Ljudredigering är det fordon som flyttar ett projekts ljud från produktions- till postproduktionsstadiet. Den största skillnaden mellan ljudredigering och ljudmixning är att redigering fokuserar på produktionen, medan mixning tar den redigerade produkten och finslipar den under efterproduktion.
Huvuddelen av ljudredigeringen sker under produktionen. Detta täcker alla stadier av produktionen från inspelning och inspelning på set till ljudeffekter, foley och ADR. Alla processer som genererar nytt ljudinnehåll kräver redigering innan det är klart för användning i efterproduktion, därför behandlas allt som redigering. Att likna denna process med livsmedelsproduktion gör att ljudredigering skördar en ny ljudgröda. Inspelningarna skärs ned till storlek, rengörs och skickas för vidare montering och förpackning.
Ljudmixning tar dessa råa element och kombinerar dem för att skapa en sammanhållen, fristående värld som består av dialog, fotfall, effekter och musik. Inom ramen för den föregående analogin är detta konsten att laga mat, konservera och förpacka.
Ljudredigering
Vid ett ögonkast ser redigering och blandning ganska lika ut eftersom samma allmänna verktyg används för båda processerna. Som sagt, de ger betydligt olika resultat. Uppdelningen av arbetsuppgifter mellan redigering och mixning är lite mer nyanserad än de tydliga valen när du ska använda Adobe Premiere istället för After Effects.
Verktyg – Less Is More
Det är lätt att uppfatta produktionsfasen som fokuserad på skotten, när produktionen i själva verket omfattar all innehållsgenerering. För ljudavdelningen är redigering lika med ljudsceninspelning, ADR, foley, effekter och musik. Detta innehåll redigeras och läggs till i projektfilpoolen.
Ljudredigering använder fortfarande samma traditionella verktygsuppsättning från en tidpunkt då band fortfarande var det valda mediet. På den tiden innebar redigering att klippa, limma och skarva tag och scener tillsammans. Att skapa en blekning mellan två delar betydde tidigare att man klippte två bitar tejp i vinkel och limmade ihop dem. Detta är ursprunget till de rakbladsformade skär-, lim- och blekningsverktygen som finns i dagens digitala ljudarbetsstationer (DAW).
Det administrativa syftet med att redigera idag är att samla alla godkända tag i ett nytt projekt och rada upp dem till videoproxyfilen. De tidiga stadierna av ljudredigering involverar mycket klippning och borttagning för att rensa upp i projektet.
Digitaliseringen har gjort redigering till en mer visuell process, främst genom att introducera vågformer. Det är absolut inget fel med att använda visuella signaler. Ett överdrivet beroende av vågformer och bristande lyssnande kommer dock att resultera i abrupta skärningar, besvärlig mätning och störda andetag mellan orden. Till exempel, lita inte bara på att använda Pro Tools remsa tystnadsfunktion i en aggressiv miljö. Lyckligtvis är det mesta av programvaruredigering oförstörande och skärområden kan utökas.
Timing
Redigering är mer än att ta bort bakgrundsljud. En bra känsla för rytm, timing och estetik spelar en stor roll för att skapa övertygande klipp, toningar och redigeringar. Med bandredigering innebär den fysiska mekaniken i processen att det inte finns mycket utrymme att skjuta upp en toning till ett senare tillfälle. Att skarva två längder av tejp tillsammans lämnar bara två alternativ:klippa och bleka. Vinkeln och riktningen på tonningen kan ändras för att få den att tona in eller tona ut med olika hastigheter, men i slutändan är dessa alla toningar.
Det som har förändrats är att redigeringsarbetet inte längre behöver frontladdas tidigt. Detta arbetsflödesförlopp frigör ingenjören att fatta vissa redigerings- och mixbeslut i efterhand.
Smutsa ner händerna
Redigeringsvärlden är en sandlåda och bör behandlas som en. När möjligheten att prova något nytt dyker upp, uppmuntras det att anstränga sig för att prova det. John Roesch, en professionell foley-artist som arbetade på "Indiana Jones and the Raiders of the Lost Ark" har hävdat att man inte kan skilja bra foley från den äkta varan. Nästan alla ljudeffekter i "Raiders" var foley, med mycket av ljudet som spelades in på setet var fullt av brus från effektmaskiner och sekvenser.
Foley är absolut värt att engagera sig i, och att bygga upp en samling rekvisita hjälper bara till att förbättra dina foley-förmågor. Detsamma gäller hittat ljud och att fånga nya ljud allt eftersom de kommer; att ha en bärbar inspelare till hands skadar aldrig.
Ljudmixning
Ljudmixning fokuserar på att förfina de nyredigerade spåren och arbeta mot en slutpunkt. Riktningen kan komma från dig själv eller andra om du arbetar med ett team. Denna etapp drar stor nytta av en produktionsplan och en destination. Ljudmixning för syftet med denna artikel konsoliderar ljuddesignerns och mixeringenjörens arbete, tidigare känd som "ljudmän".
Tools of The Trade
Redigeringsstadiet använder en mer blygsam uppsättning verktyg jämfört med det betydligt mer påkostade sättet att mixa ljud. Digitaliseringen av verktyg stannar inte vid redigeringsstadiet. All utombordsutrustning som används i ljudproduktion idag har digitala motsvarigheter. Detsamma kan sägas för samplade instrument. Det finns så många fall idag där människor inte slår ett ögonlock när de hör en sträng-sektion-i-a-låda, troligen för att klyftan har blivit tillräckligt smal.
Vanliga verktyg i signalbehandlingskedjan är:EQ, kompressorer, limiters, noisegates, reverb, delay, chorus, flanger och phaser. Automation är den sista biten som binder ihop allt och sätter alla förändringar i sten.
I praktiken
Mixning är mer än en övning av att balansera nivåer, trimma EQ och lägga till effekter. Det kräver fantasi, uppsåt, tålamod och ett bra gehör. Beslut har syfte och, om du kisar tillräckligt hårt, använd bra teori.
Equalizers används för att skulptera ljud och få fram klarhet. Det är därför vi trimmar bort resonansen i den nedre delen av sångframträdanden och ger mellanregistret en stöt. Fördröjningar och reverb är lika kapabla att skapa atmosfär, atmosfär eller rent hypnotiska sekvenser. Kompressorer kan ge ett ljud eller ge konsistens åt dialogen.
Arbetet utförs i bitar och sektioner, även när du arbetar ensam. Försök inte lyfta allt på en gång. Kompletta avsnitt är mycket lättare att hantera som exporterade stammar eller grupper – mer om det senare. Givet att spårgränserna idag har ökat, stöder Pro Tools maximalt 768 spår med Logic Pro-erbjudande norr om 1 000. Grupper gör livet enklare och håller ditt projekt snyggt, vilket gör automatisering mycket enklare. Automatisering liknar skript i den meningen att det är typiskt att automatisera alla manuella uppgifter som utförs mer än en handfull gånger.
Ögonblick från historien
Det kommer ett ögonblick då du inser att vissa ljuddesigners och redigerare spelade en mycket speciell roll i några av dina favoritprogram och filmer. Deras produktioner höjde ribban till nya höjder och gav nya minnen till otaliga publik.
Dessa filmer är nu decennier gamla och delar fortfarande en röd tråd till dagens storfilmer. Det är som att gå tillbaka i tiden och se de första användningarna av verktyg och metoder som anses vara standard i dag. Ja, dagens filmer är starkare och djärvare, men rötterna förblir desamma.
The San Francisco Boys
Ben Burtt och Richard L. Anderson tog examen från USC filmskola 1975 och arbetade tillsammans på de första "Star Wars"- och Indiana Jones-filmerna. Båda har otroligt framgångsrika karriärer i branschen och delade en Oscar för sitt arbete med "Raiders of the Lost Ark".
De två ingick i en grupp på två dussin unga ljudredigerare, dubbade av Frank Warner, känd som San Francisco Boys. Kombinationen av fräscha talanger och visionära regissörer som Francis Ford Coppola och George Lucas hjälpte till att driva mediet till nya höjder. Det var regissörernas uppmärksamhet på ljud som möjliggjorde och drev denna nya generation av ljuddesigners och redigerare.
Ljuddesignen för "Apocalypse Now" är ett verk av ljuddesignern Walter Murch, en annan USC-alumn som studerade med George Lucas. Effekterna innehöll inspelningar av vapen som avfyrade skarp ammunition, helikoptrar och explosioner.
"Raiders of the Lost Ark" känns fortfarande modernare än sin ålder, och den är inte ensam. Åren kring 1981 såg ett antal filmer tänja på gränserna för ljud och video. "Star Wars", "Apocalypse Now" och "Raiders of the Lost Ark" dök upp under fyra år. De utmanade förevändningen om vad som var möjligt och fortsatte med att inspirera generationer av filmskapare och klippare.
Lära sig av de bästa
Att använda flerspårsinspelning till tonerna av 24 spår eller mer, ibland slavande ihop flera bandmaskiner, blev en nödvändighet. De tidiga stadierna använder högre spårantal, även om dessa siffror minskar när fler avsnitt blandas och delas upp i grupper. Burtt har diskuterat att behöva kontrollera nivåerna för blåsblåsare och träblåsar separat, att göra det med spårgrupper, för att inte tappa musikelementen inuti ljudeffekterna. Idag är detta både normalt och nödvändigt, då spår ska blandas och studsas på plats som stjälkar. Spår kan skickas till bussar och hanteras på det sättet också.
Passionen och uppmärksamheten som detta väckte var otroligt positiv. Det kraftfulla ljudet som finns i dessa filmer möjliggjordes av hantverket som människor som Burtt hjälpte till att åstadkomma, ett som fortfarande lever och mår bra idag.
Referenser
- Filmernas gyllene öron
- https://www.washingtonpost.com/archive/lifestyle/1984/07/03/the-movies-golden-ears/fd0a2636-86e6-498c-810b-52e3657c92d9/
- Raiders of the Lost Ark ljudintervjuer med Ben Burtt och Joe Roesch
- https://youtu.be/WYuxYkL_AHM
- Indiana Jones Sound Design Featurette del1
- https://www.youtube.com/watch?v=YWDSFihqyH8