En storyboard är en metod för att planera framåt och det hjälper mycket under förproduktionsprocessen. Genom att visualisera dina bilder med en storyboard kan du se hur dina bilder hänger ihop innan du har spelat in en enda fot av film eller en bildruta, vilket kommer att förhindra att du slösar både tid och film. En bra storyboard låter dig visa din besättning vad du har i åtanke och räddar dig från att försöka förmedla vad du vill med ordrika förklaringar och frustrerade handgester. När du visar din fotografichef och kameraperson dina tavlor, kommer de omedelbart att veta vilken typ av bild du behöver och hur de ska rama in motiven.
Medan du lärde dig om filmskapande, betalade dina avgifter som produktionsassistent eller annan besättningsmedlem, eller till och med bara letade runt på internet, kanske du har sett detaljerade storyboards av professionella artister. Sådana brädor är trevliga, men du behöver inte vara en begåvad artist för att skapa storyboard effektivt. Även enkla stavfigurer kan ge folk en god uppfattning om hur din skottsekvens kommer att se ut, till exempel illustrationen i figur 1.
Exemplet ovan kan vara grovt, men det är helt klart en tvåbild med en karaktär närmare kameran. Rudimentära konstfärdigheter är med andra ord helt ok. Vad du däremot behöver veta är hur du ska rama in ämnena i din film. En grundläggande kunskap om kamerabilder, tillsammans med några enkla perspektivtrick, gör att du kan kartlägga din scen i en lättläst visuell stenografi.
De olika typerna av bilder
Låt oss börja med en snabb genomgång av grundläggande bilder och hur de ser ut:
Långskott
Generellt sett kommer en långbild att inkludera hela kroppen av motivet eller motiven.
Medellång skott
En medium bild kommer vanligtvis att avbilda ditt motiv var som helst från ovanför knäna och upp till precis ovanför midjan och uppåt. Kom ihåg att inte skära av dina motiv vid knäna, eller någon annan kroppsövergång – det ser besvärligt och dåligt sammansatt ut. Försök att rama in dem precis ovanför eller under skarven i fråga.
Närbild
Närbilder är där vi oftast ser det känslomässiga innehållet i en scen. De låter oss se karaktärens ansikten på nära håll, och därmed deras sinnestillstånd. Närbilder är vanligtvis inramade från bröstet och upp. Ibland kan de dock ramas in från panna till haka, eller kommer till och med att involvera bara motivets ögon. Vi kallar detta en extrem närbild.
Extrem närbild
ECU, som de ibland skrivs, tillför dramatik. Dessa bilder tjänar mest på att ha ett mycket snävt fokus. För det mesta används de sparsamt, men en enda ECU kan ge en riktig kraft till en scen.
Master shot
En snabb anteckning om huvudbilden:det här är en term som hänvisar till en bild som löper under en scen och visar alla karaktärer i sikte. Det är det mest konservativa sättet att iscensätta en scen. Tänk på ett mastershot som att se en pjäs från någonstans i publiken. Man ser hela uppsättningen och var karaktärerna befinner sig i förhållande till varandra på scenen. I äldre filmer och produktioner med flera kameror, som sitcoms, börjar scener ofta med en huvudbild för att orientera publiken, och alla övriga bilder i scenen relaterar till den här bilden.
De flesta enkameraproduktioner förlitar sig inte så mycket på huvudbilden. Men att ha master shot i åtanke kan hjälpa dig att planera resten av din shot lista. Till exempel, i en scen som skildrar en konversation mellan två personer, kan du bestämma dig för att klippa till närbilder av varje person som pratar, plus en insättningsbild av ett objekt som de pratar om, och sedan klippa tillbaka till huvudbilden efter var och en . Detta är ett mycket grundläggande sätt att redigera en scen.
Det finns också några speciella bilder som du kanske vill använda i din storyboard. Här är ett par exempel.
POV
POV, eller point-of-view-bilden, är just det:det låter publiken se vad som händer genom en karaktärs ögon. Det enklaste sättet att indikera detta är att visa en karaktär som tittar på något och sedan klippa till det de tittar på från en lämplig vinkel som får det att se ut som om kameran är på karaktärens plats. I vårt storyboard-exempel (se figur 2) arbetar en kvinna vid sitt skrivbord när familjens hund går in i ramen (A). Kvinnan tittar ner (B) och ser hunden titta upp på henne, viftar med svansen (C). Lägg märke till hur kombinationen av skott förmedlar kvinnans och hundens POV till publiken.
POV-bilder tenderar att användas sparsamt, även om det har funnits några filmer med hela sekvenser tagna från en karaktärs synvinkel. Faktum är att filmen noir Lady in the Lake från 1947 spelades in helt och hållet från huvudpersonens POV.
Vidare kamerarörelser
Nu när vi har pratat om några grundläggande bilder, låt oss gå igenom några viktiga kamerarörelser och sätt att avbilda dem på sidan:
Panera/luta
Panorering och lutning innebär att kameran roteras i sidled eller upp/ned på ett stativ eller en vridpunkt. Det är ett sätt att sätta kameran på ett annat motiv utan att skära till en annan bild. Den kan också användas för att följa en karaktär eller karaktärer när de rör sig inom ramen.
En panoreringsbild kan skapas genom att först placera ett par bildrutor för att visa var kameran kommer att starta och var den kommer att hamna, och sedan lägga till pilar för att beskriva kamerarörelsen. I figur 3 ser vi en panoreringsbild för en enkel dialogscen.
Som bilden visar flyttar kameran först från en uppsättning karaktärer till den andra, sedan tillbaka igen. Pilarna visar rörelseriktningen.
Spåra
Ett spårningsskott är ett annat sätt att följa motiv. Denna typ av tagning innebär att hela kameran flyttas från en plats till en annan och ofta följer ett rörligt motiv. Spårning kan innebära att kameran flyttas med spår eller på en docka eller så kan den göras handhållen.
I figur 4 följer kameran mamman när hon springer. Notera pilen som visar kamerariktningen.
Zooma
Zoomning är en rörelse av kameralinsen i motsats till en rörelse av själva kameran. Att zooma in innebär att justera objektivet så att det kommer in närmare motivet, medan utzooming betyder motsatsen:att justera objektivet för att ta in mer av scenen. (Se figur 5)
Den inre ramen visar var bilden börjar. När åtgärden fortskrider dras kameran ut, vilket visas av pilarna. Den yttre ramen visar var bilden slutar – i en vidvinkel som visar hela rummet och alla karaktärer i bilden.
Avslöja
Vad händer om du inte behöver själva kameran för att röra sig, men vill visa karaktärer som rör sig in i, ut ur eller genom ramen under en bild? Ett enkelt sätt att göra detta är genom att rita pilar. (Se figur 6 och 7)
Pilar kan också avbilda mindre rörelser inom ramen, till exempel en vridning av huvudet. Något osynligt som rör sig in i en scen kallas avslöjande.
180-gradersregeln
Nu när vi har täckt grunderna, här är ett par andra saker att tänka på när du ställer in dina bilder. För det första kanske du har hört folk prata om att "inte gå över gränsen" när de sätter upp en scen. De använder en slangterm för 180-gradersregeln eller handlingslinjen, vilket är en mycket viktig tumregel för filmskapande. Vi kommer att demonstrera denna regel med en enkel dialogscen. Här, mästarskottet, visar Bill och Carol sittande vid ett bord tillsammans (se figur 8). Föreställ dig nu den här scenen ovanifrån, med en rak linje som löper genom mitten av motiven (se figur 9).
Om du håller din kamera på samma sida av den här linjen – även 180-graderslinjen – säkerställer du visuell kontinuitet och förhindrar att tittarna blir desorienterade.
Nu ser vi samma diagram med några möjliga kameraplaceringar (Figur 10). Observera att kameror för A, B och C är på samma sida av linjen.
Låt oss lägga in bilder A, B och C i en storyboard. Det kommer att se ut som i figur 10a, 10b och 10c.
Den här skottsekvensen följer 180-gradersregeln. Bill och Carol har ett samtal. Först har vi en masterbild av de två, som visar publiken var de är i scenen och var de är i förhållande till varandra (Figur 10a) Nästa är en närbild av Bill (Figur 10b), och sedan en av Carol (Figur 10c.) När de individuella bilderna redigeras tillsammans verkar Bill och Carol vara vända mot varandra, precis som de är i huvudbilden.
Låt oss nu försöka sätta ihop bilder A, B och D från diagrammet. Storyboarden kommer att se förvirrande ut, som i figurerna 11a, 11b och 11d.
Den här skottsekvensen är desorienterande eftersom den bryter mot 180-gradersregeln. Lägg märke till hur Bill och Carol nu ser ut som om de är vända åt samma håll, snarare än att titta på varandra över bordet? Att hålla kameran på ena sidan av handlingen kommer att spara dig en stor huvudvärk i redigeringsrummet!
Några sista tips
Nu när du är utrustad med några visuella referenser och ett grundläggande skottordförråd, här är ett par andra saker att komma ihåg. Som vi just har sett kan en bra storyboard hindra dig från att regissera scener som är desorienterande eller visuellt monotona. När du har illustrerat dina bilder i förväg får du en "smygtitt" på hur de kommer att klippas ihop. På baksidan av myntet, gå inte överbord med dussintals olika skott. Kom ihåg att varje skott innebär tid att sätta upp, vilket bränner besättningens tid och arbete.
Äntligen lönar det sig alltid att träna! Du kan göra detta även om du inte har ett eget manus att arbeta med. Se en scen från din favoritfilm. Sätt dig ner med en penna och lite papper och gå igenom scenen skott för skott. Kopiera varje bild till ditt papper, använd exemplen i den här artikeln som referens – kom ihåg att stickfigurer är okej.
När du ritar, tänk på valet av skott. Hur bidrar urvalet av bilder till den övergripande känslan av scenen? Finns det många känslomässiga närbilder, eller använder regissören breda bilder för att förmedla distans eller ensamhet? Håller han eller hon sig nära masterbilden, eller är scenen full av rörelse? Att titta på andra regissörers arbete kan lära dig mycket om hur scener sätts ihop. Du behöver inte ens ta upp en kamera för att göra det!