Här är de tio typer av bilder som varje filmskapare bör använda – och hur dessa bilder kan hjälpa dig att berätta ditt projekts historia.
Filmskapande är berättande. Det finns oändliga historier att berätta – såväl som sätt att berätta dem. Som konstform ger filmskapande oss ett sätt att hitta våra röster genom bild och ljud. Även om det finns många kreativa vägar att utforska, ska vi idag utforska grunderna för kameravinklar. Vinklarna och bilderna du väljer, med hur långt eller nära ditt motiv är, kan förändra hur tittarna tolkar din berättelse, på gott och ont.
Definitionen av din bild bestäms av vad som fyller din komposition, och antingen kameraplacering eller brännviddskontroller. I vissa fall definieras det av båda. Med en längre brännvidd kommer du att kunna fylla ramen med motivet, och med en kortare brännvidd kan du få ett bredare synfält som fångar både ditt motiv och landskapet.
Låt oss dyka ner i de viktigaste bilderna och vad var och en kan lägga till din berättelse.
Extrem närbild
I en mening eller två:en extrem närbild kommer att rama in ett motiv nära och fånga små detaljer som inte syns under normala omständigheter.
Du kommer att veta när du ser en extrem närbild. Det är vanligtvis något litet (eller ett litet inslag i någons ansikte) som är stort. Denna typ av skott är vanligtvis för att rikta uppmärksamheten mot ett specifikt föremål eller rörelse. Det finns ingen dold mening bakom dessa bilder, eftersom regissören talar om för publiken exakt vad de ska titta på. Oavsett om det är en specifik markering på en karaktär, eller en liten detalj som är för liten för att märka på annat sätt, kommer du inte att kunna missa den i extrem närbild eftersom den kommer att tränga in hela bilden.
Vanligtvis är det detta som skiljer en extrem närbild från en vanlig närbild; allt innehåll fyller hela ramen. Medan en närbild fortfarande kan visa vissa delar av bakgrunden.
Alternativt, om motivet är ett livlöst föremål, till exempel en tidning, skulle en extrem närbild troligen ta oss tillräckligt nära så att vi kunde se texturen på tidningen och bläcket.
Om du hade ett makroobjektiv med vidvinkel skulle du i teorin kunna placera kameran nära motivet för att få en extrem närbild. Men om ditt motiv är en skådespelare, kommer detta att göra en obekväm upplevelse eftersom du bokstavligen skulle behöva kameran upp i ansiktet. Därför rekommenderar vi att du använder ett objektiv med en brännvidd på 50 mm och mer. Ju längre brännvidd, desto närmare kan du komma in i skådespelarens ansikte utan att behöva flytta kameran framåt.
David Fincher har blivit en mästare på extrema närbilder, och du kan se dem använda i den här videouppsatsen.
Närbild
I en mening eller två:En närbild är en bild tagen på nära håll som visar mer detaljer för tittaren. Även om bilden kommer att vara intim, bör du kunna känna igen bilderna i kompositionen.
Närbilden är ditt val för alla känslomässiga, dramatiska scen som behöver förmedla vad karaktärerna tänker till publiken. Dessa bilder visar för publiken att det de ser eller hör är viktigt.
Frågan är, hur vet vi att vi ska komma närmare från ett mittskott eller en mitt närbild? Vanligtvis är en bra identifierare när publiken uppmanas till en specifik reaktion från karaktären, och en av stor betydelse som kommer att påverka handlingen på djupet.
Ett utmärkt exempel är den här bilden från Ringens Herre:The Return of The King . Gondor har kallat på hjälp, och kungen av Rohan måste bestämma sig för om han ska skicka sin armé för att assistera, trots att han har en något ljummen relation med Gondor. Kameran spårar framåt från en mittbild till en närbild och klipper sedan till flera andra närbilder av karaktärer som väntar på hans svar. Det är intensivt; den är intim och reaktionär – den perfekta användningen av en närbild.
https://www.youtube.com/watch?v=QhRFaY8A9cA&ab_channel=AllMovieVideosRamen ska sitta tätt mot huvudet och ansiktet - toppen av huvudet ska vidröra toppen av ramen. Du kan ta en av dessa bilder med valfri lins med 50 mm och högre brännvidd. Allt mindre kan skapa en viss linsförskjutning, vilket skulle förvränga bilden en aning.
Medellång närbild
I en mening eller två:En medium närbild är mindre intim än en närbild, men närmare än en mellanbild. Det är den perfekta balansen mellan intimitet och samtidigt ge motivet ett eget utrymme.
Om närbilden är från den nedre nacken till toppen av huvudet, är den mellanliggande närbilden från överkroppen. Den här bilden är perfekt för att fånga reaktioner. Se det som en känslomässig vinst för din karaktär och publiken. Denna inramning är ett utmärkt sätt att känna sig nära din karaktär och motiv, eftersom det inte finns mycket utrymme att röra sig. Det hjälper också att få tittaren in i scenen så mycket mer.
Filmskapare använder vanligtvis medelstora närbilder mot den senare delen av konversationsscener. Mediebilden kommer att bjuda in oss i scenen, men den medium närbilden tar oss in i den. Inte längre en outsider som sitter på bordet mitt emot karaktärerna, utan en del av samtalet.
Det finns ingen skriven regel som säger att du måste flytta in i en medium närbild från ett medium skott. Men när konversationen börjar få en känsla av tyngd är det bättre att gå framåt mot ditt ämne för att understryka ögonblickets lättsinne.
35 mm är standardbrännvidden här, och det är viktigt att inte drastiskt öka din brännvidd för att slå in i en mitt närbild eftersom komprimeringen av en ökad brännvidd kan förändra motivets egenskaper.
Följande scen från Michael Manns Heat är ett bra exempel på att använda en medium närbild. Du bör lägga märke till att när de väl skär till en medelhög närbild, återgår de aldrig till ett medelstort skott.
Mediumbild
I en mening eller två:Ett mittskott är det klassiska samtalsskottet. Vänlig, informativ och du kommer att kunna registrera alla ditt ämnes detaljer från överkroppen.
Den medium bilden är din standard, konversationsbild, midja upp, inramad. Det här kommer att bli din favoritbild när du filmar dina skådespelare. Den här bilden representerar tittarens perspektiv från ett samtalsavstånd. Om du någonsin ska spela in en intervju eller en dialogscen, håll dig till den medium bilden.
Vissa filmfotografer har verkligen bemästrat den mellanstora bilden - som Roger Deakins och Wally Pfister.
Ta till exempel den här sekvensen från Christopher Nolans Inception , skjuten av Wally Pfister. Du kan se att majoriteten av dialogen förmedlas genom ett mittskott. Det låter publiken ta del av samtalet, men också behålla intresset för den livliga bakgrunden som är viktig för berättelsen.
Precis som den medium närbilden är en standardbrännvidd 35 mm. Du kan dock trycka lite bredare beroende på antalet personer inom din ram. Du kan också använda en längre brännvidd för att komprimera bakgrunden och isolera karaktären, men det skulle resultera i att du måste flytta tillbaka kameran.
Även om den här bilden kategoriskt sett är en medelstor bild, tog jag bilden ett dussin fot tillbaka på ett 180 mm-objektiv.
Det tillät mig att komprimera bakgrunden för en mer isolerad mellanbild. Komprimeringen av din bakgrund kan också spela en avgörande roll för att sätta tonen för din scen. En mer komprimerad mittbild antyder ett mer spänt eller privat ögonblick än en vanlig mellanbild som visar flera bakgrundselement.
Wide/Long Shot
I en mening eller två:Bredbilden låter publiken absorbera all sceninformation i en enda bild.
Bredbilden, även känd som ett långskott, är perfekt för alla actionscener. Hela syftet med ett brett skott är att fånga så mycket information som möjligt. Du kan visa upp din uppsättning – och platser – genom att använda bredbilden för att lägga till produktionsvärde och djup.
Det breda skottet är också lika viktigt för att sätta geografin på platsen. Detta inkluderar var karaktärer är i relation till varandra, rekvisita och ljuskällor. Utan ett brett skott kan din publik ibland bli förvirrad över hur långt ifrån varandra karaktärer ska vara från varandra och deras allmänna placering inom platsen. Du skulle sedan använda de andra bilderna, till exempel en närbild, för att ytterligare betona mindre detaljer som kan missas.
Det finns ingen specifik regel för vilken brännvidd du behöver använda. Men vidvinkellinser till 35 mm kommer att vara din bästa insats, och inte bara för att de kan fånga ett bredare synfält. Om du tar en bred bild med kameran längre bak och med en utökad brännvidd, kommer färre objekt att förbli i fokus genom hela kompositionen på grund av linskompressionen.
Extremt brett/långskott
I en mening eller två:Ett extremt brett skott handlar om din plats. Det minimerar dina karaktärer och låter platsen tala för dem.
Ta bredbilden och förstärk den med tio. Den extrema bredbilden är avsedd att imponera över din publik och visa dina bilder på en imponerande skärm. Extrema bredband kan vara antenner och spårningsbilder - se bara till att dina karaktärer är den minsta delen. Allt handlar om omfattningen och omfattningen av vad som händer i berättelsen.
Den extrema bredbilden är för att framhäva din position. Svepande vyer, uråldriga slott och himmelska slätter är utmärkta exempel som återfinns gång på gång i filmer som först introduceras med en extrem bred bild. EWS är nyckeln till att visa din värld i en enda bild.
På grund av den extravaganta karaktären hos superhjältefilmer, ensemblebesättningen och världar skapade från VFX, kommer du ofta att se scener fyllda med extrema breda bilder att fylla på med allt. Det berömda exemplet är kanske den utmärkta scenen nedan från Avengers:Slutspel .
https://www.youtube.com/watch?v=fP2w_UAK6B4&ab_channel=MediaClipsEstablishing Shot
I en mening:Ett etablerande skott kommer att fastställa en plats, tid eller säsong.
Så, vad är skillnaden mellan ett extremt bredskott och ett etablerande skott? Under vissa omständigheter kan ett etablerande skott vara ett extremt brett skott, särskilt om platsen är enorm i skala. Ett etablerande skott kan dock också vara ett medelstort skott av ett utryckningsfordon vid sidan av vägen eller ett brett skott av en telefonkiosk. I grunden ger en etablerande bild publiken din films sammanhang genom plats och tid.
Du kan ha två identiska breda bilder av ett förortshus, säg en kl. 15.00 och den andra kl. 22.00, och använda dem för att fastställa en förskjutning i tiden för interiörbilderna.
De är ett lysande sätt att sätta scenen, låta publiken veta var dina karaktärer är och var de utspelar sig. Det bästa med att göra ett övertygande etableringsskott är att du inte behöver följa det etablerande skottet. Du kan berätta för publiken att din film utspelar sig i en skyskrapa medan du spelade in huvuddelen av dina lägenhetsscener. Det handlar bara om att sätta scenen och lägga till i ditt manus – utan att förlita sig på utläggning eller dialog.
Kombinera grundläggande typer av bilder för effektfull video
Även om dessa är grunderna för de olika bilderna du kan använda för ditt filmskapande, kan du också koppla ihop dem för att skapa nya och spännande bilder.
The Long Take
I en mening eller två:The long take är en enda tagning som spänner över en hel scen.
Den långa tiden är precis som rubriken. Det tar en enda tid, längre än din typiska variant, och på grund av dess specialitet och tekniska skicklighet kommer den ofta att filma hela en scen. Den långa tagningen kombinerar ofta flera av bilderna som listas ovan, eftersom det går från det etablerande skottet till en närbild. Ett utmärkt exempel på detta är från James Bond-filmen Spectre .
Ett av de bästa sätten att helt fördjupa din publik i den värld du har skapat är att använda den här bilden. Den långa tiden kan vara ett bra sätt att visa upp ditt kameraarbete och visa upp dina skådespelares talang. Det är i grunden den film som ligger närmast teatern; en non-stop take som utspelar sig i realtid i sin renaste form. Om du har sett filmer som Children of Men och Birdman , du vet exakt hur mycket intensitet och realism en lång tagning kan tillföra en scen. Men även i James Bond-exemplet som visas ovan är de flesta långfilmer på bio sällan riktiga långfilmer. Skärningarna är smart gömda mellan pannor och förgrundspassager för att ge besättningen lite andrum.
Om du har en budget, är det troligt att du inte kommer att ha finansieringen för att köpa ett trådlöst följefokussystem och en fokusavdragare. Använd istället ett extremt vidvinkelobjektiv (16 mm-20 mm) och fokusera nära oändligt fokus. Som ett resultat, nära nog, kommer allt en eller två fot framför dig att förbli i fokus.
Krashzoom
I en mening eller två:Kraschzoom är en omedelbar zoom från en extremt bred eller bred bild till ett medium eller närbild.
Crash Zoom är en något föråldrad teknik, men den fungerar fortfarande bra idag om du använder den rätt. Det innebär bara att kameraoperatören snabbt utökar zoomen till motivet. Du behöver dock vanligtvis ett filmobjektiv för att utföra detta, eftersom objektivet måste vara parfokalt. Detta innebär att trots ändrade brännvidder kommer fokus att förbli oförändrat. Det här är inget du får med ett typiskt stillbildsobjektiv.
Det finns inget bättre än en bra, vältajmad kraschzoom. Att snabbt zooma in på dina karaktärer är ett roligt och effektivt sätt att uppmärksamma det du vill lyfta fram. (Det går inte att titta bort från det du bestämmer dig för att krascha på.) Vanligtvis är den här bilden för komisk effekt. Men det är också en utbredd teknik för att demonstrera skalan och cinéma vérité-liknande kameraarbete.
Som namnet antyder kommer du att behöva ett zoomobjektiv, och helst ett som sträcker sig från en standard till telefotobrännvidd som 24 mm-70 mm i motsats till en vidvinkelzoom.
Även om Quentin Tarantino är mästare på många saker, använder han ofta denna teknik med stor framgång.
Point-of-View
I en mening eller två:I en synvinkelbild ser vi exakt vad karaktären ser.
POV är en akronym för point of view. De flesta filmer, särskilt kriminalfilmer, har en synvinkel från vilken publiken ser historien utspela sig - vanligtvis huvuddetektiven. Men med kameraterminologi har POV en annan betydelse. Det är där kameran direkt replikerar vad karaktären ser. Detta kan vara från deras direkta POV (deras ögon) som används i Hardcore Henry , eller från POV på deras inspelningsenhet som en hemvideokamera i Cloverfield . Med denna teknik assimilerar vi karaktären och vad de direkt ser.
Nu har perspektivbilder använts upprepade gånger, särskilt med hittade filmer som The Blair Witch Project . Den här bilden lägger kameran i publikens händer – visar världen från din karaktärs perspektiv. De kan känna och se allt karaktären ser, vilket skapar empati för din huvudperson. Jag rekommenderar att du provar den här. Det är svårt att få bort det, men när det är gjort rätt går det inte att jämföra.
Medan skotten listade ovan något lägger grunden för en uppsättning regler. du behöver inte specifikt följa dem. Jag sa att genom att använda ett vidvinkelobjektiv på en närbild skulle det ge din närbildsförvrängning, men filmskaparen Terrance Mallick använder detta ofta, och det fungerar. Men som Pablo Picasso en gång sa:"Lär dig reglerna som ett proffs, så du kan bryta mot dem som en artist."
Intresserad av låtarna vi använde för att göra den här videon?
- ”Masters of Funk” av Olive Musique
- "Ascending the Mountain" av Sonny Lauderdale
- “In the Evergreens” av Symphonic Collective
- "Uptown Funk" av Reaktor Productions
- "Cosmic Crush" av Wolves
- "Glöm inte" av Marc Walloch
Letar du efter fler videohandledningar? Kolla in dessa.
- Så här bygger du din egen videoredigeringsdator
- Videohandledning:Varför du behöver linsfilter för din drönare
- Videohandledning:Hur man får filmisk belysning i små utrymmen
- Hur man använder filmkorn + GRATIS filmkornöverlägg
- Hur får du bästa slowmotion-resultat med optiskt flöde
Omslagsbild av Dr. Pixel.