För att fira Internationella kvinnodagen tar vi en titt på 7 briljanta kvinnliga regissörers arbete och ser hur var och en ger ett unikt utseende och känsla åt sitt arbete. Naturligtvis finns det många fler än bara 7 fantastiska kvinnliga regissörer där ute, men vi måste börja någonstans!
Kathryn Bigelow, The Hurt Locker (2008)
Låt oss börja med Kathryn Bigelow, den enda kvinnan som vann en Oscar för bästa regissör och filmen som gav henne Oscarspriset, The Hurt Locker . Bigelow arbetade tillsammans med sin fotografichef, Barry Ackroyd, för att skapa en film som känns som om det vore en dokumentär inspelad av en inbäddad journalist i Irak. Genom att använda Aaton 16 mm-kameror med Fujifilm-stock, är den övergripande känslan av instabilitet, förstärkt genom att använda handhållna kameror. Det finns massor av zoomning in och ut och snabba fokusändringar som återspeglar den farliga och snabbt föränderliga miljön för uppdraget.
Irakscenerna, som faktiskt filmades i Kuwait, spelades främst in under dagen med så mycket naturligt ljus som möjligt. Ackroyd har sagt att han föredrar ljussättning som inte stör skådespeleriet, och som följer med de få nattscenerna, som mestadels använde sig av praktiska ljus.
Många av scenerna i Irak använder ett kort skärpedjup, vilket tyder på det snäva fokuset och de smala målen hos karaktärerna som är experter på bombröjning. Detta i motsats till scenerna i USA, när huvudpersonen har återvänt från sin tjänstgöring där planlösheten i hans nya liv förmedlas genom bredare bilder med ett djupare fält.
Övergången från Irak till USA är inte smidig och enkel för huvudpersonen, vilket återspeglas i de snabba nedskärningarna mellan de två länderna. Bigelows användning av skarpa kontraster i filmstil, kameravinklar och ljussättning mellan Irak och USA driver hem svårigheten att anpassa sig från militärt till civilt liv. Det är ett bra exempel på hur teknik är ett avgörande inslag i ditt berättande.
Céline Sciamma, Portrait of a Lady on Fire (2019)
Recensioner av Sciammas Portrait of a Lady on Fire var nästan universella i sitt beröm av en vacker målerisk film som bara handlade om den kvinnliga blicken, eller synvinkel. Med tanke på att den berättar historien om en kvinna som fått i uppdrag att i hemlighet måla porträttet av en blivande brud för sin tilltänkta make, kunde hyllningen inte vara mer träffande. Sciamma och hennes filmfotograf, Claire Mathon, undersökte historiska kvinnliga konstnärer och deras verk för att ge detta tidstypiska verk äkta.
Sciamma använde sig av långa, kvardröjande bilder som krävde mycket noggrann blockering och koreografi, men inte mycket förändringar av inställningarna. Detta bidrar till filmens "slow burn"-uppbyggnad, men låter också belysningen verkligen lysa.
Sciamma hade mycket tydliga idéer om att använda den typ av ljus som refererade till oljemålningarna från hennes forskning. Hon ville ha en överväldigande känsla av mjukhet till ljuset som aldrig tog över. Skådespelarnas hud har inte ett realistiskt utseende, utan liknar istället den matta perfektionen hos oljemålningsporträtt. Med Sciammas ord: ‘Ljuset verkar komma ut ur karaktären.’
Interiörscenerna spelades in i ett slott i regionen Seine-et-Marne i Frankrike. Slottets ålder och orestaurerade karaktär gjorde att besättningen behövde ett annat förhållningssätt till belysningen. De byggde en plattform utanför slottet och lyste upp alla scener genom dess fönster. Alla nattscener var upplysta med något som såg ut som levande ljus men utan att några ljus användes. Allt detta gav en mycket sensuell känsla till scenerna och bidrog till att skapa det där andra världsliga ljuset.
Bakom scenen av "Portrait of a Lady on Fire". Bild av NEON
Strandscenerna spelades in på den Bretagne kusten, och medan skådespelarna och besättningen förväntade sig vind och regn, hade de strålande solsken. De använde en Red Monstro-kamera med Leitz Thalia-linser och en LUT med film-look. Filmutseendet förstärkte de cyanfärgade tonerna i bilderna, som kontrasterade bra med skådespelarnas röda och gröna klänningar och gav djärva och intensiva färger till filmen.
Sofia Coppola, The Virgin Suicides (1999)
I motsats till det intensiva kvinnliga perspektivet i Sciammas Portrait of a Lady on Fire , kommer vi till Sofia Coppolas regidebut, The Virgin Suicides . Den här drömmande filmen berättas retrospektivt, med en grupp män som minns vad de mindes av de 5 Lissabonsystrarna, som alla tog sina liv. Det skulle vara väldigt lätt för den här filmen att glida in i sentimentalitet, men Coppola håller flickornas komplexitet i förgrunden, och man undrar hur pålitliga berättarna verkligen är.
I kontrast mot filmens mjuka och unga utseende med massor av pastellfärger är ljudspårets melankoli. Denna sammanställning understryker förvirringen kring flickornas liv och pojkarnas förståelse för det. Vad hände egentligen? Och varför?
Nyckeln till Coppolas berättarteknik är hennes användning av fönsterbilder. I synnerhet ser vi flickorna titta från ett stort fönster i sitt hem, kameran tittar tillbaka på dem och omvärlden reflekteras i glaset.
Vem som tittar och vem som tittas blir utbytbara. Ytterligare en fönsterbild som Coppola använde i The Virgin Suicides och i hennes senare filmer, till exempel Marie Antoinette , Lost in Translation och någonstans , sköts bilens (eller vagnens) fönster. De visar alla människor som förs någonstans men utan att ge bort var och varför? Det är ett känslomässigt berättande verktyg.
Andrea Arnold, Fish Tank (2009)
Du kommer ofta att höra att Andrea Arnolds filmskapande tillhör traditionen av "brittisk socialrealism", tillsammans med Ken Loach och Mike Leigh. Arnold föredrar dock att se publiken som att falla in i människors liv, snarare än att vara på utsidan och titta in. Detta är något som hon uppnår genom sitt filmskapande tillvägagångssätt.
Till att börja med blandar Arnold ofta icke-skådespelare och skådespelare. I Fish Tank , spelades den tonåriga huvudrollen Mia av Katie Jarvis, som erbjöds rollen efter att Arnold såg henne vänta på ett tåg. Arnold kände att Jarvis förkroppsligade Mia och kände sig autentisk för hennes vision. Men Conor, karaktären som Mia blir kär i, spelades av Michael Fassbender.
Därefter föredrar Arnold att fotografera sekventiellt. Hon gillar det organiska flödet som detta skapar i en film och hur det tillåter skådespelare att utveckla sina karaktärer under projektets gång.
Arnold tenderar inte heller att blockera scener eller skapa en shot-lista. Objektivval kan ofta också bero på slumpen. Men hon föredrar 35 mm film framför digital. Alla dessa val bidrar till den naturliga känslan som hennes filmer skildrar det verkliga livet. Tillsammans med DP Robbie Ryan lyckas Arnold fördjupa dig i hennes karaktärers liv. Och precis som scenerna där Conor berör Mia utspelar sig mer lyriskt än det verkliga livets hårda bett, är det som om vi har glidit in i en dagdröm.
Lynne Ramsay, We Need to Talk About Kevin (2011)
Även om Lynne Ramsay verkligen har gjort filmer som faller inom kategorin "brittisk socialrealism", We Need to Talk About Kevin tar ett steg åt sidan från det. Som Ramsay säger, det är inte en realistisk film, det är en "What if?"-film.
Vi måste prata om Kevin berättar historien om Kevin, en pojke som går på ett mordiskt framfart, och hans mamma, Eva. Som du kan förvänta dig är detta en djupt störande och oroande film, och allt som Ramsay och filmfotograf Seamus McGarvey satte ihop på filmduken bidrar till den känslan av fruktan och skräck. Den är mestadels tagen med en 35 mm-kamera på Fujifilm-stock med flashback-scenerna digitala.
Du kanske aldrig ser blod eller blod, men det röda motivet går väldigt starkt genom filmen, och känslan av skräck är mycket noggrant psykologiskt utformad. När ljusbloss används för att signalera våld är det som lämnas åt fantasin mycket värre än något som kan visas på skärmen.
Ramsay använde elliptisk redigering för att berätta historien som ursprungligen var en epistolär roman (i form av bokstäver), där tillbakablicksscenerna hade ett plattare och mjukare utseende med mindre färg än de som utspelar sig i nuet. För närvarande bidrar mycket djärva primärval – rött, blått och gult – till berättelsens intensitet, liksom användningen av närbilder och karaktärer placerade på motsatta kanter av ramen. Det är ett konfronterande utseende, men det framhäver också avståndet mellan dem.
Tillsammans med den intensiva färgläggningen är ljudbilden hård och speglar Evas förvirrade och förkrossade sinnestillstånd. Färgen och ljudet arbetar också för att bygga upp spänningen för tittaren.
Slutligen är det också värt att notera de visuella likheterna mellan Eva och Kevin. Naturligtvis är det inte ovanligt att barn ser ut som sina föräldrar, men i det här sammanhanget lockar det dig att reflektera över hur mycket av Kevins beteende som är naturen och i vilken grad det är näring.
Få obegränsat med musik
för dina videor
Börja gratis nu Prissättning Amy Heckerling, Clueless (1995)
När du tänker på Amy Heckerlings 1995 Clueless , du kanske tänker på det som en klassiker i gymnasiegenren. Du kanske kommer ihåg den för dess udda slagord, fantastiska mode och söta soundtrack. Du kanske till och med minns den för att den utlöste eran "återberättade klassiker" som ledde till filmer som 10 Things I Hate About You och Grymma avsikter . Men det finns mycket mer i det och Heckerlings filmskapande än så.
Aningslöst är ett arketypiskt coming-of-age-drama som inte drar sig för komplexiteten i relationer, även om det berättas i en svindlande, frenetisk takt. Det finns bakgrundsaction, förgrundsaction, berättarröst och musik som händer på en gång. Det skulle vara lätt för det hela att bli överväldigande och för publiken att bara vilja gå ifrån det. Men i själva verket är kaoset noggrant koreograferat och det speglar tydligt en tonårings liv. Detta ger realism till det främmande i protagonisten Chers uppväxt i Beverly Hills.
Cher och hennes vänners liv är så privilegierade och de är så omedvetna om sina lyckliga omständigheter att det skulle vara lätt att känna förakt mot dem. Istället älskar du dem. Mycket av det beror på Herckerlings användning av voice-overs. Det du hör Cher berätta för dig är ofta helt i strid med det visuella på skärmen. Men det är hennes uppriktighet och genuina tro på situationen som vinner över dig. Hon är inte illvillig; hon är älskvärd.
Heckerling ville ha Aningslös att vara helt "glitter och glitter". Bortsett från sin egen motvilja mot svagt upplysta scener efter att ha växt upp i en mörk lägenhet i Bronx, hade hon sett så många filmskapare gå mot Rembrandt-y-looken med sin belysning att hon ville ha något annat. Tillsammans med filmfotograf Bill Pope gav Heckerling oss just det; de tar dig in i en positiv värld fylld av ljus och skratt. Och Aningslöst skulle aldrig ha fungerat utan kläderna, ljusdesignen eller den exploderande fontänen i bakgrunden när Cher äntligen inser vem hon älskar.
Greta Gerwig, Lady Bird (2017)
Lady Bird är tänkt att kännas som ett minne. Men Gerwig ville inte att hennes regidebut skulle ha det vanliga utseendet av out-of-the-box korn eller mjukt fokus som kännetecknar minnet. Istället ville hon att hennes publik skulle känna prosceniumbågen och känna magin i filmens ljuslåda. Effekten som hon och filmfotograf Sam Levy framkallade, med hjälp av en Arri Alexa Mini med gamla Panavision-objektiv och inspelad i 2K, liknade utskrivna sidor som sedan hade fotokopierats, eller fotokopior av fotokopior. Det känns som om du tittar på något där det finns en tydlig kvalitetsförlust, men det är inte överdrivet.
Gerwig hämtade mer inspiration från foton av unga kvinnor av Lise Sarfati tagna i början av 2000-talet. Beskrivningen som drev utseendet på Lady Bird var 'vanlig men läcker'. Hon ville att uppsättningen och kostymerna skulle vara rika och väl avrundade men inte så att de distraherade betraktaren. Allt är till för att bidra till karaktärens person eller till själva berättelsen, men ingenting är menat att ta ansvar.
Slutligen är det dialogen. Det är meningen att det ska kännas "riktigt". Karaktärerna i Lady Bird tala i meningar som ändrar riktning, eller som faktiskt inte går någonstans eller verkligen slutar. Det finns avbrott. Det var manus men det var manus för att låta hur människor pratar i verkligheten, inte för att låta som ett filmmanus. Fokus för Lady Bird handlar om karaktärerna och deras berättelse; det är inte på inspelningsplatsen eller på flashig film. Det handlar om det verkliga livet.