Master Video Storytelling med Hollywood-looken

Det är en tystnad som faller över en folkmassa när en klassisk filmad film visas på- skärm. Det är samma tysta förväntan som svävar runt lägerelden när någon säger "Det var en gång ..." när vi ägnar vår fulla uppmärksamhet åt att underhållas. Filmskaparens berättarmagi är ett noggrant finslipat hantverk som kallas Hollywood-looken. Bröllopsvideor, semesterhöjdpunkter och företagspresentationer kan alla dra nytta av de klassiska teknikerna från duken.

Vem som helst, oavsett din erfarenhetsnivå, kan uppnå Hollywood-looken genom att använda subtila tekniker. Varje skott och varje redigering måste räknas. Hollywood förlitar sig på enorma summor för att uppnå "produktionsvärde", men för dig är det enda kravet ditt noggranna öga. I den här artikeln får du lära dig vad dessa tekniker är och hur du använder dem för att skapa en klassisk video.

Skapa ditt videovokabulär

En mästervideograf skapar inte en klassisk video genom att sätta ihop helt orelaterade saker, lika lite som en journalist skriver en prisbelönt berättelse full av nonsensord. Eftersom video är så realistiskt, tenderar vi att glömma att det är ett komplext språk av bilder istället för ord. När vi samlar in all vår video från en hel dag av inspelning har vi vanligtvis slumpmässiga bilder utspridda över bandet. Uppspelad "som den är" är vår video lika förvirrande och lika tråkig som en mening som består av nonsensord. Vad är lösningen? En plan.

Varje gång kameran rullar, bör den lägga till ytterligare en bild som kommer att fortsätta logiken i en viss sekvens. Som att strukturera ord för att skapa en mening, föreslår varje skott de som kommer efter den.

Ta för att redigera, redigera från dina bilder

Din video kan handla om vad som helst, men du har en specifik idé att förmedla i varje scen. Istället för att pedantiskt informera dina tittare kan du engagera dem i små dramer genom hela din video. Du kommer att underhålla dem och hjälpa din information att hålla sig i deras sinnen.

Låt oss föreställa oss en specifik situation:Du behöver en scen i din video som visar att ABC Machining reagerar snabbt på en kunds behov. En maskinist, John, kommer att ge företaget ett mänskligt ansikte. Du kan visa John som jobbar iväg medan en berättarröst berättar för publiken hur snabbt han och företaget svarar på kundens behov. Det här är lätt att fotografera, lätt att redigera och i slutändan tråkigt för publiken.

Om du har lite mer tid, varför inte berätta en historia för publiken? Klockan är 4:45 och John ser ut att vara redo att snart åka hem. Butikstelefonen ringer och John skriver snabbt ner lite information på ett block. En kund behöver en del bearbetad, och det är en nödsituation. John fräser effektivt delen och ger den till kunden när han går in genom bakdörren. Ett väl utfört jobb har tagit John till 05:25, men kunden är nöjd och John är stolt. Han släcker ljuset och går hem. Skillnaden i Hollywood kommer från att man inte bara tänker på bilderna, utan hur de passar ihop.

Etablera, mellan- och närbildsbilder

Genom att organisera dina bilder i en visuellt smalare sekvens ger du din publik en chans att bli orienterad i platsen och din berättelse. I vår maskinistvideo kan ett etablerande skott för denna sekvens vara exteriören av ABC Machining, med skylten väl synlig, eller en vidsträckt vy av själva verkstadsgolvet. När publiken förstår var vi är, talar en medium bild om vem eller vad de ska leta efter, och låter kameran enkelt följa siktlinjen. Boka närbilder för riktigt viktiga saker du vill göra. I det här fallet skulle vi behöva en serie med tre närbilder:klockan närmar sig 5:00, den ringande telefonen och Johns förskräckta ansikte skulle berätta för publiken alla detaljer som behövs för att sätta upp dramat.

Skärmriktning

Skärmriktning handlar inte om regi; det handlar om vilken väg dina karaktärer är på väg inom ramen. Om du vill säkerställa att John gör framsteg, visa honom röra sig i samma riktning i varje skott. Om han går in från höger sida av ramen och flyttar över till vänster, bör varje efterföljande skott i sekvensen få John att röra sig från höger till vänster. Även om du skjuter dessa delar på separata platser, genom att alltid flytta från höger till vänster kan du skapa en känsla av att John rör sig i jämn följd över anläggningen.

I klipprummet

Om du spelar in ditt band med avsikten att redigera, har du några val att göra vid varje klipp. Kom ihåg att låta kameran rulla i minst 10 sekunder före och efter varje tagning, så att du får utrymme att flytta klippet i redigeringsrummet.

Om du inte vill rycka publiken ska varje klippning falla på en plats där rytmen i din sekvens inte störs. Branschens bästa knep kallas att skära på handling. Genom att leta efter rörelse i bilden och matcha den från din första bild till din andra kommer publiken inte ens att märka att du har ändrat kameravinkeln.

När John svarar i telefonen i början av vår sekvens måste en sträng av ganska disparat material flyta samman smidigt och begripligt. Från en närbild av telefonen rör sig Johns hand in. När han tar tag i luren och börjar lyfta den kan vi klippa till en bredare bild av honom på telefonen. Genom att skära in i det bredare skottet i det ögonblick då han lyfter mottagaren jämnar vi över eventuella störningar i sekvensen. Detta breda skott kunde samtidigt avslöja klockan i bakgrunden. För att fastställa hur viktig klockan är för John klippte vi in ​​en närbild av hans ansikte. Hans öga flimrar ett ögonblick mot väggen. Det är ögonblicket vi klipper till en närbild av klockan. Genom att skära på Johns handling har han riktat vår uppmärksamhet mot klockan och gjort en smidig övergång som inte stör tittarna.

Klippa på takten

Att klippa dina bilder för att matcha takten i bakgrundsmusiken hjälper till att skapa en rytm till dina redigeringar. För att åstadkomma detta behöver du ett redigeringssystem som stöder både tidskod och A/V-dubbning (möjligheten att kopiera video utan att förstöra det befintliga ljudet och vice versa). Du lägger först ner musiken för ditt redigerade band, och ser senare till att varje nytt klipp börjar vid takten i musiken.

Att utföra detta i en tvåfingerredigering mellan kl. din kamera och videobandspelare utan redigeringskontroll är mycket svårt. Även om du kunde trycka på pausknappen i exakt rätt ögonblick, måste du ta hänsyn till ditt skivdäcks paus-till-inspelningsfördröjning. Dessutom, om du har en redigeringslek av hyfsad kvalitet, kommer den förmodligen att vilja köra en pre-roll före varje redigering för att se till att bandet är i full fart innan inspelningen börjar.

Klipper till musikalen beat är ännu enklare med ett olinjärt redigeringssystem. Du markerar musikens takter och drar och släpper helt enkelt dina nya bilder till en tidslinje för att matcha tempot på soundtracket.

Det visuella slaget är besläktat med takten i komedi – en liten död punkt som låter den föregående bilden (eller skämtet) sjunka in. Till skillnad från att skära på action letar du efter de små döda punkterna mellan rörelser. Vid dessa andningsöppningar kan du skära bort till vad som helst (relaterat eller inte). Eftersom det finns en tillfällig paus ("takten") förväntar sig publiken inte att rörelsen i det aktuella skottet ska fortsätta. Detta är lika användbart för dokumentärer (där du blandar mycket olika material) som det är med drama (där du behöver kontrollera takten och flödet av berättelsen).

Bortsett från dessa mer subtila bitar av Hollywood "grammatik", det finns ett antal andra "ord och fraser" som kan hjälpa dig att berätta din historia. Nedan är en lista över några av de vanligaste (och användbara) "fraserna" till ditt förfogande:

Knepen med Hollywood-looken kan få ditt arbete att framstå som sömlöst och klassiskt – och det är ingen illusion. Det är upp till dig; att tala till din publik på det berättarspråk de förstår garanterar att de förstår ditt budskap.