tar hänsyn till varje ögonblick och varje bildruta. Soderbergh lutar sig åt sina auteurförmågor tidigt och ofta under hela sin karriär, eftersom han förlitar sig på smarta, snäva bilder snarare än omfattande scenbevakning. Till exempel en av hans första stora hits, Out of Sight, innehåller en öppningsscen som utspelar sig helt mellan två karaktärer i bagageutrymmet på en bil. Testa att vara regissör och pitcha ljus och spela in den scenen för din filmfotograf och se hur de reagerar!
Till skillnad från vanlig film, där målet är att få så mycket kraftfull film som möjligt för nästa steg i filmskapandeprocessen, arbetar Soderbergh snabbt och använder sig mycket av närbilder och snabba bilder. Han förespråkar också ofta icke-traditionella etablerande bilder till förmån för mer experimentella sätt att introducera publiken till en scen, vilket möjliggör snabbare arbete på inspelningsplatsen utan att behöva de största och största uppsättningarna.
The Hyperlink Cinema Style
Medan vi går lite längre in på hur Soderbergh använder färg i sin filmografi nedan, är denna superklippta video av hans arbete bakom linsen på Ocean's Trilogy är ett bra sätt att prata om hans hyperlänksbiostil och hur han använder en mängd olika tagningsvinklar och utseende för att hjälpa till att koppla ihop spridda perspektiv. För många av sina filmer använder Soderbergh vad som kallas en "multi-narrativ" eller "hyperlink cinema"-stil.
Denna filmstil ger upphov till komplexa berättelser fulla av olika perspektiv, komplicerade plottwists och sammanflätade berättelser som hoppar både bakåt och framåt i tiden. Och för många filmfotografer kan scener i den här stilen bli väldigt förvirrande och svårnavigerade om du inte har ett särskilt starkt förhållande till din regissör.
Men eftersom Soderbergh är hans egen DP, kan han fullt ut omfamna hyperlänkfilmens kaotiska natur när han konstruerar dessa utarbetade – och ofta extremt kreativa och oortodoxa – skottstrukturer som är out-of-the-box, visuellt fantastiska och mycket rik på färg. Du kan se det själv i klippet ovan som utforskar Ocean'ss rika gobeläng av färger, skottvinklar och experimentella tekniker franchise.
Tvättade färgpaletter
Soderbergh brinner verkligen i hur han använder färg för att föra publiken längre in i sin filmvärld, samt ge visuella ledtrådar om vart berättelsen kan ta vägen och hur publiken ska känna om vissa karaktärer och händelser.
Soderbergh har fulländat sin egen urtvättade färgprofil som känns äkta, men ändå är sensationell nog att locka publiken med några av de mer besynnerliga inslagen i de många underjordar som hans filmer ofta lever i. Exempel som Ocean's filmer kommer att tänka på, liksom Traffics grova texturer och Magic Mikes ljust tvättade scenljus .
Som du kan se i videon ovan (sammansatt av Fandor), gillar Soderbergh att skapa färger genom att mätta karaktärer i scener i en igenkännbar nyans, som han skapar heltäckande genom belysning i inspelningen, i kamerainställningar och ofta sin egen. efterproduktionsfärgning. Dessa signaler hjälper publiken att bättre få kontakt med scener, karaktärer och känslor, som han sedan kan leka med senare när färgerna står i mer direkt kontrast till varandra.
Soderbergh Montage
För dem som är bekanta med filmskapande termen "montage", skulle jag hävda att Soderbergh har blivit en av de mest inflytelserika figurerna när det gäller att omforma tekniken från dess tidiga franska New Wave-rötter till ett mycket mer praktiskt modernt filmskapande verktyg. Till skillnad från 60- och 70-talens mycket skrämmande montagestilar har Soderberghs skarpa, smidiga användning av denna teknik revolutionerat hur filmskapare snabbt kan gå in i, ut ur och mellan scener utan att publiken tappar förståelsen.
Som filmfotograf visar Soderbergh detta perfekt i sina nyare filmer — som The Laundromat — där han kan hoppa mellan scener som spänner över tid, rum och plats över hela världen för att hjälpa till att koppla samman de komplexa, strukturerade berättelserna. Du kan se detta kontrollerade kaos på överväxel i trailern ovan.
Denna "Soderbergh Montage" kräver ett skarpt öga för film, där inramningen för varje bild måste vara perfekt komponerad för att matcha och föra tittaren in i nästa bild, oavsett om den är på samma uppsättning eller använder samma skådespelare. Och Soderbergh måste göra detta i sin snabba inspelningsstil - ofta för nästan varje scen i filmen.
En smartphones filmframtid
Slutligen, medan Soderbergh har åtnjutit beröm för både sitt tidiga arbete och sina Oscarsbelönta strävanden med stora budgetar, har regissören/filmfotografen på senare tid fått uppmärksamhet för att ha återvänt till sina rötter och arbetat som en DIY-indiefilmare som har varit en av de första att omfamna möjligheterna med smartphone-film.
Faktum är att med två nya iPhone-shot-funktioner under bältet, verkar Soderbergh vara låst vid att göra smartphonefilm till ett kostnadseffektivt indiealternativ såväl som ett verkligt alternativ för både stora regissörer och stjärnor.
Hans arbete bakom kameratelefonen (så att säga) på båda Osane (som du kan läsa mer om här) och High Flying Bird har hyllats för sin kreativa och stiliserade film, som omfattar smartphonekamerans begränsningar och möjligheter.
Om du är intresserad av en framtidsvänlig filmkarriär, överväg att följa Soderberghs ledning. Hans statiska vidvinkelinställning till smartphonefunktioner är kanske det bästa exemplet där ute på vart branschen kan vara på väg under de närmaste åren och decennierna framöver.