Berättande filmskapande är en av de största och mest kraftfulla formerna av konst som någonsin uppfunnits, och den är fortfarande relativt ny. Och även om den växte upp snabbt fanns många av de element som utgör en framgångsrik narrativ film redan i början. Man behöver inte leta längre än till Fritz Langs mästerverk från 1927, Metropolis att se hur avancerat filmskapande var bara tjugo år efter att Edisons första kortfilmer experimenterade med rörliga bilder. Detta beror på att filmskapande var en naturlig förlängning av andra konster som hade funnits i tusentals år och att det snabbt kunde smälta och utnyttja det arbete som gjorts av romanförfattare och dramatiker och målare och att ta från denna befintliga kunskap och omvandla den till en något annorlunda riktning.
Vilka faktorer bör du tänka på när du väljer ett skott?
Rörliga bilder är egentligen bara en serie stillbilder som visas efter varandra och reglerna för bra komposition som gäller för alla andra visuella medier gäller även för film- och videoproduktion. En bild som ser bra ut på en skärm kommer också att se bra ut i en ram på väggen i ditt vardagsrum – helt bortsett från alla andra aspekter av filmen – kan du spela in det bästa ljudet i världen med tio exklusiva Shure-mikrofoner , eller så kan du spela in en stum film, kameraplaceringen räknas helt av sig själv och ger en känsla av känsla.
Berättande filmskapande är en av de största och mest kraftfulla konstformerna som någonsin uppfunnits.
En av de mest visuellt övertygande serierna som kommit upp på tv-skärmar nyligen är Netflix originalshow "House of Cards" med Kevin Spacey i huvudrollen som en högt rankad, lojal och hårt arbetande kongressledamot som behandlas dåligt av en president som han hjälpte till att välja, och tillbringar två härliga säsonger utkräver en intrikat hämnd. Den är inspelad på RÖDA digitalkameror. House of Cards är skjuten med en nästan obsessiv uppmärksamhet på symmetri. I en värld som styrs av Rule of Thirds var serieskaparen och regissören David Fincher inte rädd för att sätta sina karaktärer i mitten av skottet gång på gång och resultaten är vackra. Känslomässigt och undermedvetet säger de till oss att världen är balanserad. Vilket bättre ställe att göra det i en show om en regering konstruerad för att balansera sig själv? Men Fincher kan också ställa dessa scener av lugn balans tillsammans med andra som är viktade åt den ena eller andra sidan, och publiken blir undermedvetet medveten om att saker och ting inte är så stabila som vi hade trott. För mer om komposition, kolla in den här artikeln.
Varför använda en tight shot känsla eller ett bred skott? Finns det någon känslomässig skillnad?
Hur nära talangen är i ramen ger oss en känsla av hur nära de är oss, eller andra saker. Detta användes spektakulärt i Robert Bentons drama från 1979 om en familj som faller samman, Kramer vs Kramer. 
Skådespelaren Dustin Hoffman knuffar sin son Billy (spelad av Justin Henry) på en cykel, när Billy kommer på hur man ska göra rida kameran drar sig tillbaka när Billy rider mot publiken, Hoffman blir mindre i bakgrunden, förutsäger att Billy lämnar sin far och avståndet som kommer att komma mellan dem. Här är vad som verkar vara ett enkelt skott - en far som lär sin son att cykla - insvept med lager av metaforer.
Hur bidrar utrymmet du fotograferar till de känslor en publik har om motivet?
När du väl lärt dig trepunktsbelysning kan du finna dig själv överväldigad av önskan att skjuta människor framför en grå bakgrund med riktigt snygg, mjuk studiobelysning med en uppsättning Arri-videobanker. Att öppna upp din bakgrund och fylla den med information om ditt ämne kan hjälpa dig att skapa stämningen för din intervju. Att skjuta en vetenskapsman i deras trista, lysrörsbelysta kontor kan tyckas vara ett dystert misstag när du först går in i rummet, eftersom belysning som är funktionell - som lysrör över huvudet - inte nödvändigtvis är attraktiv. Men bara för att lamporna finns där betyder det inte att du måste använda dem. Släck ljuset och lys upp scenen själv. Försök att använda små smala ljus för att accentuera delar av bakgrunden. Var inte rädd för att använda geler för att kasta upp lite färg på väggarna. Gör din bakgrund intressant, men låt den också hjälpa dig att berätta din historia. Skjuter du en paleontolog? Får du plats med ett dinosaurieskelett i bakgrunden? Skjuter du en violinist? Kan du göra det på scenen i konserthuset? Alla dessa bakgrunder har en känslomässig inverkan som din tittare kommer att känna, även om de kanske inte inser det; de subtila signalerna kommer att fyllas i när berättelsen berättas. Även tomma utrymmen i din ram kan bära världar av mening.
Hur bestämmer du mellan en bild med låg vinkel, ögonhöjd och hög vinkel? Hur påverkar detta publiken?
Var vi ser människor ifrån har stor inverkan på hur vi ser dem. Det beror dels på att många av oss är vana vid att se ner på barn och på vuxna, men också på att vi känner en naturlig skrämsel från saker som är större än oss – kyrkor, jätteskepp, Godzilla, etc.
Att fotografera ett motiv från en låg vinkel får dem att se kraftfulla och skrämmande ut, om du fotograferar ett motiv från en hög vinkel blir de se liten och svag ut.
Att titta på någon i ögonhöjd visar dem som en jämlik. I "Return of the Jedi" när Luke möter den lilla Jedi-mästaren Yoda, som hela är två fot lång, kommer du att märka att Luke sitter på marken när de träffas, så att alla skotten görs i ögonhöjd . Faktum är att Yoda, trots att han är liten, mycket medvetet mestadels filmad i ögonhöjd - för även om han är liten, som han säger, "Storlek spelar ingen roll."
Varför använda en handhållen eller statisk bild?
Ibland rör sig skott; ibland står de stilla. Ibland tar man upp kameran och går med den. De betyder alla olika saker och ibland är grejen ändamålsenlighet. Rörliga bilder är nästan alltid mer engagerande, även om du kanske inte ens märker att kameran rör sig. Regissörer och filmfotografer med mycket tid och stora budgetar kommer mycket ofta att använda en dolly shot om de kan snarare än en serie statiska bilder. Men ibland är mängden rörelse och hastigheten som du måste göra för stor och du måste sätta kameran på en person och Steadicam den. Det mest uppenbara exemplet på detta är The West Wing, vars karaktäristiska gå-och-talande bilder rör sig genom en enorm rekreation av Vita huset i rasande fart, med människor som kommer och går och en konversation som går från rum till rum med en hastighet det skulle vara omöjligt att göra om du var tvungen att lägga ut en komplex serie av dockspår.
Handhållna bilder ger ofta en dokumentär känsla till bilder. De ger publiken känslan av att filmerna är verkliga snarare än en fiktiv historia. Det är ett intrång i produktionsprocessen som mycket subtilt påminner tittaren om att filmteam gör filmer om verkliga situationer, och det du tittar på kan vara en av dessa. Använd handhållna bilder i situationer där publiken rimligen kan tänka i bakhuvudet att ett kamerateam kan vara där:berättelser om politiker, musiker eller idrottare på planen. Intima ögonblick mellan karaktärer utan rimliga förväntningar på att ett filmteam skulle vara där skulle göra sig bättre med fasta kameror.
När (om någonsin) ska du zooma in eller ut?
Ditt objektiv kan ha en zoom. Det är väldigt bekvämt för att ändra brännvidder, men när du zoomar in eller ut ser det ofta ut som en amatör hemmafilm.
Dagens filmskapare använder zoom sparsamt. Vid de sällsynta tillfällena när du ser en snabb zoom på en kamera, efterliknar det ofta en TV-kameraman:publikscen, det hörs en smäll, någon ramlar ner! Kameran zoomar till ett tak där en skuggfigur med en pistol ställer sig upp och börjar springa! Detta kastar oss in i handlingen, men i de flesta fall när du vill ändra brännvidder är det bättre att skära bort, zooma in och sedan skära ner.
Ett anmärkningsvärt undantag från detta är den långsamma zoomen. Detta används ofta och med stor effekt, vanligtvis under monologer där en karaktär talar och kameran rör sig nästan omärkligt in i dem, vilket drar betraktaren närmare.
Se den här artikeln för lite insikt i vanliga misstag nybörjare gör i video.
Slutsats
De bilder som du väljer för din video bör alla tjäna till att främja effektiviteten av dess berättande. Individuella bilder kan skapa, förbättra och hålla humöret uppe. Bra regissörer och regissörer för fotografi har en känslomässig logik för varje kameraplacering.
Ditt uppdrag, om du väljer att acceptera det, är att hålla utkik efter följande när du tittar på TV eller film:
- Långsam zoomning — När en karaktär pratar, välj en punkt på väggen, en krukväxt, en ljusströmbrytare och se om kameran rör sig långsamt in eller ut.
- Dialogbelysning — Var särskilt uppmärksam på bakgrunden.
- Kamerans rörelser — Är kameran statisk? Rör på sig? Är den handhållen? Varför?
- Utveckla din magkänsla — Undersök hur du känner för bilder du ser på skärmen. Var inte rädd för att trycka på paus och spola tillbaka. Vad är motiveringen bakom skotten? Hur bidrar de till det du tittar på?
Varje dag i ditt liv är en dag att lära dig mer om ditt hantverk. Använd din tid klokt, studera mästarna och förbättra dig hela tiden.
Kyle Cassidy bor med sin fru Trillian, tre katter och en massa minneskort. Han skriver ofta om teknik och har arbetat gratis ibland.