När han växte upp i en liten stad i Oregon på 1970- och 1980-talen visste ingen om film, enligt John FK Parenteau, en konstnär för visuella effekter och producent med över 30 års medverkan i otaliga Hollywood-produktioner som Sin City , Iron Man 2 , Fast Five, Super 8, The Hunger Games för att nämna några. Han visste att han ville skriva in sig på filmskolan, men hans vägledare var inte till mycket hjälp. "Jag har ingen aning om hur jag ska ge dig råd," sa vägledaren till Parenteau. För någon som växte upp under den tidsperioden fanns det en person som kanske förstår hans dröm. George Lucas.
Parenteau skrev ett brev till Lucas, eller kanske var det till Lucasfilm eller ILM – han kommer inte ihåg. Men han fick ett svar från en av Lucas folk, som sa, "du borde gå på USC filmskola." Extremt naivt när det gäller antagning till universitet, tillämpade Parenteau och tänkte "Okej, jag ska bara gå dit." Som tur var blev han antagen.
Efter filmskolan i slutet av 1980-talet skar Parenteau tänderna som filmfotograf. Men ett parallellt intresse för 3D-datoranimation, då bara i sin linda, ledde honom in på vägen till en konstnär med visuella effekter. Beslutet var bra, eftersom Parenteau slutade arbeta för Steven Spielbergs Amblin Imaging på program som Seaquest DSV och Star Trek franchise. Under de senaste 30 åren har Parenteau bildat 2 visuella effektföretag, regisserat kortfilmer och producerat en webbserie, som han även skrivit, regisserat och redigerat.
Parenteau kommer att använda denna stora erfarenhet av filmskapande för Artgrid x Artlists andra årliga Edit Challenge.
I väntan på utmaningen pratade vi med Parenteau om hans väg in i filmbranschen och karriärens omväxling från kinematografi till 3D-animation och visuella effekter. Vi pratade också om hans tid med Spielberg på Amblin Imaging, och hans tips för att arbeta med bildmaterial och ljud, samt att göra fantastiska musikvideor, annonser och trailers.
Hur kom du igång i filmbranschen?
Jag fokuserade lite mer på kinematografi tidigt. Jag kände inte att jag hade en röst för att regissera, och det är ett väldigt moget sätt att säga just nu vad jag kände förr, nämligen att jag skulle komma på inspelningsplatsen och inte hade någon aning om hur jag skulle prata med skådespelare. Jag blev lite förbannad. Det visuella jag verkligen älskade, så jag fokuserade lite mer på den tekniska sidan genom college och var en filmfotograf utanför college.
Jag är den typen av kille som gillar att lära sig saker. Jag gillar att göra många olika saker, och det har tjänat mig väl i min karriär, oavsett om jag är med ett stort eller litet företag som jag kan flexa runt mycket. Så jag lärde mig 3D-animation när den precis kom upp i skrivbordsform i slutet av 1980-talet och början av 1990-talet. Det var då jag anställdes av Amblin Entertainment för att arbeta som CG-artist i ett tv-program som heter Seaquest DSV . Det slutade med att jag blev befordrad till att driva divisionen för visuella effekter som heter Amblin Imaging, där jag var vice vd/general manager.
Det har varit min karriär – att göra konstiga, coola saker och alltid vara öppen för nya utmaningar. Det slutade med att jag splittrade det företaget [av Amblin Entertainment] när DreamWorks bildades och gick över till att producera mer, men jag har alltid spelat in [filmer] och börjat regissera mer. Jag regisserade faktiskt en kortfilm för en rolig liten utmaning som ett gäng vänner gjorde, och på inspelningsplatsen arbetade jag med skådespelare för första gången på många, många år. En av skådespelarna drog mig åt sidan och sa, "hej, du vet verkligen hur man pratar med skådespelare. Du är riktigt bra på det här med att regissera." Och jag tänkte, "var lärde jag mig det?" Jag vet inte! Det var egentligen bara mognaden av att ha varit i branschen tillräckligt länge.
Jag älskar filmskapande, jag älskar att berätta, och det har alltid varit min grej är att berätta historier bättre, oavsett om det är med teknik eller med att skriva, regissera eller vad som helst.
Kan du prata om övergången från att göra CG-bilder till att övervaka dem?
Jag var verkligen den lägsta av artisterna där på Amblin. När jag blev anställd var det många andra redan där. Detta är tillbaka 1991/1992, så konceptet med att ha en division för visuella effekter var väldigt nytt förutom för ILM eller Apogee, eller ett par av de gamla skolföretagen.
Sin City (Dimension Films)
Föreställ dig att jag är en animatör och jag har tilldelats en bild, och bilden har en viss CG-modell, och jag kan inte hitta den på servern. Så jag går fram till modelleraren och säger, "hej, gjorde du färdig den modellen? Jag måste använda den." De säger, "åh, ja, jag avslutade det." Jag säger, "okej, ja, jag ska berätta för texturkonstnärerna att du är klar med det så att de kan börja arbeta med det. Och nästa gång du avslutar en modell, låt mig bara veta, så hjälper jag till och jag ska låta folket veta det."
Blinka framåt cirka 9 månader (ett år efter att divisionen startade), och den ursprungliga chefen skulle lämna. Amblin frågar alla artister (förutom mig eftersom jag var den yngsta killen där), vem skulle kunna ta över divisionen? Och de sa alla, "Nå, du borde bara låta John göra det. Han har redan producerat det." Jag visste inte att jag gjorde det. Jag försökte bara underlätta att få jobbet gjort. Jag var så exalterad över jobbet och jag ville bara göra vad jag kunde göra för att hjälpa.
Jag kanske spekulerar men att kunna prata med andra kreativa kanske hjälpte dig till slut att bryta ner den uppfattning du hade om dig själv att du inte visste hur man pratar med skådespelare?
Ja, på ett sätt. Jag menar, min mamma och pappa skilde sig när jag var väldigt ung, så jag växte verkligen inte upp med en pappa eller fadersfigur, så någon makthavare skrämde mig inte riktigt. Det var väldigt lätt för mig att prata med de konstnärer som var mina jämnåriga, såväl som en chef på universitetet eller Spielberg. Det var en stor del av att jag var chef:att kunna kommunicera behoven från den konstnärliga sidan till behoven från affärssidan. Efter det, när jag regisserade för första gången, gjorde all den kommunikationen och förmågan att prata med människor det mycket lättare för mig att regissera skådespelare. Men jag tror verkligen att det var mognaden att förstå hur man berättar något för en skådespelare för att få dem att göra något utan att vara en dålig regissör och berätta för dem på fel sätt.
Så, vad gjorde du efter att Amblin Imaging veck och DreamWorks har skapats?
Den snabba historien där är att jag pratade med Steven om att ta oss in i DreamWorks och han sa, "ja, du vet, (producent) Jeffrey Katzenberg (Shrek ) ville fokusera på animationsdivisionen.” Katzenberg hade vissa lag som han ville ta med sig ombord, så det passade i princip inte för oss. Så jag frågade Steven, "om jag startade mitt eget företag skulle du bli en partner? Han sa, "ja, visst", och så han var en tyst partner och var inte särskilt involverad alls.
Det var väldigt coolt eftersom han gjorde det möjligt för oss att köpa all utrustning som vi hade på Amblin Imaging till ett riktigt bra pris från Universal Studios. Och han gjorde det möjligt för oss att ta över många av dessa kontrakt från Universal som vi redan hade på Ambling Imaging. Vi bildade ett företag som heter Digital Muse – jag själv och John Gross.
Ett av Digital Muses första specialeffektprojekt var kultserien Sliders
Låt oss prata lite om att vara domare i den här redigeringsutmaningen. Vilka förväntningar har du på det?
Nåväl, jag har aldrig gjort en utmaning som denna. Det som är unikt, tror jag, är att vi i huvudsak använder konceptet found footage med stockvideo från Artgrid och musik från Artlist. Så i någon mening av ordet är det mer kreativt än om du gick och fotade dina egna grejer. Det är väldigt lätt att fotografera något väldigt specifikt men att kunna skapa något av befintliga filmer är en alldeles unik utmaning. Jag tror att det verkligen är till hjälp för att utveckla den berättarförmåga som alla filmskapare behöver.
Det ska bli riktigt intressant att se hur människor skapar en berättelse med hjälp av olika element. Jag går alltid tillbaka till det ögonblicket när du går på filmskolan när de visade dig en bild av en person med ett tomt uttryck. Sedan visade de en bild på mat, och sedan visade de personen med ett tomt uttryck igen. Och sedan frågade de folk:"Vad känner den personen?" och [eleverna] säger, "Ja, han är hungrig." Sedan gör de samma sak med något hemskt och de säger, "Åh, han är rädd." Men personen har inte ändrat sitt uttryck, vilket beror på att bilderna matar varandra och skapar en berättelse vare sig du gillar det eller inte.
Att använda den här typen av teknik kommer verkligen att hjälpa till att utveckla en artists förmåga att berätta historier med hjälp av befintligt material, vilket är mycket svårare än om du bara får skapa vad du vill skapa, och regissera vad du vill regissera när det gäller skådespelaren . Jag är verkligen spänd på att se vilken kreativitet som kommer ut ur detta. Jag tror att det kommer att bli väldigt imponerande i slutändan.
The Hunger Games (Lionsgate)
Ja, det är intressant. Under den längsta tiden har jag arbetat med stockfilmer för musikvideor som jag gör för mig själv bara för skojs skull. Jag känner att en del av processen att arbeta med hittat material och ljud bara är att leka med dem eftersom du verkligen inte har någon aning om vart det kommer att ta vägen, och så plötsligt har du kommit fram. Det är som den där klichén när folk pratar om konst och kreativitet, och någon frågar var en idé kom ifrån. Ofta vet man inte riktigt. Du har precis börjat göra något och sedan händer det.
Ja, det här är definitivt mer rent kreativt på det sättet eftersom du måste hitta det konstnärligt genom processen och låta det utvecklas på egen hand, i motsats till något du har skrivit och filmat mycket specifikt, där du typ redan har en färdplan för vart det är på väg. Detta är sann ren konst eftersom du inte, som du sa, vet vart den är på väg. Och i slutändan kan du bli förvånad.
Men med det sagt, har du några tips eller tekniker som folk kan använda för att hjälpa till under Edit Challenge?
Om jag gör en musikvideo börjar allt på samma ställe, som är med musiken. Musiken presenterar liksom temat i din hjärna; ger dig en ton eller ett tempo som du hittar. Oavsett om du fotograferar det själv eller använder stockfilmer, tror jag att nyckeln är att hitta ett musikstycke först och tänka på vilka bilder det framkallar i ditt huvud, vilka färger, vilka toner, vilka känslor det börjar med och sedan gå och hitta bitar i Artgrid som tar fram de bilder som finns i din hjärna oavsett hur abstrakt de är. Det är då du börjar lägga upp saker.
Kanske finns det ögonblick i låten som väcker en viss känsla och andra som är annorlunda, så börja bygga den som en liten mosaik och se vad du hittar på. Det är det fina med redigering:du kan flytta runt det, du kan ändra saker, du kan bli av med klipp. Men jag tror att det i slutändan kommer att vara inspirationen till musiken som kommer att driva dig, och det är där jag alltid föreslår att folk börjar.
Vad skulle du säga är några användbara tips för att göra en bra trailer eller videoreklam?
I en trailer försöker du berätta en historia, så du måste ta reda på vad din historia är i förväg. Det kommer att bli så svårt att försöka få ihop något ur ingenting om du inte redan vet vart du är på väg med det. Om det är ett actionstycke, vad är handlingen? Är det en kriminalthriller, vad försöker du framkalla då? I slutändan måste du kunna skriva lite av en historia när det kommer till en trailer eftersom det är hela syftet med trailern. På sätt och vis skriver du det och kommer sedan att hitta element som matas in i det.
För annonser handlar det så klart lite mer om produkten. Så vad gör du? Återigen kommer vi tillbaka till berättelsen och temat. Vad vill du sälja? Om du försöker sälja ett hotell eller något, vad försöker du då få fram om hotellet? Att det är bekvämt, att det är en plats där familjer hör hemma? Sedan vill du börja visa element som lyfter fram dessa berättelser. Om vi gör ett familjevänligt hotell behöver du bara delar av hotellet, du behöver bilder av familjer och barn som trivs i en liknande miljö, och du kommer i princip över historien om vad du försöker säga. Jag gör alltid såna saker.
Du kan göra många abstrakta saker och bara slänga ihop en massa bilder och förmodligen komma till den punkten, men det hjälper att ha lite av en karaktärsbåge eller en berättelsebåge. I det här fallet, film där familjen kommer till hotellet först – de ser det och barnen springer iväg, och sedan visar vi resan hela dagen. I slutet av natten sover föräldrarna i sängen men glada, du vet, och de är bekväma. Du kan enkelt göra det med stockfilmer. Så du hittar de där berättelsepunkterna som tar dig med.
Jag tror att du med musikvideor har lite mer spelrum eftersom de är mer abstrakta eller kan vara mer abstrakta. Jag berättar historier i de flesta av mina videor också, så du kan göra det också.
Super 8 (Paramount Pictures)
Jag känner också att med annonser och musikvideor är redigeringstakten så olika. När du redigerar en musikvideo redigerar du ofta till den musikaliska rytmen eller spelar mot den, medan du med annonser måste uppskatta bågen.
Ja, och jag tror att du måste tillåta människor att se saker tydligare eftersom du liksom presenterar något i en miljö eller en produkt av något slag. Du kan inte skynda på det eftersom det kommer att vara för distraherande. Det är till skillnad från en musikvideo där du kan gå väldigt snabbt om den tilltalar musiken. En trailer är typ mittemellan, där du behöver lite av båda. Om du bygger något som är actionrelaterat vill du ha lite av det snabba klippet, men du vill också att det ska andas. Det låter alla säga "wow, det var intensivt!"
Tänker på Edit Challenge igen, vad kan du säga om att uppskatta eller arbeta med ljud som en visuell person.
Ljud är lika viktigt som det visuella eftersom det kommer att driva en annan känslomässig nivå av projektet. Det handlar inte bara om att visa en vacker bild. Om du visar en vacker bild i tysthet, är det ett annat uttalande än om du visar en vacker bild med ett mycket kraftfullt ljud eller musik under sig. Jag är en filmfotograf men jag är en hemsk ljudmänniska. [Skrattar ] Jag går på intervjuer och jag glömmer ljudet eftersom det alltid är det sista jag tänker på, som att spela in dialoger eller något liknande.
Så tänk på ljud som en känslomässig motsvarighet till vad bilder gör med dina ögon, och bygg saker med hjälp av dessa ljudelement, oavsett om det bara är musik eller ljudeffekter. De behöver inte vara stora, de behöver inte vara i ditt ansikte, men det underliggande mullret av sunda avsikter kommer verkligen att vara en enorm fördel för att göra något känslomässigt kraftfullt totalt sett.
Medan folk fortfarande går i filmskola är det nu många som skaffar en kamera och börjar ladda upp saker till YouTube, Instagram eller TikTok. Vad har du för råd till människor som precis kommer in i filmfältet? Det är så drastiskt annorlunda än vad du först upplevde.
När jag började ville jag vara i filmbranschen. Det fanns inget internet, det fanns ingen tillgång till det material som vi har tillgängligt nu. Jag tycker fortfarande att filmskolan har ett syfte. Om du kommer in i branschen, och du har tid och pengar, och du vill ha en utbildning eller en examen, tjänar det ett syfte på vägen, som vi kan beröra lite. Du behöver dock inte gå på filmskola för att lära dig allt detta. Men kom ihåg, det handlar inte om skolan, det handlar om utbildning. Så om du inte går på en filmskola behöver du fortfarande lära dig. Och bara för att du kan plocka upp en kamera och lägga upp något på YouTube gör dig inte till en utmärkt filmskapare, och det kommer det inte att göra om du inte är villig att göra jobbet för att ta reda på vad som gör en riktigt bra filmskapare, och hur du utvecklar din egen röst som filmare. Det innebär att titta på gamla filmer, titta på YouTube-videor, spela in en massa saker.
Filmskapare gör filmer. Folk säger alltid:"Jag vill bli filmskapare." Jag säger, "ja, har du gjort något?" De säger "ja, jag kan inte hitta tid" eller vad som helst. Det är som att det är ditt problem för även om du gör en dålig film så gör du en film och du lär dig av det och går framåt. Så gör mycket filmer, gör mycket research, var inte motståndskraftig mot gamla filmer – du lär dig så mycket av dem. En av mina favoriter, Lawrence of Arabia , har alltid informerat min filmfotografering när det gäller. Lär dig av andra människor och studera annat material.
Det andra som filmskolan ger dig är nätverkande. Genom att gå på filmskola möter du många människor som du bär med dig genom ditt liv, om du håller kontakten med dem. Du behöver det för att vara i branschen. Om du inte går på filmskola måste du utveckla ett nätverk annars, och det betyder inte bara på Facebook. Gå till evenemang lokalt. Det finns många gratisevenemang runt vilken stad du än befinner dig i; det finns onlineevenemang du kan gå till och lära dig mycket och träffa människor – det är nyckeln till att skapa det nätverket. Om du inte har det, där du kan ringa för att hjälpa dig och du kan hjälpa dem med projekt, då arbetar du isolerat och det kommer aldrig att vara bra för din kreativitet.