I video och film syftar "kontinuitet" på de många strategier som regissören använder och redaktör för att skapa illusionen av, ja, ett kontinuerligt program av ett gäng separata bilder. Kontinuitet består av alla tekniker som används för att arrangera dessa bitar till en mosaikbild där de enskilda stenarna är osynliga för betraktaren.
Reducerat till det absolut viktigaste är att göra en film en process i tre steg:
- Först tar du en kontinuerlig berättelse (oavsett om det är en berättelse eller ett facklitteraturämne) och delar upp det i separata delar som är tillräckligt små för att spela in som individuella bilder.
- Sedan tar du dessa bilder och duplicerar (eller överlappar) action från en bild till nästa.
- Slutligen sätter du ihop berättelsen igen genom att placera bilderna i ordningsföljd, samtidigt som du trimmar överlappningarna och kasserar de oönskade dubbletterna.
Som du kan se är två av tre delar av processen regissörens ansvar och redaktören utför bara återmonteringen (även om den redaktören helt enkelt är regissören som modellerar en annan hatt).
Men eftersom det här är Edit Suite kommer vi att fokusera huvudsakligen på hur redigeraren tar de bilder han eller hon får och påtvingar det en smidig kontinuitet. Vi kommer att titta på att göra osynliga redigeringar och lägga till övergångar. Och låt oss börja med en snabb reprise av skärmriktningen.
Skärmriktning
Skärmriktning är en stor bidragande orsak till smidig kontinuitet. I grund och botten handlar det om att hålla artister (och saker som bilar) vända mot eller röra sig i samma riktning på skärmen från tagning till tagning, under alla pågående åtgärder. I den verkliga världen kan de röra sig åt alla håll från tisdag; men om kameran är rätt placerad för varje bild kommer deras videobilder alltid att korsa skärmens plan i en konsekvent riktning.
Att fastställa skärmriktningen är regissörens jobb. Ditt jobb i redigeringssviten är att underhålla det, ändra det efter behov och (alltför ofta) fixa det när det är trasigt.
Så länge en karaktär behåller skärmens riktning från bild till bild, har du inget att oroa dig för. Ofta kommer dock riktningen att vända mitt i en sekvens på grund av restriktioner för kameraplacering, bara för variation eller för att regissören trasslat till.
Utan skicklig utjämning från din sida kan switchen ha ett tecknat utseende, som Wile E. Coyote som drar fram och tillbaka mellan kaktusar. Om regissören inte ändrar en skådespelares riktning mitt i en tagning så att publiken kan se och följa förändringen, har du två alternativ för att underlätta omkastningen:den tomma ramen och utskärningen.
Om råmaterialet tillåter det, låt personen eller föremålet lämna bilden i slutet av det första skottet; starta sedan nästa skott ett slag innan karaktären kommer in (nu i en annan skärmriktning.) Detta jämnar ut kontinuiteten på två sätt. För det första tillåter det tid utanför skärmen för karaktären att rimligtvis ändra riktning och för det andra tillåter det tittarens visuella minne av den första riktningen att blekna innan du presenterar den andra riktningen.
Du kan fortfarande använda det tomma ramknep även om bara en av de två bilderna har utrymme vid foten eller huvudet. Den utjämnande effekten blir helt enkelt inte lika stark.
Den andra tekniken för att mjuka upp en skärmriktningsändring är en cutaway:en bild som visar något annat än det rörliga motivet. "Cut to the birds; cut to the clouds", som filmredaktörerna skämtar – och när du skär tillbaka till huvudämnet, kommer cutaway att ha distraherat publiken från förändringen i skenbar rörelse.
I själva verket är cutaways kycklingsoppa för många kontinuitetssjukdomar. De är så användbara att vi kommer att stöta på dem som botemedel för flera fler kontinuitetsproblem.
Men vad händer om du inte har en vändning på skärmen, en skådespelare som lämnar bilden eller en cutaway? Vad gör du om felaktiga skärmanvisningar gör att en redigering ser helt fel ut? Hej, floppa bara skottet. Många växlare och datorredigeringsprogram låter dig vända skenbar riktning genom att vända bilden horisontellt. Publiken kommer sällan att märka det, så länge du följer några regler:
- Se upp för giveaways som omvända bokstäver och bilar som plötsligt börjar köra på den brittiska sidan av vägen eller en enskild förare som plötsligt transporteras till passagerarsidan av fordonet.
- Undvik tekniken när ljuset är starkt riktat. Den resulterande växlingen är inte lika uppenbar som floppade bokstäver, men publiken kommer att känna att något är fel.
- Håll den floppade bilden kort för att förhindra att tittarna inspekterar den för noggrant. Sammanfattningsvis, bibehållande av skärmriktningen bidrar i hög grad till jämnheten i den övergripande kontinuiteten.
Bra snitt, dåliga snitt
Ett annat sätt att stärka kontinuiteten är genom osynliga redigeringar:bild-till-bild-övergångar som inte uppmärksammas av publiken. För att göra osynliga redigeringar måste du välja olika kameravinklar och matcha åtgärder över hela skärningen.
Varje kamerainställning har tre egenskaper:vertikal vinkel (hög, neutral, låg), horisontell vinkel (front, 3/4, profil) och bildstorlek (långbild, mellanbild, närbild). Under många decennier har redaktörer lärt sig att ändra två av tre inställningsegenskaper vid varje redigering. Om du inte gör det resulterar det i vad som kallas ett hoppklipp, eftersom bilden verkar hoppa.
Så om bild A är ett neutralt, 3/4-vy helskott, kommer skärning till en neutral 3/4 närbild att resultera i ett uppenbart visuellt hopp. Genom att ändra den horisontella vinkeln och bildstorleken kan du skapa en smidigare redigering.
Vad händer om regissören inte har försett dig med på varandra följande bilder som varierar två inställningsegenskaper? Gör sedan så gott du kan och observera följande hierarki:
- Ingen förändring alls är helt oacceptabel (förutom när du aktivt vill skapa ett hoppklipp för effekt). Scenen förblir identisk medan skådespelaren verkar teleportera från en plats i den till en annan.
- Om du bara ändrar bildstorleken får du ett uppenbart hoppsnitt, även om det ibland är användbart för chockändamål.
- Att endast ändra den horisontella vinkeln är tillåtet nog att du ofta kommer att se det i professionella produktioner.
- Att endast ändra den vertikala vinkeln är det minst stötande hoppsnittet, kanske för att skillnaden i perspektiv är betydande, helt i sig.
Om möjligt mata dock programmet med en skön, lugnande cutaway, kycklingsoppan för sjuka redigeringar. Med en cutaway eller insats i mitten kan du framgångsrikt använda två identiska bilder eller olika delar av två tagningar av samma bild.
Övergångar
Övergångar är ett annat verktyg för smidig kontinuitet, särskilt i narrativa (berättelse)videor.
Ett rakt snitt (ingen övergång) betyder att det inkommande skottet bara fortsätter med det utgående skottet. En dissolve (även kallad mix eller cross-fade) gör en progressiv förändring från A till B. En dissolve signalerar en förändring i tid och/eller plats inom samma "akt" i dramat. Tona in och tona ut signalerar början och slutet av ett program eller större segment av programmet.
Även om dessa regler för visuell grammatik nu är lika avslappnade som de för verbal grammatik, är övergångar fortfarande användbara för att signalera olika typer av förändringar i ett program.
DVEs (digitala videoeffekter) kan utföra samma funktioner som de vanligare övergångarna, men där tonande och upplösning vanligtvis går obemärkt förbi, flips, wipes, fly-ins och vad-har-du medvetet uppmärksammat sig själva. Med måtta lägger DVE:er stil till ditt program; överanvända lägger de till distraktion istället.
Vissa DVE:er har också speciell betydelse för kontinuiteten. Till exempel signalerar en rippel upplösning vanligtvis en tillbakablick eller kanske en dagdröm. Nyhets- och dokumentärredaktörer kommer att använda en wipe eller flip för att tala om för publiken att två mycket lika bilder inte är kontinuerliga. Till exempel kan en intervju med en uppsättning använda interna våtservetter för att indikera delar som tagits bort från det redigerade programmet.
När allt annat misslyckas
Slutligen, det finns tillfällen då redaktören bara verkar ha fastnat. Bilderna vill inte matcha eller övergångar gör fortfarande tittarna förvirrade över vad som händer. När programkontinuiteten visar så uppenbara brister har du två klassiska vapen för att få en ledtråd bland publiken:titlar och berättarröst.
Titlar går naturligtvis tillbaka till den tysta eran. Såvida du inte vill vara smal med flit, kommer du att undvika mellantexter (fristående utgjutningar på en vanlig bakgrund), som:
Hur kunde hon veta det
När hon vaknade nästa morgon
Det hennes unga liv
Hade förändrats för alltid??!!
Men en enkel Tombstone 1887 över en ökenstadsbild kan berätta mycket för läsaren på ett diskret sätt. Och om du vill experimentera, använd titlar som motiv och ge din produktion en poetisk kvalitet.
Berättarberättelse är naturligtvis en bas i facklitteraturvideo, och du kan också använda den som en voice-over för att lägga till kontinuitet till berättelser (bild av kvinna som vandrar längs en stadsgata. MARY VO:Nu hur ska jag hitta en låssmed i denna konstiga stad?)
Problemet med berättarröst är att du måste etablera berättande som en konvention för ditt program och sedan använda det ganska regelbundet genom hela produktionen.
Återigen, du måste lita på att regissören levererar grundmaterialet. Trots det kan du göra mycket i redigeringssviten för att jämna ut tittarens väg genom ditt slutliga program.