Ljuddesignens historia innefattar innovationer från några av de största namnen i Hollywood. På filmfestivalen Tribeca 2019 hörde vi deras berättelser.
Förra veckan på Tribeca Film Festival 2019, Making Waves:The Art Of Cinematic Sound hade premiär efter nio år i produktion. Regissören Midge Costin tar med publiken på en resa från stumfilmernas era till dagens storfilmer, med ett noggrant gehör för förändringar i ljuddesigntrender och inflytandet från teknikutvecklingen. Making Waves känns som en 90-minuters lyxig Hollywood-backlot-turné ledd av filmforskarna. Det börjar med föreställningen att ljud är det första sinnet som människor utvecklar i livmodern och slutar med en encyklopedisk guide till varje funktion på ljuddesignavdelningen. Making Waves var ett sken av årets festival, och det kommer säkerligen att bli en klassrumsbas.
Ljuddesignpionjärerna Walter Murch (Apocalypse Now på centrala punkter i biografhistorien ), Ben Burtt (Star Wars), och Gary Rydström (Jurassic Park) var artister med passion och kompetens att föra mediet framåt, och arbetade mot ett studiosystem som inte värderade ljud som en hörnsten värd finansiering eller tid. De och deras samtida var tvungna att bevisa ljuddesignens värde genom att skapa viscerala upplevelser som kunde övertyga även de mest motståndskraftiga grindvakterna. En handfull trick avslöjas i Making Waves förändrade spelet för alltid.
Fantasivarelsens fråga
Murray Spivack ledde ljudavdelningen på RKO Radio Pictures när monstret King Kong kom över hans skrivbord. Hur kunde han skapa ett vrål som var trovärdigt djuriskt men ändå på något sätt utomjordiskt, som anstår den gigantiska gorillan? Spivack tog sig till Selig Zoo för att göra fältinspelningar av ett lejon och en tiger. Han använde omvänd uppspelning och ändrade hastigheter och överlappade ljuden för att skapa en tvetydig och skrämmande ljudidentitet för ikonen. King Kong (1933) var första gången ljudeffekter spelades in specifikt för en film på detta sätt.
Spivacks märke finns överallt. Ben Burtt anklagades för att ha gett wookiees en sonisk identitet för Star Wars (1977) och tog en liknande väg med fältinspelningar. Han gjorde en karta över Los Angeles och dokumenterade var han spelade in källmaterial för ljudet i filmen, inklusive wookie-språk:en kombination av valross, lejon, kanin, tiger och grävling.
Jurassic Park behövde den här typen av magi också. Gary Rydström använde djurljud som han tillbringade månader med att spela in för att skapa dinosauriernas dån, som var tvungna att göra rättvisa åt ljuden som publiken förväntade sig. Sköldpaddor som parar sig, hästar som andas, gäss som skriker, en elefantunges ljud bromsas ner - allt detta var originalkällor i filmens ljuddesign. Det finns en grundlig genomgång av varje Jurassic Park dinosaurieartens källa låter här.
Envisa Barbra Streisand
Tillkomsten av modern ljuddesign kanske inte varit möjlig utan Barbra Streisand. Making Waves inkluderar hennes redogörelse för ett avgörande ögonblick på uppsättningen av Funny Girl (1968), när sångerskan insisterade på att hon skulle spåra en sång live på scenen istället för att underkasta sig ett dubbat framträdande. Dubbning var normen på den tiden, och Streisand var förbi det. Hennes förståelse för ljud som en mästerlig inspelningsartist - och hennes inflytande som superstjärna - gjorde henne till den idealiska figuren för att driva ljuddesign framåt på inspelningsplatsen. Men hon hjälpte också till att förändra hur filmer spelades på biografer med 1976 års remake av A Star is Born.
Innan den filmen hörde filmbesökare ljudet från en enda högtalare bakom skärmen. Streisand kände till ett nytt surroundljudsystem designat av Dolby som var mogen för användning på teatrar. Det var bråttom, tyckte hon, att släppa lös den tekniken på biovärlden. Så hon erbjöd 1 miljon dollar av sina egna pengar för att bevisa vad som kunde hända om tillräckligt med tid och omsorg lades ner på ljuddesignen innan en revolutionerande presentation av filmen i surroundljud. Warner Bros. var så förtjusta i ljudarbetet att det slutade med att de betalade för det istället.
American Zoetrope
Grundandet av amerikanska Zoetrope av Francis Ford Coppola och George Lucas 1969 cementerade en formativ allians mellan de två regissörerna och deras nära samarbetspartners. I slutändan skulle amerikanska Zoetrope producera filmer som fastställde hur viktig ljuddesign var i en films alkemin. THX 1138 och Apocalypse Now (1979) är två anmärkningsvärda exempel på experimentellt ljudverk av Walter Murch, möjliggjort av amerikanska Zoetropes djärva regissörer, som gick samman för att göra den typ av filmer de ville ha.
I Making Waves , förklarar Murch att han inte inspirerades av de kakskärande filmerna som överbelastade biografhus när han var liten på 1950-talet. Istället var han besatt av radion, spelade in bitar av program och skarvade ihop dem i icke-linjära collage som han senare upptäckte var en del av musiken betong tradition. George Lucas blev senare vän med Murch vid University of Southern Californias filmskola, och resten var historia. Du kan höra audiofilens djupt psykologiska känslighet i Gudfadern. Strax innan Michael mördar Sollozzo kommer karaktärens inre impuls in i ljuddesignen:"avfyrandet av hans nervceller när han fattar beslutet", som Murch uttrycker det.
Detta var en tidig instans av POV-ljud - ljuddesign som ger exklusiv inblick i en karaktärs upplevelse. Den fruktansvärda öppningen på tjugo minuter av Saving Private Ryan under Rydström är ett annat historiskt exempel; Pianisten och Black Swan innehåller också mördande instanser av POV-lät moget för studier.