Låt oss ta ett dyk in i det kreativa, experimentella, och mycket subjektiv film av den berömda DP Matthew Libatíque.
Vid tjugofem års ålder, när han avslutade sin MFA i film vid AFI Conservatory, samarbetade Matthew Libatíque med AFI-kollegan Darren Aronofsky i en kortfilm som heter "Protozoa". Detta inledande partnerskap skulle leda till sex långfilmssamarbeten och lansering av en av de största filmkarriärerna inom modern film.
Sedan hans första tid bakom kameran med Aronofsky skulle Libatíque fortsätta att få kritikerros i ett antal Aronofsky-filmer, inklusive Requiem for a Dream , Fontänen , Svart svan , och Mamma! . Han har också samarbetat med andra auteurs och framgångsrika kommersiella regissörer flera gånger, inklusive Spike Lee (She Hate Me , Inside Man ), Joel Schumacher (Tigerland , Telefonkiosk ), och Jon Favreau (Iron Man , Iron Man 2 ), samt engångsspel med stora namn som Liev Schreiber, F. Gary Gray, David Fincher och Bradley Cooper.
Hur blev en ung infödd New York-bor som lärde sig fotografering av sin bortgångne far med en enkel Nikon-kamera en superstjärna på film? Och hur gjorde Libatíques tidiga samarbeten med Aronofsky honom till en av de mest utforskande och innovativa DP:erna i branschen för närvarande? Låt oss ta en titt på Libatíques unika känslighet och lära oss hur du också kan använda film för att korsa det okända.
Innovativa tekniker
Det första de flesta nämner när de diskuterar Libatíques filmografi - eller till och med bara om Aronofskys filmskapande när det gäller deras samarbeten - är de innovativa kameratricken och teknikerna. Du kan se dessa genom Libatíques projekt och datera dem tillbaka till hans tidigaste tid då han experimenterade med olika variabla hastighetskontroller och dubbelexponeringar omvända skott.
Tittar specifikt på några av hans tidigaste filmer — som Requiem for a Dream — Libatíque fick tidigt mycket beröm för sina kreativa tillvägagångssätt för att implementera fast-motion montage och skakiga bildhastigheter, såväl som några av de bästa användningarna av SnorriCam-fotografering av någon DP i nyare historia.
Reversalfilm och reflekterande belysning
En tillbakablick genom Libatíques karriär avslöjar att han har spelat in majoriteten av sina filmer på omvändningsfilm, vilket hjälper till att förklara hur han har skapat så karaktäristiskt grusiga och råa bilder från bild till bild. Hans fokus på reflekterande belysning belyser också hur exakt hans kontroll över toppar och dalar i sina bilder måste vara, särskilt när han hanterar de ofta handhållna och rörelsefulla sekvenserna från filmer som Black Swan .
I ARRI-klippet ovan erkänner Libatíque att han, även på sina digitalt tagna projekt, fortfarande använder en reflekterande mätare och använder en "vågform som ger en reflekterande avläsning av någons hudton", eftersom det är så hans öga bearbetar ljuset och färgerna för varje skott. Och även om vändningsfilm kanske inte är rätt för varje DP och varje projekt, har dess utseende nästan blivit synonymt med Libatíques film vid det här laget.
Subjektiva kamera och närbilder
När vi talar om hans arbete med Aronofsky, men också som en stil och ett tema som återfinns genom hela hans samarbeten, är Libatíques kamera ofta ganska subjektiv, fokuserar på karaktärer och deras känslor på nära håll. Du kan se detta framför allt i filmer som Mother! , Schumachers telefonkiosk , och Lees Inside Man , där den ofta skakiga och handhållna kameran sätter dig i framkant och personlig med karaktärerna, deras känslomässiga tillstånd tydligt visas - ibland under en smärtsam tid.
I dessa fall arbetar Libatíque med regissörens parametrar för att måla dessa ramar och ge den ljussättning och komposition som behövs för att väcka dessa känslor till liv. Eller, som Libatíque uttrycker det, att arbeta inom ramens "fyra hörn" samtidigt som man låter regi och skådespeleri fylla i resten.
Maniska rörelser i tid och rum
Det är alltid intressant att dyka in i filmerna som inspirerade några av dina favoritfotografer under deras uppväxtår. Libatíques kärlek till Spike Lees Do the Right Thing (som beskrivs i Fandor-videouppsatsen ovan) förklarar verkligen mycket om hur Libatíque utvecklade sin egen känsla för rörelse i sina kompositioner.
Vi har täckt hans innovativa och kreativa tillvägagångssätt för att hantera tid, med både snabb och slowmotion för att förvränga våra förväntningar. Men Libatíque använder också utrymmet i sina projekt, och placerar publiken i berättelsen genom sin generösa användning av handhållen och steadicam. Den ökända SnorriCam ger ytterligare ett exempel på hur häftiga rörelser kan vara i en Libatíque-sekvens, med snedställda vinklar och ryckiga piskor som ökar energin och känslorna i hans bilder och scener.
Att fullända de grundläggande principerna för filmskapande
Och slutligen kan det förvåna många att lära sig att Libatíque faktiskt är en mer än kapabel regissör som kanske hade kunnat göra det som en karriär om han inte hade fallit så framgångsrikt in i film.
Libatíque föredrar att filma på film framför digitalt, men när det kommer till sina egna projekt har han varit snabb med att anpassa sig till fler gör-det-själv- och indiefilmstilar, inklusive att spela in hans senaste film A Different Beyond med en Fujifilm X-T3.
Du kan se Libatíque arbeta på inspelningen i filmen ovan. Det är faktiskt en ganska fascinerande titt på hur en storkänd filmfotograf kan ta en kamera på $1 000 genom många av samma processer som han skulle göra för en stor storfilm som Iron Man eller A Star is Born .
Från att fokusera på komposition, ljussättning och innovativa tekniker, visar det verkligen hur att rota dig i grunderna, samtidigt som du letar efter något mer, kan förvandla alla projekt till en karriär-lanserande film.